Música

Aquí entra cualquier tema fuera del deporte! Musica, cine, videojuegos...

#21

Mensaje 14 Oct 2020 14:06

onlineramones77
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ramones77
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Re: Música

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Que rápidamente pasa el tiempo.
El viernes un viaje en el anacronópete musical acerca del Punk y sus posibles orígenes...
anécdotas, buena música y mucha rebeldía 🕶️🚬
Todo aderezado con un punto clásico final 🎸✊
Tres preguntas para ninguna respuesta...
Un adelanto GETAFIANO🤭
Punkitos TOTAL!
Que tiempos aquellos 🏴☠️📢



Referencias 💊🩹
LOS PUNKITOS: HISTORIA DE UN MITO

A finales de 1979, la compañía discográfica Hispavox está en quiebra técnica. En busca de un revulsivo que les haga recuperar terreno, sus directivos deciden adentrarse en la corriente musical del momento: El Punk.

Para ello comienzan a explorar los territorios del underground madrileño, que por aquel entonces estaba viviendo los inicios de lo que se conoce como "la movida", en busca de un grupo de jóvenes afines al estilo que ofrecieran las garantías necesarias. Una fría noche de noviembre, el cazatalentos Pancho Hierro acude a la sala "La Pepa", ubicada en el barrio de Moratalaz, para ver el concierto de "Kagarruta", un grupillo de tres jóvenes, prácticamente niños, que llevaban ya unos meses dando de qué hablar. Ellos eran Lucía Vanadio, "Lucy", al micrófono, Carlos Boro, "Carlitos", al bajo-teclado y Eduardo Actinio, "Edu", a la guitarra.

A pesar de que el concierto sólo dura media hora, Pancho queda maravillado con la calidad musical de los críos, y esa misma noche decide hablar con ellos para ofrecerles un contrato discográfico. No le cuesta mucho convencerlos, y al día siguiente ya firman para la compañía. La única condición del contrato es que deben cambiar el nombre del grupo y llamarse "Los Punkitos".

A las dos semanas, el trío de oro entra en el estudio para grabar un maxi single de cuatro canciones. Los temas seleccionados, que ya tenían su versión en maqueta, son pulidos al máximo para ofrecer un producto de la máxima calidad. El mini-LP, titulado "Punkeando", sale a la venta en esas mismas navidades. Al principio pasa desapercibido para la crítica y el público, pero el boca a boca hace su efecto y en poco más de un mes el disco se sitúa en el nº 1 de las listas nacionales. Los temas "Caca culo pedo pis", "Pilila moco chumino", "Jopeta jopelines jobar" y "Chincha rabincha" se convierten de inmediato en unos hits. "Caca culo pedo pis" adquiere la categoría de himno punk, y al grupo le llueven los conciertos, las giras, los premios y el dinero.

En abril de 1980, "Punkeando" ya es disco de platino en España. Por aquel entonces, el grupo ya había traspasado las fronteras nacionales y era todo un icono en Iberoamérica y el mundo anglosajón.

Sin embargo todo era demasiado bonito, ya que a la vuelta de la gira internacional en junio, se empiezan a hacer palpables los problemas de Edu con las drogas. Durante un festival benéfico en Pamplona, cae de redondo en el escenario consumido por la heroína, y todas las alarmas se disparan. En agosto, tras un parón necesario para que Edu se recupere, el grupo entra en el estudio para grabar su primer LP. Es entonces cuando surgen las primeras discrepancias en el seno del grupo, ya que Edu quiere recrudecer el sonido, mientras que Lucy y Carlitos pretenden seguir una línea más Pop.

Llega Octubre y el grupo apenas tiene dos temas en la recámara. La discográfica presiona pero no se avanza, pues Edu falta constantemente a las sesiones de grabación a causa de su politoxicomanía. Ya en noviembre, durante la grabación de uno de los nuevos temas, tiene lugar una discusión de tintes dramáticos en la que su mánager y productor, Richi Tantalio tiene que ser hospitalizado con una brecha en la cabeza. Ese mismo día, Edu toma la decisión de dejar el grupo.

Carlitos y Lucy pretenden continuar, pero pronto se dan cuenta de que sin Edu no van a ningún lado. En diciembre de 1980, durante una multitudinaria rueda de prensa, Lucy, entre lágrimas, da la terrible noticia: "Lo dejamos". Sólo había transcurrido un año desde su nacimiento y los Punkitos dejaban de existir. Había muerto el grupo, pero había nacido el mito.

Tras la disolución, cada uno tira por su lado: Lucy y Carlitos reemprenden su descuidada vida académica, mientras que Edu prosigue su camino a la perdición. Después de probar todas las drogas habidas y por haber, y convertido en un pellejo humano, fallece en 1989 víctima de una afección coronaria. Sus antiguos compañeros no acuden a despedirlo.

Vídeo de su participación el la película Las aventuras de Enrique y Ana, en la que se interpretan a ellos mismos...





LOS PUNKITOS HOY:

Lucy: Vive felizmente casada con un diputado al congreso y, junto a él, se dedica a la vida contemplativa. Tiene 6 hijos y es la actual presidenta del Club de fans de Julio Iglesias.

Carlitos: Ahora se llama Carlita y reside en Alemania, donde ejerce como productora de música Techno.

Edu: Sigue enterrado en el cementerio de Leganés, y no se espera que salga de allí.


HAN DICHO DE ELLOS:


- "Edu fue mi maestro, el que me guió por los caminos del verdadero punk-rock. Me enseñó a tocar la guitarra y a cagarme en el sistema. Si no fuera por él, ahora estaría perdido en algún descampado metiéndome jaco". Iosu Expósito, vocalista, guitarrista y líder de Eskorbuto.

- "Hay tres discos que marcan un antes y un después en la historia de la música española: "Como un gigante" del Fary; "Locovox" de Locomía y "Punkeando" de Los Punkitos". Jose María Íñigo, periodista y musicólogo.

- "Ellos no eran un grupo infantil como nosotros, detrás de esas letras aparentemente inocentes se escondía el grito desgarrador de la sociedad oprimida". Tino, líder de Parchís.

- "El Punk con mayúsculas empieza con Los Punkitos; antes de ellos no había nada, sólo cuatro drogadictos diciendo tonterías". Mikal Gilmore, crítico musical de la revista Rolling Stone.

- "La música de Los Punkitos, aunque no lo parezca, ha influido en buena medida en el movimiento indie de los 90. El gafapastismo naif ultracool les debe mucho a estos genios". Alaska, vocalista de Fangoria.

- "Jodieron poco tiempo, pero vaya polvo más bien pegado". Evaristo, vocalista y líder de La Polla Records.

- "Phil apareció en el estudio con el Caca culo pedo pis. Nos lo puso y lo escuchamos en completo silencio. Cuando acabó, Joey me miró y me dijo: "No somos nadie". Johnny Ramone, guitarrista de Los Ramones.


Caca Culo Pedo Pis...

Uah, uah
Uah, uah
Pichurri, tepochí
Yacuqui, pirulí
Malano, fumanchú
Que feo que eres tú, que eres tú
Patata, pototón
Bocata de jamón
Moquito de mosquito frito, colcha de colchón
De colchón, de colchón
Pipi, caca, culo, pedo, pis
Pipi, caca, culo, pedo, pis
Pipi, caca, culo, pedo, pis
Pipi, caca, culo, caca, culo, caca, culo, caca, culo, pis
Tomate, tomatón
Carita de melón
Repica, poco, pica, pica, diente de dragón
De dragón
Recontra contra ataca
Retruécate en la traca
Retuerce el trozo y troza tizas, pica picotón
Picotón, picotón
Pipi, caca, culo, pedo, pis
Pipi, caca, culo, pedo, pis
Pipi, caca, culo, pedo, pis
Pipi, caca, culo, caca, culo, caca, culo, caca, culo, pis
Pipi, caca, culo, pedo, pis
Pipi, caca, culo, pedo, pis
Pipi, caca, culo, pedo, pis
Pipi, caca, culo, caca, culo, caca, culo
Caca, culo, caca, culo, caca, culo, caca, culo, caca, culo, pis


#22

Mensaje 14 Oct 2020 23:55

onlineramones77
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ramones77
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Buenas noches, buenos días, buenas tardes...
Cerquita del nuevo fin de semana en un cercano estado de alarma light, según zona y lugar✊
Punk, muy PUNK... Punk de escaparate, y me parece genial 🎸💊🩹
En aquellos años negroides y casposos en la España del dictador también había destellos de luz y calor, en concreto el primer grupo eran amantes de los Kinks junto al exagerado pelo largo ( cabellera de indio) les negó la posibilidad de actuar en televisión.
Primera posible canción de rotura de la época YEYÉ:

En Zaragoza había una banda de buenos hábitos que se llamaban igual 🤭


De tal palo, tal astilla...
Bienvenidos sean los hermanos Davies, para mí iniciadores con su Power Pop del futurible Punk.... Garaje y Surfin Bird aparte...
😎

Me has cazado 🏴☠️


Dentro del lento caminar sería un crimen olvidarse de otro de los posibles primitivos punketos dinamitadores en aquel 1969 sicodelico...
Primera pregunta de la semana, como se le denomina a Iggy Pop?
Fuerza interpretativa intergaláctica con un sonido que rompía esquemas en aquellos tiempos de amor y flores.
🌚 Quiero ser tu GUAU-GUAU🐾




Papa "Iguana" dejo unos maravillosos herederos hijos bastardos, MC5 adoradores también desde Detroit del Proto-Punk⚡💀🦴
Mother Fucker ☝️🤫



Aquel 1975, 1976, 1977...
Algunos se cagaban en el mismo sistema de SIEMPRE, entre pajas mañaneras, historias de barrio, marginación combativa y mucha "REGLA"🤧🧻
No se consideraban PUNK, pero sin duda es el álbum que rompió por completo con lo habitual escuchado, mucho antes que otros🍻🍺
La banda trapera del RÍO.
FORÇA Y CANUT!!!



Aquel Madrid de pioneras FM.S, Fanzines, Grupos emergentes y conciertos de butaca en colegios mayores y ateneos, de dura transición dónde surgían Cacaos Maravillosos como Kaká de Luxe, mil leches de un primitivo grupo PUNK:


El núcleo duro de Kaka de Luxe lo formaron Olvido Gara (Alaska), Carlos Berlanga y Nacho Canut, que después formarían parte de los Pegamoides y Dinarama; Enrique Sierra (Radio Futura), Fernando Márquez “El Zurdo” (Paraíso y La Mode) y el pintor Manolo Campoamor. El grupo también contó con la colaboración fugaz y/o esporádica de Carlos Entrena (Ejecutivos Agresivos y Décima Víctima), Bernardo Bonezzi (Zombies), Javier Furia (de los primigenios Radio Futura) y, aunque pueda parecer extraño, Enrique y Javier Urquijo (Los Secretos).

La formación se amplía al poco tiempo con la incorporación de Manolo Campoamor, también Ceesepe y La Cascorro Factory), que ya había conocido la escena punk en el extranjero y había conectado rápidamente con ella. Entra como segunda voz, consiguiéndose una primera actuación con batería de prestado en People, un pub de Argüelles. Se decide incorporar a Pablo Martínez. El grupo era tan precario que en sus primeras actuaciones no tenían batería. Con la llegada de las primeras y tímidas libertades de la Transición aparecen propuestas musicales diferentes inspiradas en el punk, bandas de rock más castizo como los Burning o más contundentes como Coz.

Trayectoria musical
Finalmente, y apoyados por un ya por entonces conocido Jesús Ordovás, quien fascinado por el surgir de ese algo diferente y vanguardista que se estaba gestando les dedica frecuentes elogios en la publicación Disco-Express, Kaka firma una especie de contrato (todos los integrantes eran menores de edad) con el sello Chapa del Mariscal Romero, del cual saldría un EP antológico por su significado, "Kaka de Luxe"(Chapa, 1978), grabado en la más absoluta precariedad de medios.

El futuro del grupo de la banda no era tan prometedor como cabría suponer. En 1978, Enrique Sierra y Nacho Canut son llamados a filas. Esto, junto a las grandes diferencias ideológicas y musicales que iban surgiendo, el inesperado y polémico segundo puesto en el Villa de Madrid (en detrimento del Wyoming y El Reverendo), la ausencia de dinero y la decepción de la producción en Chapa, no ayuda a quitarse de encima la sensación de fracaso que asfixiaba a varios de los componentes.


Rosario se ha escapado, historias de latas asesinas y mucho pito divertido 🍭



Sin las muñequitas de New York, travestidas y echando basura por sus lindas boquitas no habría existido el Punk-Rock🤯



Y al final llegó la Revolución💣



Soy un anticristo.
Soy un anarquista.
No sé lo que quiero,
pero sé cómo conseguirlo.
Quiero destruir al paseante.

Porque yo
quiero ser
anarquía.
No ser el sirviente de nadie (dogsbody).

Anarquía para el Reino Unido,
va a llegar en algún momento y tal vez
yo me pare en mitad de la calle interrumpiendo el tráfico,
Tu sueño futuro es un centro comercial.

Porque yo,
yo quiero ser
anarquía.

Cuántas maneras de conseguir lo que quieres.
Yo uso la mejor.
Uso el resto.
Uso la NME (revista musical).
Uso la anarquía.

Porque yo,
yo quiero ser
anarquía.

¿Es esto el Movimiento Popular de Liberación de Angola? (MPLA)
¿O es esto la Asociación en Defensa del Ulster?
¿O es esto el Ejército Republicano Irlandés?
Pensaba que esto era el Reino Unido,
o solo,
otro
país.
Otra vivienda social.

Quiero ser
anarquía.
Y yo quiero ser
anarquía.
¿Sabes lo que quiero decir?
Y yo quiero ser
anarquista.
Emborracharme.
Destruir.

Sex Pistols - Anarquía en el Reino Unido


La clientela era el guitarrista Steve Jones (nacido el 3 de septiembre de 1955 en Shepherd’s Bush, Londres), el batería Paul Cook (nacido el 20 de julio de 1956 en Hammersmith, Londres) y el cantante John Lydon (más tarde Johnny Rotten) (nacido el 31 de enero de 1956 en Holloway, Londres), a ellos se unió Matlock como bajista.

Comenzaron a tocar en diferentes clubes y locales londinenses interpretando con crudeza y provocación temas cargados de cáustica crítica social y política que en boca de un entusiasta Rotten acometían contra todo lo institucionalmente establecido.
“Anarchy In The UK” fue su primer y único sencillo en la EMI -sello del que fueron expulsados por sus continuos escándalos- y también el único en el que colaboró Glen Matlock, quien fue sustituido por un personaje llamado John Simon Ritchie, alias Sid Vicious (nacido el 10 de mayo de 1957 en Lewisham, Londres) .
“God Save Thee Queen”, su segundo single de gran éxito, y los siguientes, “Pretty Vacant” y “Holidays In The Sun”, fueron publicados en la Virgin.


Sin una familia feliz no hay Ramones trepidantes ⛽
Vaya noche vieja del 77!



Joey Ramone (Jeffrey Hyman): vocalista principal (1974-96) y batería (1974), (fallecido en 2001)
Johnny Ramone (John Cummings): guitarra (1974-96), (fallecido en 2004)
Dee Dee Ramone (Douglas Colvin): bajo y vocalista (1974-89), (fallecido en 2002)
Tommy Ramone (Thomas Erdelyi): batería (1974-78), (fallecido en 2014)
Marky Ramone (Marc Bell): batería (1978-83, 1987-96)


"Gabba Gabba Hey!"
Segunda pregunta... de qué película siniestra sacaron su grito de guerra?
Próxima semana segunda parte con Dead Boys, The Stranglers, The Damned, UK Subs, UVI, Espasmódicos, Punk qué PUNK, ESKORBUTO ✊ y Polla Records con una bajada musical al MORO, ruta del SUR con mucha substancia y esencia🚦
Mañana 6 Bonus Track muy a lo "Clásico"...
Fin de fiesta, tercera pregunta...muy de 'Caja de ritmos'.
De quién versionarón quiero ser una Zorra!
💘💌
Desde el País Vasco con referencias directas a un carroza llamado Lou Reed🥊



#23

Mensaje 15 Oct 2020 09:27

onlineramones77
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ramones77
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Llegan los 6 Bonus Tracks clásicos rockeros🎸🎵🎶Good Morning Blaugranas!!!
Que mejor manera de combatir la poca alegría y desidia del Barcelona ante el Sevilla.
A ritmo de La Tocata y fuga en re menor, BWV 565 es una pieza de música de órgano escrita, según sus fuentes más antiguas, por Johann Sebastian Bach. La pieza abre con una sección de tocata, seguida de una fuga que termina en una coda. Es una de las obras más famosas del repertorio de órgano.
En directo desde el país de Koeman, 1973.



51 años después:
Focus fué formada en 1969 como un trio por el multiinstrumentista Thijs Van Leer, Martin Dressden (bajo) y Hans Cleuver (batería), a quienes se uniría meses después el guitarrista Jan Akkerman. Con esa formación editan su primer disco Focus Plays Focus, rebautizado para el mundo In and Out of Focus (1970), cuyo sonido presagiaba la maravillosa mezcla de influencias que poco después los haría famosos.

Tomando del jazz, de la psicodelía, de la música renacentista vía Jan Akkerman, del blues, de la música clásica y operática de la mano de Thijs Van Leer, y un poco del sonido de Jethro Tull, la banda de Amsterdam irrumpió en el panorama musical de manera avasallante.

Con dos nuevos integrantes, el increíble baterista Pierre Van Der Linden y el bajista Cyril Havermans, se edita una de las obras maestras del rock de los 70, Moving Waves (1971), conteniendo la suite de 23 minutos “Eruption”, y la sorprendente “Hocus Pocus”, una frenética fusión de opera con rock progresivo que ha sido la carta de presentación de la banda a través de las décadas.

Aquel año Focus es declarada mejor nueva banda por los dos semanarios más prestigiosos de Gran Bretaña: New Musical Express y Melody Maker.


Desde Holanda sin desperdicio alguno 🎯



Sables en alto necesita el Barcelonismo contra Bartomeu y todos los infortunios de los últimos años⚔️🗡️🛡️
La Danza del sable es un movimiento del acto final del ballet Gayaneh, compuesto por Aram Jachaturián y finalizado en 1942. Evoca una danza de espadas armenia, en la que los danzantes muestran su habilidad con los sables. Su sección central incorpora una canción tradicional armenia de Gyumri.


CUANDO DAVE EDMUNDS DIJO ADIÓS A LA MÚSICA.

En 2017 el guitarrista, cantante y productor Dave Edmunds, uno de los puntales del rock clásico británico de los años 70, comunicó su decisión de abandonar definitivamente el mundo de la música. Lo recordamos hoy, cuando el gran Dave cumple 75 años.







La noticia la comunicó su amigo Brian Setzer (ex Stray Cats) a través de Facebook:

“Tengo que hacer el agridulce anuncio de que mi buen amigo y legendario guitarrista Dave Edmunds se retira después del concierto de mañana por la noche. Dave produjo los primeros álbumes de Stray Cats que generaron ‘Runaway Boys’, ‘Stray Cat Strut’, ‘Rock This Town’, ‘(Sexy) & 17′ y ‘I Won’t Stand in Your Way’. Ha volado a Finlandia para dar sus dos últimos conciertos conmigo. Le deseo todo el amor del mundo en su retiro”.








Dave Edmunds comenzó a construir su leyenda en Cardiff, Gales, en los años sesenta en pequeñas bandas como Human Beans, y en 1968 tuvo su primer éxito con el trío blues rock Love Sculpture y la famosa "Sabre Dance", adaptación rock de la música de Khachaturian, inspirado por los arreglos rockeros de la música clásica de Keith Emerson. Un buen ejemplo de rock sinfónico primitivo, pero a toda pastilla. Estupendo en single, muy aburrido en su versión larga en LP.

Pero el espaldarazo de Dave llegó ya en solitario en 1970 con una versión de "I Hear You Knocking", favorita de John Lennon, que le llevó al nº 1 de las listas británicas, momento en que comenzó a publicar LPs en solitario.







En los 70, Edmunds alternó su trabajo en solitario, a veces "one man band", con su participación en la banda Rockpile, junto a Nick Lowe, Billy Bremner y Terry Williams. Aunque en realidad muchos discos firmados en solitario por Lowe o por Edmunds eran discos encubiertos de Rockpile que no podían firmar con ese nombre por cuestiones contractuales.

Para cuando sacaron el soberbio "Seconds Of Pleasure" (1980) había muchos problemas entre ellos, algunos dicen que entre sus respectivos mánagers, y el grupo a continuación se separó. Una verdadera lástima, Rockpile hicieron el rock and roll clásico más fresco de los últimos años 70.








Una cosa que difícilmente podrán olvidar los buenos fans del rock es a Edmunds como productor. La lista sería interminable, de los primeros Foghat o el célebre "A Legend" de Shakin´Stevens and The Sunsets, a Stray Cats, King Kurt o Everly Brothers en su regreso, pasando por su trabajo con los Flamin´Groovies en su fase británica, Brinsley Schwarz o Ducks Deluxe, normalmente desde los Rockfield Studios.

Edmunds ha sido uno de los titanes del pub rock y la recuperación de las esencias del rock and roll original, además de un excelente "picker". Un ataque al corazón provocó un largo retiro de 15 años sólo roto con la edición de algunos elepés esporádicos como su último “On Guitar… Rags & Classics”.

Tan sólo desear lo mejor a Dave Edmunds. Un feliz retiro de la música.





Tocando el cielo☀️🌦️☔🌈
Sky nace en Reino Unido como una banda instrumental especializada en fusionar diferentes estilos musicales como rock, música clásica y jazz. Se forma en 1978 cuando el guitarrista clásico australiano John Williams decide formar equipo con el bajista de estudio Herbie Flowers, el teclista y compositor clásico Francis Monkman, el teclista y percusionista Tristan Fry; y el guitarrista Kevin Peek. Otras bandas como “Esperanto” ya se habían lanzado al segmento del rock-clásico. La recién formada banda firmó con “Ariola”, un pequeño sello europeo, tras una larga búsqueda. Su álbum debut, llamado simplemente “Sky”, fue un gran éxito en Reino Unido y Australia. El siguiente trabajo fue un doble álbum, “Sky 2”, que obtuvo un mayor éxito si cabe; llegando a ser el décimo disco más vendido de 1980.

En 1980, el productor británico Martin Lewis pensó en llevar a Sky a representar un concierto en la Abadía de Westminster – histórica iglesia de 900 años de antigüedad del centro de Londres. Finalmente, el concierto se celebró en febrero de 1981. Fue la primera vez que se interpretaba música rock en la abadía. Fue grabado por la BBC y posteriormente publicado en VHS. El beneficio obtenido de la representación fue donado a la organización Amnistía Internacional (que cumplía su 20 aniversario). El evento supuso una beneficiosa publicidad para la banda.





(Stanley Kubrick utilizó en la banda sonora de su película Barry Lyndon una zarabanda de Händel, a saber el cuarto movimiento de su “Suite en re menor para clavecín”, que no es otra cosa que una variación de La Folía.)


Obertura de Guillermo Tell. El adiós de Rossini.

El compositor italiano Gioachino Rossini decidió dejar de componer óperas en pleno éxito y sin haber cumplido los 40 años. Se despidió en 1829 con Guillermo Tell. La ópera íntegra apenas se representa hoy en día, pero su obertura es una de las piezas más universales y célebres de la historia de la música clásica. Dura unos 12 minutos y está dividida en 4 partes. La última, la marcha de los soldados suizos, corresponde al fragmento por el que es mundialmente conocida la obertura, una obra maestra que cumple 190 años convertida en una auténtica joya que conquista a quien la escucha.


67 años del nacimiento de un genio multiinstrumentista, valedor de todo tipo de estilos, desde la música clásica, al rock sinfónico, música electrónica, hard rock, pop, música tradicional, etcétera...
47 años del Tubular Bella, acercándose el 50 aniversario 🎧


"Para muestra un botón"
👐Alabado seas Miguelito Campo Viejo 👐✌️
Mayo que maravilloso Mes💙❤️



Y en alguna ocasión... segundas partes fueron mejores que las primeras.
En dulce Júbilo ganador, ojalá sea así, si el tiempo y las fuerzas nos acompañan, virtualmente nos veremos la próxima semana.
Eterna VIENA😉
Getafe bien vale un esfuerzo 🛸🚀



#24

Mensaje 22 Oct 2020 12:39

onlineramones77
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Buenas madrugadas, a las tardes buenas, y mañanas de tacón y aguja espumosa ⛈️🌦️⛈️
Tiempo otoñal y siete días más 🏴☠️
2 parte de viejas sensaciones PUNK en orígenes y como el clásico que se acerca qué marcará un antes y después del fatídico devinir de éstos últimos años Blaugrana... no podíamos olvidar un tema generacional que en sí abarca la irreverencia por excelencia, Jean Jacques Burnel y sus iconoclastas STRANGLERS con letras mayúsculas!!!
No más héroes nunca MÁS 🎸



Entre el tira y afloja entre Spain y resto del mundo, en aquellos principios de los 80.s no nos podíamos olvidar de los anfetaminicos Espasmódicos✊📢:

Es bien sabido que mientras que la explosión del punk en los 80 en la península tuvo dos claros epicentros en Euskadi y Cataluña, la capital estaba volcada en la que vino a denominarse La Movida Madrileña. Pocas fueron las oportunidades que se le concedieron a las bandas que se dedicaron a los sonidos más duros en Madrid. Y a pesar de ello, el paso de los años ha concedido el reconocimiento que no lograron en su momento a varios de aquellos grupos: La UVI, Larsen, OX Pow, La Broma de Ssatán, Espasmódicos… Reconocimiento como el que otorgaba Bolitxe, el batería de grupos como Frenopaticss o Subterranean Kids, en el documental sobre el punk de los 80 en España “No Acepto” (José A. Alfonso y Alberto Bocos Oyarbide, 2007). Ante la cámara confesaba haber profesado una animadversión incondicional para los botes de Colón y demás cuestiones que desde Madrid se producían con la etiqueta de punk. Sin embargo admitía, tras revisar videos de actuaciones de Espasmódicos: “Lo ves ahora con el paso del tiempo y dices: Coño esto es punk de verdad”.

Y es que, precisamente la de Espasmódicos era una de las ofertas musicales más duras, con un sonido impactante y crudo. No ha de extrañar, pues como ya ha relatado en muchas ocasiones José Mota -J. Siemens-, la idea de formar una banda le surge a él, a César Sánchez -CSG71- y Enrique Arnal -Kike Kruel- al escuchar un día en el que estaban tomando unas cervezas la canción “Holliday in Cambodia” de Dead Kennedys. Fue entonces que se proponen hacer algo que sonase como aquello.



La iniciativa viene acompañada del reparto de instrumentos. J. Siemens nos cuenta que por entonces ya tenía una guitarra española: “Intentaba tocar algo, pero sólo me salía lo que me inventaba”. Él se queda con ese instrumento, mientras que CSG71 y Kike se reparten “por eliminación”, bajo y voz, respectivamente. “Aunque también podría haber sido de otra forma” nos puntualiza J. Siemens. Según contaba para el ya mencionado documental “No Acepto” el guitarra de la formación, tardaron mucho en ponerse a tocar, en aprender a defenderse con los instrumentos. Se dedicaban a temas propios, ya que no sabían hacer versiones. Ahora eso sí, en cuanto salió la primera canción se hicieron las primeras grabaciones.

Para el fanzine Pogo! relataba el instante en el que el grupo termina por centrarse: “Pasamos por locales cutres y probamos a algunos baterías, la cosa no sonaba bien. Cuando cambiamos a un local mejor en Faico en Embajadores nos obligamos a tener un mejor equipo y un batería acorde, que al final conseguimos con Carlos Torero”. Es el año 1981 y acaba de formarse Espasmódicos.



Los ensayos del grupo, recordaba J.Siemens en la misma entrevista, tenían un repertorio ajustado a lo que les duraba una botella de DYC. Además, pronto consiguieron que el local se llenase de amigos cada vez que se juntaban, con lo que muchas veces la cosa terminaba siendo un auténtico concierto.

De esa premura por registrar sus primeros temas nos habla J.Siemens cuando le preguntamos: “Lo hicimos precipitadamente, vimos que la gente empezaba a grabar y decidimos hacerlo sin siquiera saber afinar”. Y es que efectivamente ese mismo año, otros grupos de punk se estrenaban sacando al mercado sus primeros discos: ejemplos fueron el de La UVI, con su “Ya Está Bien” (Spansuls, 1982), Decibelios y su “Paletas Putrefactos” (DRO, 1982) o T.N.T. con “Cucarachas” (DRO, 1982).

Los gastos de la grabación corrieron a cargo de César “que por aquel entonces disponía de capital”, por lo que no tuvieron que contar con discográfica alguna. La elección del estudio, Eurosonic, fue cosa de Kike, basándose, eso sí, en razones de dudoso peso: “Había visto pasar por allí a Julio Iglesias, sin preguntar si era el que más nos convenía, y verdaderamente flipamos con la calidad de sonido. Estaba empapelado en piedra natural, supongo que como aquel entonces una improvisación más”.

Con la cinta en la mano se presentan en el “cuartel general de DRO”, situado por entonces en un piso de la zona de Prosperidad. Allí le ofrecen a Servando Carballar la posibilidad de coproducir el trabajo. “Le pareció bien claro, se ahorraban la grabación y quedamos que iríamos a medias. Todo se hacía así de rápido y sin más por aquel entonces”.

Es así como se gesta la edición del primer EP de Espasmódicos “Recomendado Para Molestar a su Vecino” (DRO, 1982). Las tres canciones que contenía son tres auténticos torpedos. Junto a la historia de motos, accidentes y chicas que odian que les den plantón del primer tema “Enciendes tu motor”, siguen dos navajazos de velocidad a políticos, sociedad y presión mediática a la que se somete al individuo. Presentado todo ello con póster desplegable a la más pura estética punk de Dead Kennedys, con fotomontajes y fotos del grupo, diseñado por los Titanes Planetarios, pseudónimo tras el que se escondían Kike y J.Siemens.



La posible conexión con los californianos se extiende a lo personal de la voz de Kike, a las letras afiladas… hasta el batería, Carlos, al hablar de sus influencias en sus comienzos decía años después: “Los que me influyeron cuando empecé a tocar, el de los Dead Kennedys, ése se sabía todo el punk-rock y además el jazz, me apuesto mi mano derecha”. Si el capítulo de influencias extranjeras estaba claro (en su momento mencionaban, además a Sex Pistols, Damned y Husker Du), del producto nacional tuvieron a Parálisis Permanente y Siniestro Total como propuestas más interesantes.


Como botón de muestra sus grabaciones completas...
Enciendes tu MOTOR???



"De bien nacido es ser agradecido"
Espasmódicos:
En referencia directa a sus revolucionarios y contestatarios padres putativos.


Nacido como Eric Reed Boucher en Boulder (Colorado), pronto mostró interés por la política, tanto nacional como internacional, interés que sus padres estimularon (no en vano su apellido artístico «Biafra» proviene de una región nigeriana que luchó durante cuatro años por su independencia hasta rendirse por la hambruna que la asolaba). Creció en el estudio de la socioeconomía y sus ideas políticas comenzaron a arraigar profundamente.

En 1978 contestó a un anuncio del guitarrista East Bay Ray, con el que fundó los Dead Kennedys. Sería una época grandiosa de punk con influencias surferas en la música pero de letras escritas por Biafra que se cagaban tanto en la sociedad americana como en la politica internacional (California über alles sobre la política del gobernador de California, el republicano ultra liberal Jerry Brown, o temas sociales como Holidays in Cambodia o Nazi Punks, donde en un estribillo repetitivo se manda a tomar por saco a los neo nazis). A lo largo de ocho años, los Dead Kennedys sacudieron muchas mentes y se convirtieron en la banda de punk con ideas políticas más importantes de los USA, un país donde sus ideas eran subversivas y peligrosas, y Jello Biafra era la punta de la afilada lanza del grupo. La banda se separó en 1986. Volverían en 1990, pero ya sin Biafra.


Kill the Poors Tonigth💀🦴🧠




Eficiencia y progreso
vuelven a ser nuestras una vez más.
Ahora que tenemos la bomba de neutrones,
es agradable, y rápida y limpia
y consigue que las cosas se hagan.
Se acabó el enemigo en exceso,
pero sin que la propiedad pierda valor.
La guerra no tiene sentido, pero en casa sí.

El sol brilla en un nuevo día,
sin más prestaciones sociales que pagar.
Suburbios antiestéticos desaparecen
con un fogonazo de luz.
Millones de desempleados sacados de ahí rápidamente.
Por fin tenemos más sitio para jugar.
Todos los sistemas van a matar a los pobres esta noche.
Van a...

Matar, matar, matar, matar, matar a los pobres.
Matar, matar, matar, matar, matar a los pobres.
Matar, matar, matar, matar, matar a los pobres.
Esta noche.

Contemplad el resplandor del champán,
el índice de criminalidad ha desaparecido.
Sentíos libres de nuevo.
Oh, la vida es un sueño contigo,
Señorita Lily White.
Hoy en televisión, Jane Fonda
convenció a los liberales de que no pasa nada.
Así que, vistámonos
para pasar toda la noche bailando,
mientras ellos...

Matan, matan, matan, matan, matan a los pobres.
Matan, matan, matan, matan, matan a los pobres.
Matan, matan, matan, matan, matan a los pobres.
Esta noche.
Matan, matan, matan, matan, matan a los pobres.
Matan, matan, matan, matan, matan a los pobres.
Matan, matan, matan, matan, matan a los pobres.
Esta noche.

Contemplad el resplandor del champán,
el índice de criminalidad ha desaparecido.
Sentíos libres de nuevo.
Oh, la vida es un sueño contigo,
Señorita Lily White.
Hoy en televisión, Jane Fonda
convenció a los liberales de que no pasa nada.
Así que, vistámonos
para pasar toda la noche bailando,
mientras ellos...

Matan, matan, matan, matan, matan a los pobres.
Matan, matan, matan, matan, matan a los pobres.
Matan, matan, matan, matan, matan a los pobres.
Esta noche.
Matan, matan, matan, matan, matan a los pobres.
Matan, matan, matan, matan, matan a los pobres.
Matan, matan, matan, matan, matan a los pobres.
Esta noche.
Matan, matan, matan, matan, matan a los pobres.
Matan, matan, matan, matan, matan a los pobres.
Matan, matan, matan, matan, matan a los pobres.
Esta noche.

Dead Kennedys - Matar a los pobres.


Desde Barcelona no nos podemos olvidar de Último Resorte:

“Era joven y estaba llena de energía, con ganas de vivir, con ganas de romper y de llevar la contraria, ahora me tocaba vivir a mi y no sólo cómo los demás vivían”. Así reflexionaba Silvia Escario sobre los comienzos de la banda en que militó desde finales de los 70, Ultimo Resorte. Ese espíritu aplicado como auténtica filosofía de vida definía la visión del punk que Silvia dice haber mantenido a lo largo, no sólo de su carrera musical, sino de su propia existencia. Es por otro lado la determinación con la que regresa de su viaje a Londres en 1977, donde ha tenido ocasión de ver cómo bandas de jóvenes que no tienen idea de tocar instrumentos musicales, son capaces sin embargo de expresar su rabia y descontento formando grupos de punk. No perdió desde luego el tiempo en su estancia en la capital inglesa, ya que de allí volvió convertida en una auténtica leyenda local tras tener un encontronazo con la que era por entonces la pareja de moda: los mismos Sid Vicious y su novia Nancy Spungen. Aparentemente a la compañera del bajista de los Sex Pistols no le gustó nada que Silvia hiciese un par de fotos a su chico en el club londinense en el que coincidieron para ver a Johny Moped, y le tira la máquina fotográfica al suelo. Silvia se revuelve y le suelta una patada en el trasero. Sid interviene y las dos chicas terminan enzarzadas en una pelea. Existen, acompañando a reediciones de sus trabajos, y como refrendo de la anécdota, alguna foto con la pareja instantes previos al manotazo de la musa del punk con la que consiguió derribar la cámara.

A la vuelta de tan intensa excursión, se pone manos a la obra y compone la letra de una de sus canciones pioneras, “Peligro social”. Pero no es hasta 1979 que el grupo comienza de verdad a funcionar. Silvia (cantante), de veintiún años entonces, se junta con Juan Ramón Ferrando Soriano -Juanito- (bajo) de diecinueve, y formará el que será el único núcleo estable de un grupo que pasaría luego a la historia como una de las bandas clave en lo que vino a denominarse la segunda ola del punk catalán. Muchos coinciden en adjudicar los méritos de haber roto el hielo al rock macarra, urbano de una primera hornada formada por grupos como Marxa, Peligro, Mortimer o La Banda Trapera del Río. Sería luego con los aportes de Ultimo Resorte, L’Odi Social, Kangrena, Frenopaticss y similares con los que se consolidaría la escena punk-hardcore catalana de los 80.

Silvia Escario montando a un complaciente


Salvador SOSTRES, la vida oculta de un paupérrimo esclavo sexual del tres al cuarto💩😷🧻🚽





Dentro de poco nuevo estado de alarma y toque de queda Covid19:



Aumentando la diversión y el DESTROY con Charlie Harper y los UK SUBS con un poquito de Street PUNK, aquellos tiempos de fiestas fáciles en París 🥂🍾





Dos recopilaciones de oro🥇🎯 para escucharlas de principio a fin sin ningún tipo de desperdicio, la primera tuvo continuación; con los mejores grupos de inicios de los 80.s:


#25

Mensaje 22 Oct 2020 14:54

offlineAzog
Azog
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Led Zeppelin el grupo con mayúsculas. Joder ves la música que había antes y la mierda de ahora y se te cae el alma a los pies, hay excepciones pero el nivel actual es paupérrimo por no hablar de eso llamado reggaetón y derivados, lo peor de lo peor.

Última edición por Azog el 22 Oct 2020 14:56, editado 1 vez en total.

#26

Mensaje 22 Oct 2020 14:54

onlineramones77
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ramones77
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En 1981 el sello británico Abstract Records lanzó la compilación Punk And Disorderly, que se compone de un puñado de excelentes canciones punks pertenecientes a las entonces bandas emergentes y que años más tarde varias de ellas acabaron convirtiéndose en clásicos punks.

Tal es el caso de Last Rockers de Vice Squad (cuya letra estoy casi segura de que se trata de la decadencia del punk en Reino Unido, por ya había dejado de interesarle a los mass media y a muchos jóvenes), Banned from the Pub de Peter and the Test Tube Babies, Someone’s Gonna Die de Blitz, Kill the Poor de los californianos Dead Kennedys (la única agrupación no británica del disco), Police Story de The Partisans, 4 Minute Warnig de Chaos UK y Race Against the Time de GBH.



En lo personal, este es mi recopilación favorita de punk pues todas las piezas que forman parte del álbum transmiten una sensación contagiosa que lleva de regreso a la década de los ochenta.

Los grupos participantes eran muy talentosos, tenían energía muchas ganas de expresarse y los medios para hacerlo. Algunos de ellos tuvieron una existencia corta, pero otros siguen tocando hasta el día de hoy e inclusive yo he tenido la oportunidad de entrevistar a un par de músicos cuyos proyectos aparecen ahí.

Como lo mencioné líneas atrás, en aquellos tiempos el punk estaba pasado de moda (para quienes lo vieron así) y los medios ya lo habían olvidado. Además, ya había evolucionado hacia un ritmo más rápido y hasta la estética era mucho más agresiva e impactante.




Tampoco podemos olvidar de temas buenísimos como la infravalorada Straight Jacket de The Adicts, los entonces anarcopunks U.K. Decay con la dramática For My Country, Disorder con la ruidosa Complete Disorder, Outcasts con la pegajosa Mania; los Abrasive Wheels y la gran Army Song (siempre que la escucho tardo semanas para quitármela de la cabeza y más presencia oi! a cargo de los olvidados Red Alert interpretando In Britain.

Hablando de bandas olvidades del compilado, en esa categoría entran Disrupters y Demob que son una especie de one hit wonders punk con Young Offender y No Room For You respectivamente.



¡Ah! La foto que ilustra el Punk And Disorderly fue hecha por la reconocida fotógrafa Virgina Turbett, la cual la tomó mientras hacía un reportaje sobre punks londinenses para la revista The Face. Un dato curioso de los punkies que Turbett inmortalizó, es que la chica de la foto ahora es una artista conocida bajo el nombre The Countess of Brighton Pasha Du Valentine.

Azog escribió:
22 Oct 2020 14:54
LED Zeppelin el grupo con mayúsculas.



Amén :okay:


Continuamos, maravilloso vinilo:



La mejor recopilación española de principios de los 80.S☠️Punk que punk, Dro 1983.



Vamos con la primera de las tres preguntas habituales, que grupo Valenciano come RANAS sale en la anterior Recopilación???


Cantemos a coro con Floreta las ventajas de pertenecer a la buena gente del Banco de Santander 😎




Polla Récords los más internacionales con un PROFÉTICO Evaristo al frente 🤜


Segunda pregunta... de que equipo de fútbol es seguidor convencido Evaristo???


“Este sistema es una picadora de carne”.
Te Meas, Te Cagas y lo único que queda es un buen "Gatillazo".
⚡💥


Joder y COLLONS a Gogó 🧟

Ya no quedan mas cojones eskorbuto a las elecciones
para vivir alegre y contento eskorbuto al parlamento

ya no quedan mas cojones eskorbuto a las elecciones
para vivir alegre y contento eskorbuto al parlamento

ya no quedan mas cojones eskorbuto a las elecciones
para vivir alegre y contento eskorbuto al parlamento

vota que promete y promete y te lo mete
ya no quedan mas cojones eskorbuto a las elecciones
en cloacas existen ratas de dos patas con cojones de corbata
para vivir alegre y contento eskorbuto al parlamento
ahora los chicos de las calles solo piensan en casarse

el punk a muerto, viva el punk vivo o muerto
el punk a muerto, viva el punk vivo o muerto

ya no quedan mas cojones eskorbuto a las elecciones
vota con cojones, vota sobre sus cabezas
para vivir alegre y contento eskorbuto al parlamento
nuevas normas se han declarado, ni mas ni mas dios y mucho sexo

el punk a muerto, viva el punk vivo o muerto
el punk a muerto, viva el punk vivo o muerto

joder, joder, joder, joder, joder
joder, joder, joder, todo lo bien
joder, joder, joder, joder, joder
joder, joder, joder, todo lo bien

ya no quedan mas cojones
ya no quedan mas cojones
ya no quedan mas cojones
ya no quedan mas cojones
ya no quedan mas cojones
ya no quedan mas cojones
ya no quedan mas cojones eskorbuto a las elecciones.





28 años sin Iosu Eskorbuto: icono punk a su pesar.
Se cumplieron 28 años del fallecimiento de Iosu Expósito, uno de los tres componentes clásicos del trío de punk vasco Eskorbuto.
Le siguió, pocos meses después, su compañero y coautor de los temas de la banda, Juanma
Junto al que sigue siendo el único superviviente, el batería Paco, configuraron la banda más desesperadamente punk de nuestra música


Desde su nacimiento a finales de los setenta, recogiendo los restos de un rock moribundo que necesitaba desesperadamente una inyección de mugre y furia, el punk ha sufrido múltiples mutaciones. Como buen holocausto estético, técnico y musical que fue, paradójicamente generó todo tipo de variaciones que enraizaron partiendo de un demoledor estallido inicial.


Desde entonces, el punk se ha apareado con el mainstream y se ha dejado conquistar también por la música más oscura y experimental; ha tenido estrellas y estrellados; ha vivido variantes de todo tipo, muchas de ellas condicionadas por las circunstancias geográficas de los distintos territorios por donde se expandió la plaga del ‘No future’.


Es decir: el punk se convirtió en un estilo que reconocemos por el ejercicio de los pioneros y por un puñado de hits que vertebran la historia de la música popular. Pero a la vez lo entendemos como indefinible. Salvo en España. En España, el punk tiene una definición clara: Eskorbuto.


No hay nada más divertido que pasarse el día en un coche de policía 🚨🚓
La UVI



EP de Coleccionista.🍻🍺


Los 80 fueron años complicados para los grupos de punk en Madrid. Fueron tiempos aquellos en los que los focos apuntaban sobre todo a la escena de la denominada Movida. De parámetros musicales muy diferentes a los del punk-rock, todo aquel bullicio condenaría al ostracismo a aquellos grupos cuya propuesta no encajaba con los de la modernidad imperante. Por si eso no fuera suficiente, los verdaderos epicentros de los seismos que se desataron en la península tras el estallido inicial del 1977 en el Reino Unido, se situaron bien lejos de la capital: Fue en Euskadi y en Cataluña donde se desarrolló una actividad febril de bandas, fanzines y festivales en torno al punk y el hardcore. A pesar de ello, ignorar a grupos como P.V.P., Larsen, O.X. Pow, Espasmódicos, La UVI, TDeK, Delincuencia Sonora, La Broma de Ssatán, etc. no dejaría de ser una simplificación excesiva, una profunda injusticia para con quienes tuvieron que luchar a la contra en un medio que les fue hostil en la mayoría de los casos.

De todos estos grupos quizás fue La UVI los que consiguieron ganarse un mayor reconocimiento, ya no en casa, sino frente al desdén que desde lo que se vendría a denominar Rock Radical Vasco o desde la escena hardcore de Barcelona, sin olvidar a los Cocadictos de Zaragoza... se profesaba a todo lo que provenía de Madrid. Anfitriones de muchas de las bandas que venían a actuar a la villa y corte, es el nombre de La UVI el del único combo madrileño que se repite sin vacilar, por ejemplo, cuando se pregunta, en el documental “No Acepto” (José A. Alfonso / Alberto Bocos Oyarbide, 2007) a grupos vascos, catalanes o de Zaragoza, acerca de sus preferencias dentro de aquella hornada.



Desvelaba Manuel Quevedo -Manolo Uvi- a los micrófonos de Tren de Sueños, en Vagón Nuevaola80, que sus comienzos musicales se remontan al grupo del colegio, Los Seductores, que monta con su amigo Enrique Pérez Chust -Quique- que tocaba la guitarra. Tocaba el bajo y cantaba (“Casualidades (…) No había nadie mejor” decía en aquella entrevista) en las versiones aceleradas que hacían de grupos que les gustaban. Semejante rodaje no es sino la antesala de la que sería la primera formación de La UVI. En la misma, además de la pareja ya mencionada, Guillermo Sánchez Lasala -Guillermo-, un chaval que tocaba canciones de los Sex Pistols en el metro, se encarga de una segunda guitarra y José Gordo Moreno -Brasi-, vecino de Manolo en la zona de Prosperidad, de la batería, como ya hacía en un grupo mod. Brasi había empezado realmente tocando la guitarra, pero pronto queda claro que es mucho mejor batería que el que tuvieron inicialmente, Carlos Calle, compañero de las aulas de Quique y Manolo.

Con esta primera formación dan un par de actuaciones por bares de su barrio y, en enero de 1982, graban una maqueta en los estudios Doblewtronics con los temas “Me has convertido en un chiflado”, “La uvi”, “Ya está bien”, “Ruidos” y “La tensión”. Manolo nos comenta que la financiación para los gastos de grabación vino de una tienda de discos “La Oveja Negra Discos”, que estaba justo debajo de su casa. La maqueta se oye con cierta asiduidad en el programa de Jesús Ordovás en Radio 3.



Ese mismo año consiguen participar en una fiesta en Rockola junto a Stits y Control. En la actuación conocen a Perico y Sardi, quienes montarían el sello Spansuls. De las conversaciones allí mantenidas surge la idea de grabar un disco.

El trabajo que resulta de aquel acuerdo es el sencillo “Ya Está Bien” (Spansuls, 1982), grabado también en Doblewtronics al modo clásico “es decir. bajo y batería del tirón con voz y guitarras de referencia, y luego cuatro pistas de guitarra, voces, y coros. Lo de la única toma todos juntos lo desechamos, pues sigo pensando que da mayor calidad el modo clásico aun a costa de perder un poco de frescura” como nos describe el cantante cuando le preguntamos por los detalles.

De los cuatro temas que incluía este primer trabajo, destaca, por la repercusión que llegó a tener, “La policía”. Manolo, que aunque manifestaba abiertamente no mostrar animadversión alguna por la canción, reconocía no haber esperado la popularidad que llegó a tener. La difusión radiofónica que tuvo, fundamental en aquellos años, jugó evidentemente a su favor. Años después, Guillermo hablaría en la prensa especializada de aquel disco y de aquella primera etapa: “Fue el primero, muy jóvenes e inexpertos pero con muchas ganas de meter bronca y divertirnos. Nos propusieron grabar un disco y nos sentimos Dios. La verdad es que éramos muy malos, ¡éramos unos tomates!”. Y es que aunque el disco claramente no es el ejemplo de punk-rock del más duro, tiene mucho de pionero del género. Pocos son los grupos que pueden presumir de haber desplegado la bandera punk-rock tan pronto; quizás el único contraejemplo sean los granadinos T.N.T. y su “Cucarachas” (DRO, 1982).


Stiv Bators que estás en los cielos 🌌

El reciclado de algunas estrellas del punk neoyorquino de los setenta es tan sorprendente como la oleada musical que abanderaron. Walter Lure, el guitarrista de los Heartbreakers de Johnny Thunders, es agente de bolsa en Wall Street. Andy Shernoff, bajista y compositor de los Dictators, sumiller. Una vez estuve en casa de este último en Nueva York y medio salón era toda una enoteca. Recuerdo que abrió un par de blancos alemanes. Trasegando, le pregunté por los recuerdos de aquel año, el mítico 1977, y agitando el copón como el profesional del mundo del vino que es, dio un trago, saboreó el producto y dijo despacio: «En el CBGB´s, los Dead Boys empezando a tocar «Sonic Reducer»…». Volvía a paladear el vino. Silencio. Tatareaba el riff, cerraba los ojos…

Yo no sabría decir cuál fue el grupo más importante de aquella generación, ni el mayor hito de la legendaria agenda de conciertos de aquel club ese verano, pero sí que es cierto que «Sonic Reducer» es algo mayestático, cochambre mayestática, pero que detiene el tiempo. A día de hoy, nada ha envejecido en el sonido ni en la puesta en escena. El cantante, Stiv Bators, es un gusano. El guitarrista, Cheetah Chrome, un neandertal. Es sencillamente perfecto.





Llegar el primero no siempre es garantía de subirse a lo alto del podio. En el currículo de The Damned destaca un doble motivo de orgullo: haber publicado el primer single (New Rose, 22 de octubre de 1976) y también el primer largo (Damned Damned Damned, 18 de febrero de 1977) del punk británico. Más de cuatro décadas después la banda que hoy componen Dave Vanian, Captain Sensible, Monty Oxymoron, Pinch y el recién reincorporado Paul Gray publican nuevo álbum: Evil Spirits (Spinefarm / Music As Usual). El propio Vanian, de visita promocional en Madrid, nos habla de la evolución del grupo, de la experiencia de grabar con Tony Visconti y, por supuesto, del significado de la palabra “punk”.


Quedan mucho y muy diverso en el tintero, si la salud y el tiempo acompaña grandes nombres aparecerán 🕸️
Los Malditos en una época más siniestra y fantasmagórica:





En breves bajamos al sur con perfumes y efluvios oníricos que llegan desde el MORO👄
5 Bonus Track y un sexto en una dedicatoria especial🌚🌜🌛


Próxima semana 15 temazos de la historia del Hard ROCK 🍸🥃


Esta historia comienza en Sevilla a finales de los 60 cuando Gualberto García, multiinstrumentista que había sido miembro de Los Murciélagos y Nuevos Tiempos, acudió al club Dom Gonzalo, cuyo propietario era Gonzalo García-Pelayo, más conocido posteriormente por su relación con los casinos, donde estuvo tocando varios temas. Al acabar Gonzalo se ofreció darle los instrumentos de los Gong, supuestamente extintos, si formaba un grupo. A Gualberto le motiva la idea y empieza a sondear a músicos de la ciudad. En los primeros que pensó fue en unos ex-compañeros suyos en Los Muerciélagos, Mané y Silvio. Pero por diversas razones tuvieron que denegar la propuesta. Los siguientes fueron Manolo Rosa y Jesús de la Rosa. Pero este último quería aprender a tocar algún instrumento además de cantar y se fue a hacer unos bolos a un barco. Finalmente junta a Julio Matito, que se encargaría del bajo y de cantar, y a Antonio Rodríguez que pasaría a tocar la batería, formó la banda. Del nombre se encargó Gonzalo que fue el que les bautizó como Smash.



Al año siguiente empezaron a ensayar y en el verano de 1969 se presentan y ganan el Festival de Grupos del Estrecho celebrado en Algeciras y organizado por Jesús Quintero. Otro de los grupos participantes eran Los Solos, que contaban con un guitarrista danés de aspecto hippie que atraído por el flamenco recaló en Andalucía; su nombre Henrik Liebgott (también conocido como Henrik Michael), y poco después se convertiría en componente de Smash. Así la formación inicial estaba completa.

Logran llamar la atención de Diabolo, un pequeño sello que a finales de ese mismo año les graba su primer sencillo “Scoutting / Sonetto” (Diabolo, 1969); al ser una casa pequeña el single no tuvo mucha distribución y apenas se dieron a conocer. También carecía de suficientes recursos para poder dar al grupo todo lo que necesitaba para poder expandir al máximo todo su potencial, pero antes de cambiar de sello sacaron un segundo single, “Scoutting / Ensayo nº1” (Diabolo,1970).



Nuevo año, nuevo sello. En 1970 fichan por Phillips y lanzan un par de singles que tienen una mayor distribución, tanto que el club de lectores recoge ambos singles para elaborar su único EP. En otoño de ese año lanzaron su disco de debut “Glorieta de los Lotos” (Phillips, 1970). Fue bien acogido por la crítica más vanguardista del país, en especial por la Musical Express. Esto les ayudó para poder seguir la vía de la experimentación, y aceptaron el ofrecimiento de la compañía teatral Esperpento de musicar la obra de teatro “Antígona” de Bertolt Brecht. Pero la verdad es que no tuvieron mucho éxito con esta aventura, solo actuaron un par de veces; eso sí, dando una muestra de lo que era el grupo. El primer día llegaron tarde a la actuación y sin haber ensayado juntos se pusieron a tocar lo que les parecía. Eso era parte del grupo: las actuaciones en directo eran algo caóticas, pues las guitarras flamencas no se acoplaban bien con los amplificadores y la mezcla de flamenco y las estrofas en inglés no dejaba de ser un tanto estrambótico. Como dice Gualberto, “el sonido caótico ha sido siempre uno de los sellos de Smash, porque del caos siempre terminaba saliendo nuestra mejor música. Y la pena es que los discos no nos hacen justicia”.

Pura fusión:





Que Triana murió con Jesús de la Rosa es una máxima para muchos fieles seguidores de la mítica banda sevillana que ahora se dirimirá en los juzgados. Los representantes legales de Eduardo Rodríguez Rodway, el único miembro vivo del Triana que cantó "historias de otros mundos" cuando el franquismo agonizaba, han presentado una demanda en materia de propiedad intelectual por infracción de derechos de autor contra Juan Reina, líder de la actual Triana que acaba de presentar nuevo disco, precisamente de nombre 'Inmortal', y su productor y manager, Daniel Martínez.


"Rock andaluz: el franquismo agonizaba y un aire fresco entró por el sur.".


El que fuera guitarra y también compositor del histórico trío "no está dispuesto a seguir permitiendo" que Triana ejerza su "actividad plagiaria, suplantadora e ilícita, publicitándose y atribuyéndose la titularidad de una obra que no le pertenece", dice el escrito llevado al juzgado, que alega que se ha provocado a Rodway "un grave perjuicio moral y patrimonial". La actividad musical de Reina, según consta en la demanda, a la que ha tenido acceso eldiario.es Andalucía, supone "un auténtico acto de suplantación de identidad del grupo musical originario y extinguido".


Se acaban de cumplir 37 años del fallecimiento de Jesús de la Rosa, cantante y teclados, en accidente de tráfico el 14 de octubre de 1983. Su muerte conllevó "la disolución pactada, definitiva y unívoca de la banda Triana", recuerda la demanda, que repasa detenidamente la historia del grupo nacido en 1974 y que fue germen de lo que desde entonces se denominó rock andaluz. En la demanda también se muestra de una forma sintetizada el legado cultural y patrimonial de la obra intelectual creada por sus miembros originales: De la Rosa, Rodríguez Rodway (retirado de la música en 1987 tras una breve carrera en solitario) y Juan José Palacios 'Tele'.

'Tele' creó en 1994 su propio sello discográfico llamado J.J. Rock y contó para ello con varios músicos, entre ellos el codemandado Juan Reina. Actuaron con el nombre de 'Triana' aunque en no pocas ocasiones se denominó al grupo 'Triana J.J. Rock', "bien por respeto o por el mismo pacto que se alcanzó de disolución del grupo cuando faltase algún miembro fundador", explica la demanda. Fruto de aquella etapa fue la edición de los discos 'El jardín eléctrico' (1997) y 'En libertad' (1998). 'Tele' murió en julio de 2002.





CAI es el nombre con el que los gaditanos llaman popularmente a la capital y provincia de Cádiz.

Este grupo comenzó su andadura en la segunda mitad de la década de los 70, irrumpiendo en el panorama musical andaluz con una obra maestra “Más allá de nuestras mentes diminutas”, considerado uno de los mejores trabajos del rock andaluz.

En sus primeros momentos fueron unos jóvenes autodidactas y entregados, que empujados por sus ganas de hacer música realizaron sonidos cercanos al rock sinfónico, con largos pasajes y muchos arreglos.

Entre sus filas emergió una figura importante en el panorama del jazz internacional, el pianista Chano Domínguez, miembro original del grupo y compositor de la mayor parte de los temas, quien supo dotar a CAI de un carisma muy particular con sus teclados. Así mismo, destaca la voz de su batería, Diego Fopiani “Fopi”, castiza, andaluza, popular y con la gracia gaditana. Ello hace de este grupo uno de los mas accesibles a la gente de la calle. El público en general se identifica con ellos y crea entre ambos una simbiosis muy especial.

En su primera etapa grabaron tres discos de estudio (“Más allá de nuestras mentes diminutas”, “Noche abierta” y “Canción de la primavera”), tras los que se disolvieron por las presiones de su compañía discográfica, que insistía en hacer cada vez temas más comerciales para las listas de éxitos. Ellos pretendían actuar y ser fieles a su público antes que sucumbir a las presiones del mercado, pero, aún así, el grupo terminó en la ruptura.

Algo más de 30 años más tarde y, por petición popular, se presentaron de nuevo en directo en el año 2007, entusiasmados con la idea de hacer la música que les place. Y reaparecen con una formación totalmente renovada, en la que “Fopi” y Paco Delgado son los miembros originales, rodeados de otros buenos músicos gaditanos e incluso una potente sección de vientos. Después de varias actuaciones con los metales, la banda vuelve a reorganizarse.

La vuelta de José Antonio Mariscal le da de nuevo ritmo y frescura a CAI, mientras Delgado, mas tarde, se aparta de la formación por otros problemas. Empujados por ese nuevo espíritu creativo decidieron retomar su carrera discográfica publicando un nuevo disco en el 2010, “Metáforas de luz”. Un disco hecho sin pretensiones comerciales y que, a pesar de haber sido compuesto y grabado muchos años más tarde, conserva a la perfección el clásico sonido de la banda.

La vuelta de CAI supone nuevos aires de ilusión y alegría. Llegan con la idea de disfrutar en directo y recorrer las calles y plazas de Andalucía con su música, propagando ese espíritu fresco y dinámico que siempre les caracterizó. En los últimos años han actuado en numerosos puntos de la provincia gaditana, en la Bienal de Sevilla y en festival internacional en A Coruña.

El teclista Blas Lago ha sabido llenar de matices esos sonidos tan característicos gaditanos, formando un tándem con “Fopi” y “El Niño” que es el sustento de los actuales CAI.

En estos momentos siguen comprometidos en el proyecto como los originales, trabajando todos ellos en sintonía. Sin duda, un grupo veterano, con buenas maneras y cuya participación en los eventos de rock andaluz debe ser un hecho.


Pura ensoñación 🕯️




Tercera pregunta, de dónde procedían?😎


Corría el año 79 cuando cinco jóvenes amantes de Deep Purple, Pink Floyd y Uriah Heep decidieron formar una banda con aspiraciones profesionales.

Poco a poco fueron compartiendo sus inquietudes musicales, hasta conseguir una línea musical propia que significaba el punto más vanguardista y duro del flamante «Rock Andaluz», el movimiento cultural que, en aquellos momentos, movía a las masas de jóvenes, rebeldes contra las formas establecidas y fundamentalmente sedientos de libertad.

En 1980 consiguen grabar su primer álbum que, a la usanza de la época, llevaba el nombre del grupo «Medina Azahara». Este disco contenía un tema «Paseando por la Mezquita» que desde su Córdoba natal fue extendiéndose a todo el país hasta convertirse en un auténtico himno del sentir andaluz.

El éxito fue casi instantáneo y, de repente...





No hay que reiterarse pero vale la pena, más con la época que nos toca vivir con el Covid19, ante lo que vendrá, QUÉ HAREMOS???🤜🏴☠️



Radio Tarifa en el recuerdo, es un nombre simbólico y realmente resume la música del grupo. Tarifa es el punto más al sur de España. Si giras el dial de una radio allí, puedes escuchar los sonidos del norte de África, escuchas el llamado a la oración en la madrugada árabe; desde allí se llega a toda la Europa mediterránea, a Oriente Medio y más allá a las Américas. Y eso es lo que somos nosotros y nuestra música: un punto de encuentro entre todas las culturas que han pasado y continuará atravesando esa parte de España, Faín Sánchez Dueñas.


HISTORIA Y EVOLUCIÓN
Es un grupo musical español que fusiona músicas del mediterráneo -música árabe oriental, andalusí, sefardí, flamenco, folk tradicional español- y música de occidente, como el jazz. Se creó en el año 1992 en Madrid como resultado del encuentro de tres músicos; el granaíno Benjamín Escoriza (voz), el vallisoletano Faín Sánchez Dueñas (director musical y arreglista), y el montpellerino Vicent Molino (instrumentos de vientos).

Antes de surgir Radio Tarifa, Faín S. D. y Vicent M. formaron un dúo -el cual no tuvo éxito- llamado Ars Antiqua Musicalis, interpretaban música de la Edad Media y del Renacimiento. Hasta que un día Faín S. D. conoció a Benjamín Escoriza, y decidieron los tres formar el grupo Radio Tarifa. Podríamos decir que Faín y Vicent aportaron su experiencia juntos con la música medieval, arábigo-andaluza, sefardí y tradicional, en cambio, Benjamín contribuyó con su sabiduría del flamenco.

Su primer álbum publicado supuso un antes y un después en el mundo de la música tras elaborar un discurso musical en el que mezcla instrumentos, melodías y armonías de distintas culturas musicales. De esta forma, la industria musical clasifica la música de Radio Tarifa dentro de la categoría World Music -música del mundo-, haciendo referencia a un fenómeno musical que fusiona culturas diferentes en un mismo escenario.

Asimismo, han realizado giras musicales por gran parte de Europa (España, Alemania, Italia, Dinamarca, Canadá, Grecia, Palestina, Luxemburgo, Hungría,…) y también por Turquía, Australia, Nueva Zelanda, Brasil o Egipto.

Sus discos son editados por el productor Juan Alberto Arteche con la firma de “Música Sin Fin”. A partir del año 1994, comienza a trabajar para la compañia discográfica alemana Ariola Records (actualmente conocida como Sony Music).

El grupo, tanto en vivo como en los estudios de grabación ha trabajado con músicos originario de diferentes mundos musicales, con el objetivo de distanciarse de cualquier purismo y centrar la atención en el descubrimiento de los orígenes comunes que pueden existir entre las distintas culturas. Participan:

Jaime Muela: flauta travesera y saxo soprano
Jorge Gómez: guitarra flamenca y guitarra eléctrica
Amir John Haddad: laúd, buzuki, gimbri
Sebastián Rubio: percusión (tar, bongos)
David Purdye: bajo eléctrico y contrabajo
Benjamín Escoriza: voz
Faín S. Dueñas: percusión (tar, derbuka y djembe)
Vicent Molino: instrumentos de viento (neys, cromorno, oboe de poitou)
Chuco García: técnico de sonido
Además, en sus actuaciones en directo suele incorporarse el bailaor y coreógrafo flamenco Joaquín Ruíz, o la bailarina de danza oriental. Incluso, la gaitera y cantante que interviene en el tercer disco (“Cruzando el río”) llamada Merche Trujillo.





Para acabar una maravilla de Pata Negra❄️🌡️...





Canelita PURA☔


Pata Negra: inspiración y locura de los hermanos Amador, Anarquía y Libertad.


¿Qué puedes hacer cómo artista y cómo músico después de haber pertenecido a un grupo que ha supuesto un antes y después en la historia de la música española como Veneno? Esa misma pregunta se debieron hacer los hermanos Amador a principios de los años 80, cuando decidieron dar rienda suelta a sus inquietudes, formando Pata Negra en el año 1981 tras la separación de caminos con Kiko Veneno.

Procedentes del barrio de las 3.000 viviendas de Sevilla, ambos mamaron desde la cuna la tradición del flamenco, aprendiendo a tocar la guitarra y actuando en la calle desde una edad temprana. El hecho de pertenecer al mundillo desde tan jóvenes, les permitió poder conocer a leyendas del calado de Paco de Lucía o Camarón de la Isla, con el que colaboraron para su mítico disco “La leyenda del tiempo”.

La respuesta a sus inquietudes la hallaron a través de la “blueslería”, término creado por ellos mismos para definir el cruce entre el flamenco y el blues que pasaría a ser su inequívoca seña de identidad. Sin renunciar a sus raíces flamencas, pero a la vez experimentando cada vez más con la fusión de estilos, demostraron lo bien que podía casar un estilo tan tradicional con el blues, el pop y el rock, o incluso el reggae. Así, los hermanos Amador dieron continuidad con su propio sello de identidad al camino iniciado en Veneno, y que había supuesto un vuelco total a la historia de la música popular de nuestro país.



A lo largo de cuatro discos fundamentales para comprender el devenir musical de esos años tan extremadamente heterogéneos, Pata Negra alcanzaron la cumbre de las bandas fundamentales del rock en España, apoyados en la producción de Ricardo Pachón, con el que ya habían contado anteriormente en Veneno. El listón lo fueron elevando progresivamente desde el inicio, con un excelente disco homónimo de debut con la discográfica Mercury en el año 1981, y en el que el flamenco tradicional y el blues se fusionan para dar lugar a una mezcla original, sin perder parte del influjo que supuso Veneno, pero a la vez sin dejar de sonar absolutamente originales. Ya desde el primer minuto, la compenetración a las guitarras de los hermanos Amador suena simplemente celestial.

En su segundo álbum “Rock gitano” (1982), recuperan una mayor influencia del flamenco, aun sin renunciar por completo al blues, y con una tendencia ligeramente más comercial. Siendo un disco más que correcto, peca por momentos de irregularidad, aunque no por ello deje de contener canciones y momentos de extraordinaria lucidez.

1987: La obra maestra.

En 1986, estrenando discográfica en Nuevos Medios, firman el excelente “Guitarras callejeras”, disco construido únicamente en torno a sus dos guitarras acústicas y sus voces. El resultado es homogéneo y brillante, con dos guitarristas en estado de gracia y con una compenetración sencillamente perfecta, alternando temas ya existentes en su repertorio con nuevas composiciones, produciendo un disco redondo a todas luces, señal inequívoca de que el grupo se hallaba en su mejor momento.

Y llegamos a 1987, cuando la obra culminante de Pata Negra sale a la luz. “Blues de la frontera” supone un hito histórico, a la vez que se confirma como uno de los mejores discos de la década de los 8o. Un disco completamente trascendental, que traspasó las fronteras españolas para convertirse en un disco de culto, en el que se dan la mano con armonía la rumba, el blues, las bulerías, los sonidos acústicos y eléctricos, atreviéndose con otros “palos” como el jazz o el reggae y con un Raimundo Amador en estado de gracia, confirmándose como un auténtico virtuoso de las seis cuerdas.

En plena cresta de la ola, participan en la simpática “Bajarse al moro” (1988) de Fernando Colomo, haciendo de sí mismos en el film, y encargándose de la BSO de la película, que contenía varios de sus temas más reconocibles, además de algunas composiciones nuevas.


Dias de vino y rosas…y otras cosas!

Años de éxitos, pero también de excesos. Los vaivenes con las drogas terminaron por deteriorar la relación personal entre los hermanos Amador, hasta el punto que en 1989 Raimundo decidió decir basta, abandonando Pata Negra para embarcarse en proyectos más personales. Al menos, como colofón, nos queda la excelente grabación del último concierto de Rafael y Raimundo juntos, recogiendo la actuación en la sala Zeleste de Barcelona el 16 de Febrero de ese año, aunque dicha grabación no saldría a la luz hasta el año 1994. En contraposición a algunos de sus discos de estudio más acústicos, la base de este concierto se sustenta en la guitarra eléctrica de Raimundo, el bajo y la batería.

Ya con Rafael únicamente al frente, y metidos de lleno en la década de los noventa, Pata Negra graba dos álbumes de estudio más: “Inspiración y locura”(1990), y “Como una vara verde” (1994), discos en donde se aprecian retazos de la genialidad de Rafael, que sigue optando por la mezcla de estilos, a la vez que saca a relucir todos sus fantasmas y tormentos personales acumulados durante esos años, generando dos discos que contienen momentos muy brillantes, en especial en el segundo de ellos, pero con un resultado final bastante irregular y desigual.

Discografía:

“Pata Negra” (1981). Mercury.
“Rock Gitano” (1982). Mercury.
“Guitarras Callejeras” (1986). Nuevos Medios.
“Blues de la Frontera” (1987). Nuevos Medios.
“B.S.O. Bajarse al moro” (1988). Nuevos Medios.
“Inspiración y locura” (1990). Nuevos Medios.
“Como una vara verde” (1994). BMG Latin.
“En directo” (1994). Nuevos Medios.
“Rock Gitano Nuevas Mezclas” (1994). Nuevos Medios.
“Best of Pata Negra” (1998). Miles.
“Pata Negra” (2002). Nuevos Medios.


Dedicación especial desde Gales a Stoner;
Melómano de Pro...🏴󠁧󠁢󠁷󠁬󠁳󠁿🏴󠁧󠁢󠁷󠁬󠁳󠁿🏴󠁧󠁢󠁷󠁬󠁳󠁿🏴󠁧󠁢󠁷󠁬󠁳󠁿🏴󠁧󠁢󠁷󠁬󠁳󠁿🏴󠁧󠁢󠁷󠁬󠁳󠁿🏴󠁧󠁢󠁷󠁬󠁳󠁿
Dejarse la piel en el clásico....
Hasta la próxima semana 🌚



#27

Mensaje 22 Oct 2020 23:03

onlineramones77
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ramones77
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David Gilmour vive, menos mal, malditos FAKE.:


#28

Mensaje 23 Oct 2020 19:57

offlineToniKukoc
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ToniKukoc
Dios supremo
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ramones77 escribió:
22 Oct 2020 23:03
David Gilmour vive, menos mal, malditos FAKE.:
Era un crack. La canción "Paseando por la mezquita" me encanta ¿No la puse yo el otro día? No lo recuerdo, pero da igual. La buena música...

Y esta de Pink Floyd creo que es la canción más larga que tengo; dura 16 minutos. Porque ahí no son ellos, ¿verdad?


#29

Mensaje 23 Oct 2020 23:41

onlineramones77
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ramones77
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“Uep! Com anam!!!
😎🏴☠️
No recuerdo si la añadiste hace algunos días...
Paseando por la Mezquita, por cierto un viaje de sensaciones al pasado más lejano de Córdoba, creencias aparte, una maravilla arquitectónica a todos los niveles; sobre todo espiritual...


Tan solo falta.un año para el 50 aniversario.
Live at Pompeii es un documental musical de la banda británica Pink Floyd, dirigido por el director Adrian Maben y grabado durante el mes de octubre de 1972 en el anfiteatro en ruinas de Pompeya, Italia. Las interpretaciones de "Echoes", "One of These Days" y "A Saucerful of Secrets" fueron filmadas entre el 4 de octubre y el 7 de octubre de 1971, mientras que el resto de canciones fueron filmadas en un estudio de París junto con proyecciones del anfiteatro de Pompeya. Estas secuencias de París fueron grabadas a finales de 1971 y comienzos de 1972, y pueden distinguirse por la ausencia de barba de Rick Wright. Esta versión fue distribuida a los teatros en septiembre de 1972 y también se incluye en la versión en DVD como extras. En agosto de 1974 se publicó otra versión que combina el material de Pompeya con grabaciones durante las sesiones del disco The Dark Side of the Moon en los estudios Abbey Road.


"Intro Pompeii"
"Echoes Part 1"
"Careful with that Axe, Eugene"
"A Saucerful of Secrets"
"One of These Days.
"Set the Controls for the Heart of the Sun"
"Mademoiselle Nobs" (Seamus)
"Echoes Part 2"


https://www.youtube.com/playlist?list=P ... is4xgjnGs2


Ahí tienes el listado con todas las canciones.
Disfrútalas ✊💙❤️🍻🍺
A ver qué pasa con el clásico 🤔
Ya falta menos con Bartomeu OUT.👍


#30

Mensaje 29 Oct 2020 18:21

onlineramones77
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ramones77
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Buenas días, buenas tardes o buenas madrugadas 🏴☠️,💰📢🕹️👾
Quién tiene las "pelotas" más grandes, esta semana 14 puntazos de la historia del mejor Hard Rock internacional, con Bonus tracks incluidos, 10+4, por cierto primera pregunta tempranera, de que país originario son los considerados mejor banda de Hard Rock de todos los tiempos???
🥃🚬



El grupo australiano AC/DC se formó en 1973, gracias a dos hermanos escoceses, Malcolm y Angus Young. El nombre del grupo, con connotaciones eléctricas, son las iniciales en inglés de Corriente alterna/ Corriente continua. Cuando el grupo se formó Angus apenas tenía 15 años, por lo que alguien le sugirió que se subiera al escenario vestido con el uniforme colegial. A partir de ese momento, aquella fue la enseña de la banda.

En 1974 los hermanos Young se trasladan a Melbourne, donde se unen al batería Phil Rudd y al bajista Mark Evans. Como cantante se les unió Bon Scott, quien ya había participado anteriormente en algunas bandas de pop. Además, Scott aportó a la banda un estilo agresivo de chicos inadaptados que les acompañó a lo largo de su carrera. De esta forma, con la banda ya formada, realizan una gira por Australia, comenzando a trabajar en lo que sería su primer álbum.

En 1975 aparecen en Australia los dos primeros álbumes de AC/DC, titulados "High voltage" y "T.N.T". Un año más tarde firman contrato con la discográfica Atlantic Records, quienes editan "High voltage" para el Reino Unido, un nuevo álbum que mezcla temas de sus dos trabajos en Australia. Ese mismo año publican su primer trabajo propiamente británico, "Dirty deeds done dirt cheap".




En 1977 Evans abandona la banda y es sustituído por Cliff Williams, con quien comienzan publicando el álbum "Let there be rock", que se aupó al número uno de las listas americanas. Parte del éxito se lo deben a sus espectaculares conciertos en directo y a la energía que derrochan sobre el escenario.



En 1978 aparece publicado "Powerage", que precedió al primer gran éxito de la banda, "Highway to hell", un álbum con ventas millonarias y que entró en los primeros puestos de todas las listas, consiguiendo numerosos discos de oro. Poco después del éxito de "Highway to hell", el cantante de la banda, Bon Scott apareció muerto en Londres. AC/DC tuvo que recomponerse, uniéndose a la banda Brian Johnson en el lugar ocupado anteriormente por Scott.




El siguiente trabajo de AC/DC fue "Back in black", en 1980, que llegó a ser número uno en Inglaterra y Estados Unidos, vendiendo más de 10 millones de copias solamente en el país norteamericano. Se calcula que hasta la fecha se han vendido 44 millones del copias del álbum, lo que le colocaría como uno de los más vendidos de la historia. A partir de este momento, los trabajos anteriores de AC/DC comenzaron a venderse como rosquillas, lo que llevó a la banda a aprovechar el tirón en su siguiente disco.




En 1981 aparece "For those about to rock", con el que nuevamente conquistaron el mercado americano. Un año después, el batería Phil Rudd abandona la banda y es sustituído por Simon Wright.

En 1983 se publica "Flick of the switch", con el que AC/DC comienza una etapa menos brillante en su historia. Los siguientes trabajos de la banda siguen con la línea descendente de ventas: "Fly on the wall" y el recopilatorio "Who made who" pertenecen a esta época del grupo.



Walk This Way
Aerosmith


Seesaw swingin' with the boys in the school
And your feet flyin' up in the air
Singing, Hey diddle diddle
With your kitty in the middle
Of the swing like you didn't care

So I took a big chance
At the high school dance
With a missy who was ready to play
Wasn't me she was foolin'
'Cause she knew what she was doin'
And I knowed love was here to stay
When she told me to

Walk this way, talk this way
Walk this way, talk this way
Walk this way, talk this way
Walk this way, talk this way
Just gimme a kiss
Like this!

Schoolgirl sweetie with a classy kinda sassy
Little skirt's climbin' way up the knee
There was three young ladies in the school gym locker
When I noticed they was lookin' at me

I was a high school loser, never made it with a lady
'Til the boys told me somethin' I missed
Then my next door neighbor with a daughter had a favor
So I gave her just a little kiss
Like this!


Seesaw swingin' with the boys in the school
And your feet flyin' up in the air
Singing: Hey diddle diddle
With your kitty in the middle
Of the swing like you didn't care

So I took a big chance
At the high school dance
With a missy who was ready to play
Wasn't me she was foolin'
'Cause she knew what she was doin'
When she told me how to walk this way
She told me to

Walk this way, talk this way
Walk this way, talk this way
Walk this way, talk this way
Walk this way, talk this way
Just gimme a kiss
Like this!

Camina por aqui
Amante de espalda
Siempre escondiéndome debajo de las cubiertas
Hasta que hablé con tu papá, él dijo

Él dijo: no has visto nada
Hasta que estés en un panecillo
Entonces seguro estarás cambiando tus caminos

Conocí a una animadora
Era un verdadero sangrador joven
Oh, los tiempos que podría recordar

Porque las mejores cosas de amar
Con su hermana y su prima
Solo empecé con un besito
¡Me gusta esto!

Balancín balanceándose con los niños en la escuela
Y tus pies volando en el aire
Cantando, hey diddle diddle
Con tu gatito en el medio
Del columpio como si no te importara

Entonces tomé una gran oportunidad
En el baile de secundaria
Con una señorita que estaba lista para jugar
No era yo, ella estaba engañando
Porque ella sabía lo que estaba haciendo
Y sabía que el amor estaba aquí para quedarse
Cuando ella me dijo que

Camina por aquí, habla por aquí
Camina por aquí, habla por aquí
Camina por aquí, habla por aquí
Camina por aquí, habla por aquí
Solo dame un beso
¡Me gusta esto!

Colegiala cariño con una clase un poco descarada
La pequeña falda sube por la rodilla
Había tres señoritas en el casillero del gimnasio de la escuela
Cuando me di cuenta de que me estaban mirando

Era un perdedor de secundaria, nunca lo hice con una dama
Hasta que los muchachos me dijeron algo que extrañé
Entonces mi vecino de al lado con una hija tuvo un favor
Entonces le di un besito
¡Me gusta esto!

Balancín balanceándose con los niños en la escuela
Y tus pies volando en el aire
Cantando: Hey diddle diddle
Con tu gatito en el medio
Del columpio como si no te importara

Entonces tomé una gran oportunidad
En el baile de secundaria
Con una señorita que estaba lista para jugar
No era yo, ella estaba engañando
Porque ella sabía lo que estaba haciendo
Cuando ella me dijo cómo caminar por aquí
Ella me dijo que

Camina por aquí, habla por aquí
Camina por aquí, habla por aquí
Camina por aquí, habla por aquí
Camina por aquí, habla por aquí
Solo dame un beso
¡Me gusta esto!





Labios👄🎸 💄👠🌶️Aerosmith comenzó cuando Steven Tyler formó una banda, 'The Strangers', en 1964, en Sunapee, un pequeño pueble de New Hampshire, donde tocaba la batería. Poco después, el nombre del grupo pasó a ser 'Chain Reaction'. Tocaban temas compuestos por Steven y hacían versiones de temas de los Beatles y los Rolling Stones.

Entre 1967 y 1969 graban un par de sencillos y hacen pequeños trabajos de teloneo para grupos como The Yardbirds y los Beach Boys.

Finalmente, en 1970, se unen a la banda Joe Perry y Tom Hamilton, que formaban parte del grupo 'Jam Band', con el que interpretaban temas de blues. De esta manera surgió una banda con un nuevo nombre: 'Aerosmith'. El grupo lo completaban Brad Whitford, en la guitarra y Joey Kramer en la batería. El estilo era una mezcla de rock y blues con su imagen de niños malos.

Tras darse a conocer en locales nocturnos de Boston, en 1973 editan su primer disco, 'Aerosmith', con el que consiguieron bastante renombre y que les sirvió para realizar una gira.

En 1974 la banda publica el segundo disco, 'Get Your Wings' y, un año más tarde, el tercero: 'Toys in The Atic', uno de sus mayores éxitos.



En 1976 lanzan al mercado 'Rocks', con el que llegaron al tercer puesto en las listas de éxitos. Un año después repitieron la proeza con el álbum 'Draw the Line', con el que consiguieron un disco de platino.

En 1979 publican el disco 'Night in the Ruts', y poco después Joe Perry y Brad Whitford dejan la banda y son sustituídos por Jimmy Crespo y Rick Dufay. Por fin, en 1982 editan 'Rock In a Hard Place'

En 1984 Perry y Whitford regresan a la banda y publican 'Done With Mirrors', en 1986. Un año después sale a la luz 'Permanent Vacation' y en 1989 'Pump'. Con estos discos confirmaron que no siempre es verdad aquello de que segundas partes no son buenas y que había Aerosmith para largo.

En 1993 publican 'Get a Grip', con el que consiguieron varios números uno y que les valió el reconocimiento de dos premios Grammy.

En 1994 publican una recopilación, 'Big Ones' y en 1997 'Nine Lives', con el que iniciaron una gran gira por todo el mundo.


No nos podíamos olvidar de un ataque directo al corazón ❤️








Queen, la banda británica de rock más grande de la historia con permiso de los Rolling Stones, brilló sobre los escenarios de todo el mundo durante veinte años. La muerte de su líder Freddie Mecury en 1991 sólo hizo acrecentar la fama de este mítico grupo y elevar a Mercury al altar de los mitos musicales.

Inicios musicales
Todo comenzó en 1968, cuando el guitarrista Brian May y el cantante Tim Staffell, dos estudiantes del Imperial Collage, crearon una banda llamada "Smile". A ellos se les unió Roger Taylor en la batería.

Pronto consiguieron un contrato con la discográfica Mercury Records, con quienes grabaron sus primeras demos en los estudios. Tras el abandono de Smile por parte de Staffell, se unió a la banda un amigo de este, Freddie Bulsara.

Tras la llegada de Freddie todo cambió en el grupo, empezando por el nombre de la banda, que pasó a denominarse Queen. Freddie también cambió su apellido y adoptó el nombre completo que le hizo famoso, Freddie Mercury.

A partir de entonces comenzaron a interpretar temas de otros artistas, ofreciendo ocasionales conciertos, preferentemente en teatros. El puesto de bajista fue el más complicado de ocupar y fueron varios los músicos que probaron suerte. Pero no fue hasta que escucharon tocar a John Deacon que se decidieron invitarle a la banda, formado el cuarteto definitivo de Queen. Con estos cuatro nombres (Freddie Mercury, Brian Harold May, Roger Taylor y John Deacon) se completaba el grupo británico de rock más importante de la historia.


Primer contrato
Tras grabar unas demos en unos estudios de un amigo de May, Queen comenzó a darse a conocer por las discográficas, aunque sin mucha suerte. Y esa suerte que les faltaba llegó en 1972, cuando la discográfica Chrysalis les ofreció firmar un contrato con ellos. Sin embargo, a pesar de ser algo que andaban buscando con ahínco, rechazaron la propuesta, al considerar que les cortaba un poco las alas y no les beneficiaba para desarrollar su trabajo con la libertad que pedían.

Fue por casualidad, tras unas pruebas de audición de Queen, que dos técnicos escucharon a la banda y pensaron que podía encajar en los planes de su compañía, la Trident Wardour Street Studio.

Junto a esta compañía, Queen grabó los temas principales del que sería su álbum debut. Mientras tanto, la Trident trataba de contactar con discográficas que aceptaran publicar este material.

Primer álbum de Queen
En 1973 y tras varias frustraciones, un ejecutivo de la discográfica EMI escuchó una grabación de Queen. Al parecer quedó bastante impresionado con el sonido de la banda y tras contactar con ellos les ofreció firmar un contrato para publicar su primer álbum.

El 13 de julio de ese mismo año vio por fin la luz el primer álbum de Queen, titulado de la misma forma que la banda, "Queen", que incluía los sencillos "Keep Yourself Alive" y "Liar". Las canciones mezclaban la religiosidad de Freddie con el típico rock en su estado puro.

El álbum contaba con influencias del hard rock y del heavy metal. Los temas fueron compuestos por Freddie Mercury (cinco) Brian May (cuatro) y Roger Taylor (una).

La versión norteamericana de este álbum de Queen fue publicada el 4 de septiembre de 1973 bajo el sello Holywood Records.

Tras una gira como teloneros del grupo "Moot The Hoople", grabaron su segundo LP, "Queen II". Nuevamente emprendieron gira por Gran Bretaña y también iniciaron su primera gira por Estados Unidos, nuevamente como teloneros de "Moot The Hoople". Tras esta gira grabaron un nuevo disco, "Sheer Heart Attack", en 1974, que supuso un gran éxito mundial y el reconocimiento de la calidad del grupo.



1975

En 1975 Queen comienza su primera gira por Estados Unidos en solitario, teniendo que hacer dos shows diarios ante el éxito recibido. En abril iniciaron una gira por Japón, donde fueron recibidos en el aeropuerto por miles de fans.

En 1975 lanzaron el single "Bohemian Rhapsody", que se convirtió en un gran éxito. Estuvo en el número uno durante nueve semanas. Cuando el LP, "A Night At The Opera", salió al mercado, se convirtió rápidamente en un éxito, dándoles su primer disco de platino.





1976

A Day At The Races

En 1976 sacaron a la luz un nuevo disco, "A Day At The Races". Las canciones de este álbum se compusieron a la vez que las del álbum anterior de Queen, pero en lugar de publicar un doble disco (como era la idea original) decidieron finalmente editar dos álbumes independientes. "A Day At The Races" apareció en diciembre de 1976 e incluía temas como "Somebody to love".

1977

En 1977 los miembros del club de fans de U2 fueron convocados para formar parte de uno de los videos del grupo, "We Are The Champions", grabado en el New London Theatre. Después de la grabación, el grupo ofreció un concierto gratuíto de agradecimiento para sus fans.

En octubre de 1977 lanzan al mercado "News Of The World", el sexto álbum de la banda inglesa. El álbum contenía grandes éxitos de Queen, como el mencionado "We Are The Champions" o "We Will Rock You", ambos temas usados habitualmente en grandes acontecimientos deportivos, o "Spread Your Wings". Este álbum de Queen consiguió 4 discos de platino en Estados Unidos.


1978

Queen Jazz album

1978 es el año de publicación de "Jazz", un álbum que incluía una mezcolanza de canciones de diferentes estilos, algunas de ellas improvisadas y extrañas. El álbum arranca con un tema titulado "Mustapha", una canción con aires árabes. En el mismo álbum se incorporan temas que serían luego clásicos en la discografía de Queen, como "Don't Stop Me Now" (que permaneció en las listas durante 35 semanas) o los temas "Bicycle Race" y "Fat Bottomed Girls".

Precisamente, la portada de este último sencillo fue censurada al aparecer en ella una cincuentena de mujeres desnudas circulando en bicicleta. Las mismas mujeres desnudas que aparecen en el videoclip grabado en el estadio de Wimbledon.





1979

En 1979 lanzan su primer álbum en vivo, "Live Killers". Al poco, la banda recibió el encargo de hacer la banda sonora de la película "Flash Gordon", que fue publicada en 1980.

Entretanto también habían editado el álbum "The Game", el primero en que usaron sintetizadores. Fue lanzado en junio de 1980 y fue un superventas, así como el sencillo "Another One Bites The Dust", que se convirtió en su sencillo más vendido en el mundo.

1981

En 1981 Queen inicia una gira por diversos países de Sudamérica batiendo récords de asistencia en países como Brasil y Argentina. En octubre de 1981 lanzaron "Greatest Hits", "Greatest Flix" (colección de videos) y "Greatest Pix" (un libro biográfico con fotos del grupo).

1982

En 1982 lanzaron "Hot Space", con el que alcanzaron el cuarto puesto en las listas de éxitos, logrando un disco de oro en Reino Unido.



El álbum incluye la canción "Under Pressure", un tema para el que Queen contó con la colaboración de David Bowie. Como curiosidad, este tema surgió de manera improvisada, durante un encuentro entre Queen y Bowie, dándole posteriormente forma de canción.

1984

En 1984 aparece "The Works", el décimo álbum de los británicos Queen y en el que la banda hace un uso más intenso de las música electrónica. En este álbum se incluye el tema "Radio Ga Ga", que se convirtió en un nuevo gran éxito, así como "I Want To Break Free", en cuyo video aparecían los miembros de Queen disfrazados de mujer, queriendo ridiculizar una serie de la televisión británica.





1985

En 1985 se realizó el festival Rock in Río, el más importante hasta la fecha, en el que participó Queen, siendo los grandes triunfadores. El 13 de julio, participaron en otro festival, el Live Aid, el primero que se realizaba contra el SIDA. Antes del concierto, los miembros de Queen habían decidido distanciarse algo, pero debido al enorme éxito que tuvieron en el concierto, cambiaron de opinión y decidieron continuar con más energías.

1986

En 1986 lanzaron 'A Kind Of Magic', que era la banda sonora para la película 'Highlander'. En diciembre del mismo año editan 'Live Magic', su segundo disco en vivo.

La cantante de ópera Montserrat Caballé, una de las fans incondicionales de Freddie, se reunió con él en su casa de Barcelona en 1986. Allí hicieron una gran amistad y acordaron grabar un disco en conjunto. Freddie escribió una canción de Barcelona a la medida de Caballé. El sencillo apareció en España en septiembre de 1987 y rápidamente el Comité Olímpico Español lo adoptó como himno oficial de las olimpiadas que se iban a celebrar en Barcelona en 1992. El LP salió a la luz en octubre de 1988.

1989

En 1989 salió un nuevo álbum de Queen: 'The Miracle' pronto se convirtió en otro gran éxito. Por aquella época, Freddie ya sabía que se estaba muriendo. Con el fin de la década, Queen fue elegido como el mejor grupo de los 80.

1991

En 1991 sacaron un nuevo sencillo, 'Innuendo', de casi siete minutos. Ni qué decir tiene que se encaramó en las listas de todo el mundo. El álbum 'Innuendo' salió poco después y siguió los pasos del sencillo.

La enfermedad de Freddie Mercury influyó en los discos que la banda editaba y sus letras hablaban de la llegada de un final que el propio Freddie presentía pero que nadie conocía.

A finales de 1991 publicaron el 'Greatest Hits II'.


Después de la reina👑Dios Salve a:


John Michael Osbourne, el gran Ozzy Osbourne,
La base del posterior Heavy Metal, Gotico y Siniestro...





En blanco y negro o en color 🤔👍🍷



Cimentada en el blues rock, el hard rock y la psicodelia, e influenciada por grupos como Cream, Jimi Hendrix Experience o Blue Cheer, la banda británica Black Sabbath es uno de los nombres fundamentales en la configuración del heavy metal con su sonido atmosférico, sombrío, con reiteración de ritmos pesados y líricas que crean ambientes tétricos, religiosos, desolados, airados, existenciales…

Surgidos en el año 1967 en la ciudad inglesa de Birmingham, John Michael “Ozzy” Osbourne (nacido el 3 de diciembre de 1948 en Aston, Birmingham), el guitarrista Tony Iommi (nacido el 19 de febrero de 1948 en Handsworth, Birmingham), el bajista y letrista Terry “Geezer” Butler (nacido el 17 de julio de 1949 en Aston) y el batería Bill Ward (nacido el 5 de mayo de 1948 en Aston) comenzaron su andadura musical bajo el nombre inicial de Polka Tulk, rebautizándose poco tiempo después como Earth, apelativo con el que patearon un buen número de locales en su país y en el continente europeo, interpretando su primera música ubicada en patrones clásicos del blues rock.






En el año 1969, para evitar problemas legales con otra formación del mismo nombre y por indicación de su representante Jim Simpson, Earth se convirtió en Black Sabbath, un nombre que ejemplificó a la perfección su primer acercamiento a materias de magia, fantasía y ocultismo.
La génesis de esta nueva denominación tiene diversos orígenes según distintas fuentes. Derivada de un título dado en Inglaterra a la película de terror de Mario Bava “Las Tres Caras Del Miedo” (1963) o emanada de la canción homónima escrita por Geezer Butler.

Los Black Sabbath firmaron con Fontana y grabaron el sencillo “Evil Woman/Wicked World” que pasó desapercibido para el gran público, todo lo contrario que su LP debut producido por Rodger Bain, “Black Sabbath” (1970), un álbum que mostró desde su lúgubre portada el soporte temático de su atmosférica sonoridad y que incluyó piezas maestras como “The Wizard”,”N.I.B.” o el título homónimo “Black Sabbath”.
El disco tuvo una excelente acogida comercial a pesar de las malas críticas recibidas llegando al puesto número 8 en listas británicas.
Sus conciertos comenzaron a agotar entradas en buena parte del mundo.






“Paranoid” (1970), su segundo álbum, alcanzó directamente el número 1 gracias a estupendas canciones como “Iron Man”, “War Pigs”, la balada psicodélica “Planet Caravan” o el propio corte homónimo “Paranoid”.
Se trata de uno de los mejores discos de la banda y un LP clave en el desarrollo del heavy metal, al igual que “Master Of Reality” (1971), ambos caracterizados por los potentes riffs de Iommi, la aviesa vocalidad de Ozzy y la vinculación oscurantista de Butler en sus trabajos líricos con los textos de Dennis Wheatley.

“Master Of Reality”, LP de mayor diversidad sonora con canciones como “Sweet Leaf”, “Children Of The Grave” o “Into The Void”, no logró subir a lo más alto de las listas comerciales como su predecesor pero cosechó excelentes ventas alcanzando el puesto número 4.

En “Vol. 4” (1972) intentaron ensanchar su sonoridad inclinándose hacia unas tendencias cercanas al rock progresivo.
Incluye el LP temas importantes de la banda como “Changes”, “Supernaut”, “Wheels Of Confusion” o “Snow Blind”.
Con “Sabbath Bloddy Sabbath” (1973) el grupo, ahora representado por Patrick Meeham y en pleitos legales con Simpson, consiguió otro éxito gracias a la canción que da título al disco .

Los litigios con su primer mánager provocaron una ausencia temporal de los estudios de grabación de dos años, regresando con la representación de Don Arden y el disco “Sabotage” (1975), álbum que mostró a Black Sabbath procurando propagar su oferta heavy con retazos progresivos en uno de sus trabajos más recordados a pesar de la controversia que provocó entre sus seguidores.






La publicación de un recopilatorio y los LPs “Technical Ecstasy” (1976) y “Never Say Die!” (1978), discos menos satisfactorios que sus primeras obras, incitaron la marcha de su carismático cantante Ozzy Osbourne, quien emprendió una irregular carrera en solitario que incluyó la representación de su esposa Sharon.
Su trabajo debut fue el estupendo “Blizzard of Ozz” (1980).
Su reemplazo antes de grabar “Heaven And Hell” fue Ronnie James Dio (ex miembro de Elf y Rainbow, nacido el 10 de julio de 1942 en Portsmouth, New Hampshire).
“Heaven And Hell” (1980), un disco producido por Martin Birch, revitalizó la música de la banda gracias a canciones como “Neon Knights”, “Lonely Is The Word”, y por supuesto, “Heaven And Hell”.

La llegada de Dio pareció insuflar a Black Sabbath nuevo brío y energía, pero su segundo LP con el grupo y primero con el nuevo batería Vinnie Apice (nacido el 13 de septiembre de 1957 en Brooklyn, Nueva York), “Mob Rules” (1981), supuso un decepción para los incondicionales de la banda.

La formación de Black Sabbath se vio inmersa a partir de ese momento en un continuo ir y venir de miembros.
Los primeros en marcharse fueron los últimos en llegar, Dio y Apice dejaron su sitio a Ian Gillan (nacido el 19 de agosto de 1945 en Chiswick, Londres) y a Bill Ward, quien regresó para grabar “Born Again” (1983), un flojo trabajo que provocó de nuevo la salida de varios de sus componentes, permaneciendo únicamente como miembro original el guitarrista Tony Iommi.

Gente como Glenn Hughes, Tony Martin, Bev Bevan, Eric Singer, Dave Spitz, Geoff Nichols, Cozy Powell, Terry Chimes o Bobby Rondinelli ingresaron en la formación a lo largo de los años 80 y 90, dejando en el currículum de Black Sabbath irregulares discos en los que se banalizaba su sonido metalero, destacando trabajos como “The Eternal Idol” (1987) o “Headless Cross” (1989).

Reuniones recientes y giras mundiales son puntos de encuentro para la enorme cantidad de seguidores y admiradores de este grupo histórico, esencial y legendario.
En el año 2006 fueron elegidos para ingresar en el Rock And Roll Hall Of Fame.






Ronnie James Dio murió a causa de un cáncer el 16 de mayo del año 2010 en Los Angeles, California (Estados Unidos).
Tenía 67 años de edad.
Está enterrado en el Forest Lawn Memorial Park, de Los Angeles.

“13” (2013) es su último trabajo en estudio.

En el año 2016 se editó el EP “The End”, combinando temas en estudio y en directo. El mismo año apareció el recopilatorio “The Ultimate Collection” (2016).
En el 2017 se editó el álbum en directo “The End”, con una actuación el 4 de febrero en Birmingham y el vídeo en directo titulado también “The End”.
En el 2018 se publicó “Supersonic Years: The Seventies Singles Box Set” (2018), una caja con diez singles en vinilo.






En el año 2020 Ozzy declaró que le habían diagnosticado la enfermedad de Parkinson.
Ese mismo año publicó su disco en solitario “Ordinary Man” (2020), un disco con colaboraciones de Slash o Elton John.


Una de las mejores voces de toda la historia unido por siempre a Black Sabbath y Rainbow.
✊🍺


Con mayúsculas RONNIE JAMES DIO:

🤟🤟🤟🤟🤟🤟🤟
🤜🤛🤜🤛🤜🤛🤜
👊👊👊👊👊👊👊
👏👏👏👏👏👏👏


Para perros de presa con la mayor potencia acumulada nunca visto en DIRECTO:
🎃🎃🎃🎃🎃🎃🎃



Surgido a finales de los años 60 en el Reino Unido, la influencia del grupo Led Zeppelin es incalculable en la historia del rock.
Su música trasciende cualquier etiqueta, incorporando a su base hard rock y a sus textos de influencia mística o mitológica heterogéneos sonidos que tanto se inspiraron en el blues como en el folk británico o en el funk.

El grupo deriva de la banda The Yardbirds.
Cuando éstos decidieron separarse a finales de la década de los 60, dos de sus componentes, Jimmy Page y Chris Deja, prosiguieron con el proyecto en el verano del año 1968 bajo el nombre de The New Yardbirds.






Jimmy Page (nacido el 9 de enero de 1944 en Heston, Middlesex) había sido un prestigioso músico de sesión antes de incorporarse a los Yardbirds para sustituir a Paul Samwell-Smith, participando en discos de numerosos grupos y solistas, entre ellos los Who, Dave Berry, los Herman’s Hermits, Donovan o los Kinks.
En varias de estas grabaciones había coincidido con el bajista y teclista John Paul Jones (nacido el 3 de enero de 1946 en Londres), otro experimentado músico de sesión y excelente arreglista con el que había tocado en el tema “Hurdy Gurdy Man”, una canción de Donovan en la que también aparecía a la batería John Bonham (nacido el 31 de mayo de 1947 en Redditch).

led zeppellin biografia cortaCuando Dreja abandonó el proyecto de los New Yardbirds para dedicarse profesionalmente a la fotografía, Page pensó inmediatamente en Jones para conformar una nueva banda añadiendo al dúo un cantante y un batería.
Los cantantes deseados eran Terry Reid o B. J. Wilson, el miembro de Procol Harum.
Ambos desecharon la oferta pero Reid les recomendó a un joven y desconocido vocalista llamado Robert Plant (nacido el 20 de agosto de 1948 en West Bromwich), que había cantado en una banda denominada Hobbstweedle.
Plant era, al igual que Page, un gran amante del blues, pero también sentía predilección por los sonidos de la Costa Oeste de los Estados Unidos, siendo sus grupos favoritos Love y Moby Grape.
El cuarto miembro de los New Yardbirds fue Bonham, su antiguo compañero en “Hurdy Gurdy Man” que había pasado por bandas como Crawling King Snakes o Band of Joy, y que también era íntimo amigo de Plant.






led-zeppelin-discos-fotoEl cuarteto, representado por Peter Grant, debutó en directo en el mes de septiembre de 1968, cuando actuaron, por obligaciones contractuales previas, en la ciudad danesa de Copenhague.
Cuando regresaron a Inglaterra, Page decidió adoptar el nombre de Led Zeppelin recordando una frase de Keith Moon, cuando éste, planeando dejar a los Who y ante la posibilidad de formar un supergrupo junto a Page, Jeff Beck, John Paul Jones, Nicky Hopkins y el propio Moon, quinteto que había grabado el instrumental “Beck’s Bolero”, definía el destino de la banda con la sensación de ir montados en un globo de plomo.

Después de actuar con éxito en clubes británicos y girar con masiva afluencia de público por los Estados Unidos con Vanilla Fudge, el grupo publicó en Atlantic “Led Zeppelin” (1969), un extraordinario LP debut grabado en treinta días y producido y arreglado por Jimmy Page, hecho que repetiría en todos los discos de la banda.






Su potente, épico muestrario de blues rock, folk, psicodelia y hard rock conquistó a la audiencia gracias a temas como “Communication Breakdown”, “Dazed And Confused”, versión de una canción de Jake Holmes, “Good Times Bad Times” o “Babe, I’m Gonna Leave You”.

“Led Zeppelin II” (1969) superó en ventas a su primer LP alcanzando el puesto número 1 en los Estados Unidos y en Gran Bretaña con temas como “Whole Lotta Love”, “Heartbreaker”, “Thank You” o “Ramble On”.
Con este disco, la vocalidad de Plant, los riffs e inventiva guitarrera de Page y la poderosa sección rítmica de Jones y Plant se convirtieron en espejo básico para multitud de conjuntos surgidos a su estela.

led-zeppelin-foto-biografiaEn “Led Zeppelin III” (1970), disco con cortes clásicos como “Immigrant Song” o “Since I’ve Been Loving You”, la banda incidió más en sus raíces folk.
El álbum logró de nuevo subir a lo más alto de las mejores listas de ventas del mundo, como así hicieron todos los LPs de su carrera.

Al mismo tiempo sus actitudes de ‘rock star’ y sus sudorosos y multitudinarios conciertos fueron acrecentando su leyenda como indomables del rock.
Se sucedían comportamientos violentos en los hoteles y relaciones salvajes con las groupies, siendo censurados en varios paises.
Incluso Eva Von Zeppelin, la descendiente de Ferdinand Von Zeppelin, prohibió al grupo actuar en Dinamarca como Led Zeppelin, ya que según ella, el grupo de jóvenes músicos no eran más que “monos gritones”.
Actuaron bajo el nombre de The Nods.






Aunque casi cualquier disco de Led Zeppelin resulta esencial (especialmente hasta 1975), “Led Zeppelin IV” (1971) es uno de sus trabajos más importantes y uno de los que mejor exponen su comunión entre hard rock, folk y blues.
El álbum incluye algunos de sus temas más conocidos, como “Black Dog”, “Misty Mountain Hop”, “Rock and Roll” o “Stairway To Heaven”.

led-zeppelin-albums-fotos“Houses Of The Holy” (1973) demostró la ecléctica capacidad de sus autores con retazos funk y reggae ensanchando su tradicional sonoridad.
El LP les confirmaba, junto a los Rolling Stones, como la banda de rock más importante del planeta en los años 70.
Después de este LP, el grupo formó el sello discográfico Swan Song. “Physical Graffiti” (1975) fue su debut en su propia compañía, un doble álbum más aventurado y experimental que otros trabajos en el que se incluyeron canciones como “Kashmir”, “Custard Pie” o “Trampled Under Foot”.
Esta magistral obra mostró de nuevo tanto su excepcional calidad como instrumentistas como su diversidad compositiva y búsqueda de nuevos espectros sonoros sin perder sus conocidas referencias.






El 4 de agosto del año 1975 Robert Plant y su esposa Maureen Wilson, con quien se había casado en 1969, sufrieron un grave accidente de automóvil cuando se encontraban de vacaciones en la Isla de Rodas.
Este siniestro provocó la discontinuidad de las giras de la banda, que llenaban todos los recintos a los que acudía.
Entre ellos el Madison Square Garden, actuación celebrada en verano del año 1973 que aparecería publicada en disco con el nombre de “The Songs Remains The Same” (1976) y en una película homónima.
El mismo año en el que apareció este directo, también publicaron “Presence” (1976), disco inferior a sus obras pretéritas que incurría en el tratamiento épico y progresivo en muchas de sus composiciones, entre ellas, “Achilles Las Stand” o “Nobody’s Fault But Mine”.

led-zeppelin-fotosEn el año 1977 falleció a causa de una infección estomacal Karac, el hijo de seis años de Robert Plant.
Este lamentable suceso sumió en una profunda y larga depresión al rubio cantante y alejó durante una larga temporada al grupo de los escenarios.

Tras este inestable período, Led Zeppelin retornaron a las actuaciones en vivo y también al estudio de grabación publicando “In Through The Out Door” (1979), diverso LP que se convirtió en el último trabajo en estudio de la banda.
El álbum, en donde daban cabida a trazos pop y sonidos de sintetizadores, incluye la pegadiza balada AOR “All My Love” y la apertura rockera “In The Evening”, en donde el gran Jimmy Page, personaje clave en la historia de la guitarra rock, volvía a dejarnos otro magistral riff para su ingente colección.






El hogar de Jimmy Page, situado junto al lago Ness, era la afamada mansión Boleskine, un edificio que había sido propiedad del ocultista Aleister Crowley, una figura enigmática que atrajo desde siempre al famoso guitarrista, no en vano Page decidió llamar al sello de la banda “Swang Song” por el apodo que se daba a sí mismo Crowley, Paramahansa, que significa “divino cisne”.

led-zeppelin-coda-interiorEl 25 de septiembre del año 1980, John Bonham falleció ahogado en su propio vómito en casa de Page tras una fuerte borrachera.
Tenía 32 años.
Fue incinerado.
La desaparición de Bonham provocó la disolución definitiva de la banda, que publicó de forma póstuma “Coda” (1982), un álbum compuesto de material de archivo en el que suenan “Poor Tom”, “We’re Gonna Groove” o “I Can’t Quit You Baby”.

Tras la ruptura, Page y Plant estuvieron a punto de unirse a los miembros del grupo Yes, Alan White y Chris Squire, para formar la superbanda XYZ, pero finalmente el proyecto jamás se llevó a cabo, dando inicio ambos a sendas carreras en solitario.
Jimmy Page formó a mediados de los 80 el grupo The Firm, que incluía también al cantante de Free y Bad Company, Paul Rodgers, y al batería de Uriah Heep, Chris Slade.
Esta aventura solamente duró hasta el año 1986.
Grabaron los discos “The Firm” (1985) y “Mean Business” (1986).


Halloween en Detroit, directo en televisión 1976.
🙌🙌🙌🙌🙌🙌🙌📺📼🎙️🎚️🎧





Kiss
Cuarteto neoyorquino de música rock formado en el año 1972 por los estadounidenses Peter Criss (Peter Crisscoula, 1947), Gene Simmons (Gene Klein, 1949), Ace Frehley (Paul Frehley, 1951) y Paul Stanley (Paul Eisen, 1951). Sin duda una de las bandas de rock duro más respetadas en la historia de este género, a lo largo de su dilatada trayectoria consiguieron diecisiete álbumes de oro y la idolatría de una legión de admiradores; su inmensa popularidad les llevó a ser, incluso, protagonistas de un cómic.


Kiss

Gene Simmons y Paul Stanley contactaron con el batería Peter Criss y con el guitarra Ace Frehley a través de un anuncio en el periódico a principios de los setenta. Bajo la influencia de la avalancha del glam-rock, adoptaron una puesta en escena con zapatos de grandes plataformas, vestimenta glam y mucho maquillaje, lo que les permitía además permanecer en el anonimato.

Lanzaron su primer álbum en 1974 (Kiss), y para 1975 ya habían introducido un single en el top quince de las listas de éxitos. Rock ´n´ roll all night entró en el número doce, al igual que el LP que grabaron en directo, Alive!, que alcanzó la novena posición en las listas norteamericanas, y que constituyeron sus primeros grandes éxitos a nivel nacional.

En el año 1976 tuvo lugar su presentación en directo en el Reino Unido, y Destroyer, un álbum clásico en de su discografía, se introdujo con rapidez en las listas de este país. Ese mismo año, Frehley sufrió una descarga eléctrica durante un concierto en California, aunque por fortuna no sufrió heridas graves.

Un año después, en 1977, salió a la venta el cómic basado en los cuatro peculiares personajes maquillados, así como el álbum Love Gun, que llegó al cuarto lugar en las listas norteamericanas. En 1978, momento álgido dentro de la vida del grupo, los cuatro componentes lanzaron discos en solitario, y a pesar de que obtuvieron buenos resultados, no igualaron las ventas del cuarteto.



I was made for lovin´you fue el tema que les lanzó a escala internacional de manera definitiva: se colocó en el top cincuenta británico y sonó en las emisoras de medio mundo. El LP asociado, Dinasty, editado en el año 1979, y Unmasked (1980) marcan su época más famosa, pero después de este último, Peter Criss abandonó el grupo para ser reemplazado por Eric Carr. En 1983, Vinnie Vincent reemplazó a Frehley, que abandonó el grupo para formar su propia banda y obtener su mayor éxito en el Reino Unido.

En 1983, tras aparecer en una entrevista despojados de su maquillaje característico, editaron Lick It Up, álbum que marcó un hito en la historia del grupo: era el primero en el que aparecían en portada con la cara descubierta, y el primero que vio la luz en Vertigo Records, después de abandonar el sello de toda su carrera discográfica anterior, Casablanca Records. Dicho álbum revitalizó la carrera del grupo y les llevó a conseguir los mejores resultados de ventas en el Reino Unido; un año después, Mark St. John reemplazaba a Vincent, que abandonó la formación.

Con Simmons y Stanley como supervivientes, editaron su decimosexto LP, Asylum, en el año 1985, que se colocó en el top veinte en ambos lados del Atlántico. Crazy Nights fue el mayor éxito de Kiss en el Reino Unido: tanto el sencillo como el álbum del mismo título alcanzaron la cuarta posición en las listas británicas. Era el año 1987; a partir de aquí sus ventas empezaron a decaer conforme acababa la década, aunque su actividad discográfica no cesó completamente; claro ejemplo de ello es Revenge, editado en el año 1992, o Alive III, álbum en directo lanzado en el año 1993.


2 viejos recuerdos de dos excelentísimas bandas.


:victoria: :okay:


Telegramas que saben a victoria 🎃🤖👽👻



El grupo escocés Nazareth fue formado en 1968 por Dan McCafferty, Manny Charlton, Pete Agnew (único miembro fundador que permanece en la banda) y Darrell Sweet. Pioneros del hard rock, el grupo ha vendido millones de discos en el mundo gracias a temas como "Love Hurts", "Hair of the Dog", "Gatecrash" o "Razamanaz". Es una de esas agrupaciones cuyas canciones son conocidas por miles y miles de personas, aunque no siempre puedan ser relacionadas con su propio nombre.


Apetece hacer muchas cosas en mala compañía 💅



Nada más y nada menos que un excomponente de los Mott The Hoople, el fenomenal guitarrista Mick Ralphs (nacido el 31 de mayo de 1944 en Hertfordshire), un antiguo miembro de King Crimson, el bajista Boz Burrell (nacido el 1 de agosto de 1946 en Lincoln), y dos exintegrantes del grupo Free, el gran vocalista Paul Rodgers (nacido el 17 de diciembre de 1949 en Middlesbrough) y el batería galés Simon Kirke (nacido el 27 de agosto de 1949), crearon este grupo de hard-blues-rock llamado Bad Company.

La banda se creó en el año 1973 con el apoyo de Led Zeppelin, con quienes firmaron para grabar en su sello Swan Song, debutando en vinilo con un poderoso y directo LP, sin florituras, titulado simplemente “Bad Company” (1974).
El álbum, co-producido con la banda por Terry Thomas (futuro miembro de Charlie), fue un magistral inicio de discografía que incluía el single “Can’t Get Enough”, tema de Ralphs que llegó al número 5 en el Billboard estadounidense.
Las ingentes ventas del LP le auparon al número 1 en la misma lista de éxitos.






En el Reino Unido, en una época en donde ya era más importante el formato LP que el single, el disco grande alcanzó el puesto número 3.
El single el 15.
Otros temas del LP son la estupenda “Ready For Love”, otra pieza de Mick Ralphs grabada también, en una versión más acerada, por Mott The Hoople; o “Rock Steady”, canción escrita por Paul Rodgers.

Su segundo álbum fue “Straight Shooter” (1975), con los sencillos “Feel Like Makin’ Love” y “Good Lovin’ Gone Bad”, y temas como “Weep Mo More” o “Shooting Star”, volvió a conseguir óptimos resultados en ventas, especialmente en los Estados Unidos.






“Run With The Pack” (1976), con el single homónimo, “Sweet Li’l Sister” y una versión de los Coasters (“Young Blood”), también fue recibido con júbilo por sus seguidores, aunque su vigoroso rock enraizado en el blues parecía seguir pautas poco arriesgadas, conscientes del éxito que la banda, liderada por la guitarra de Ralphs y la voz de Rodgers, estaba obteniendo en los mercados discográficos más importantes del mundo y en sus multitudinarias interpretaciones en directo.

Ni formulismos ni leches.
El cuarteto puso punto y final la década de los 70 con discos exitosos (aunque bastante lejos de su primer y mejor disco) como “Burnin’ Sky” (1977), y “Desolation Angels” (1979). En este último disco ‘modernizaron’ (para mal) su música con sintetizadores.
“Rough Diamonds” (1982) fue recibido con tibieza lo que conllevó su separación momentánea.


A disfrutar del mejor Hard ROCK alemán de todos los tiempos🤖🤖🤖🤖🤖🤖🤖
Siento debilidad por este increíble, perfecto y maravilloso VINILO 🎸👄❤️







A veces la noche nos confunde 🍑🍌


Contundentes si son cogidos a la fuerza 👊




El grupo Scorpions es una agrupación alemana especializada en el hard rock y en el heavy metal, y sus orígenes se remontan al año 1965, cuando Rudolf Schenker tiene la idea de montar una banda, aunque no es hasta 1969 donde comienzan a operar oficialmente.

Scorpions en un inicio estuvo compuesto por: Klaus Meine, quien es el vocalista, Matthias Jabs y Rudolf Schenker en la guitarra, James Kottak se encarga de la batería y Paweł Mąciwoda es el bajista.

Al igual que muchas otras bandas legendarias que persisten hasta hoy, han estado sujetos a una serie de cambios en su estructura, no sólo musical sino también abandono e incorporaciones de nuevos elementos en sus integrantes.

En 1972, la banda lanza su álbum debut, "Lonesome Crow", producido por Conny Plank en Hamburgo. Es aquí en donde aparecen los elementos instrumentales y vocales característicos de Scorpions: la combinación de los solos de dos guitarras poderosas y la sabia decisión de escribir las letras en inglés, lo que les permitirá conquistar al público internacional.

En 1973, Schenker se alejada del grupo y es reemplazado por el guitarrista Ulrico Roth; junto a él continúan presentándose por diferentes ciudades europeas. Un año más tarde, después de ser reconocidos por el público y de haber hecho un extenso tour, aparece "Fly to the Rainbow".

Seguidamente, su tercer LP, "In Trance", bajo la conducción del reconocido productor Dieter Dierks, sale a la venta en 1975. La aparición de este disco es un hito muy importante dentro de la carrera de Scorpions, pues logra entrar a los primeros puestos de las listas en Japón para más tarde convertirse en un grupo de culto en dicho país.
En Alemania, ese mismo año, fueron reconocidos por el público como el mejor grupo en vivo.
Asimismo, iniciaron su primer tour por el Reino Unido, llegando a tocar en un legendario bar "Cavern Club" en Liverpool.


El cuarto álbum de Scorpions, "Virgen Killer", se caracterizó por la ambición de convertir a la banda en el referente del hard rock alemán. De esta manera, el disco logró ganar el premio de mejor LP del año en su país de origen. En Japón, "Virgin Killer" alcanza el máximo reconocimiento de la crítica y de los fans, obteniendo su primer disco de oro.

Su siguiente álbum "Taken by Force" (1977) también fue un éxito en el país nipón, consiguiendo nuevamente un disco de oro. Tras haberse recibido una gran acogida en el país asiático, el grupo decide llevar a cabo un tour por ese país en 1978. Este evento se convirtió en todo un suceso, pues a su llegada a Tokio se dieron cuenta que realmente eran superestrellas en Japón. Este gran acontecimiento los lleva a grabar un nuevo material titulado "Tokyo Tapes". La aparición de este disco doble coincide con la partida de Ulrich Roth de la banda. Michael Schenker regresa temporalmente a formar parte nuevamente de la agrupación con el disco "Lovedrive" en 1979 hasta que Matthias Jabs ocupa finalmente el puesto, después de haber sido elegido como ganador de una gran audición en Londres.

"Love Drive" aparece en el mercado americano ese mismo año y recibe tres discos de oro, pues fue catalogado como el gran triunfo de la banda, y es hasta hoy en día considerado uno de sus mejores trabajos. "Animal Magnetism" nace en 1980, y tras hacerse conocidos en Estados Unidos, realizan su primer concierto en dicho país, precisamente en un gran festival en Cleveland, Ohio.


En 1981, mientras se encuentran en el estudio grabando "Blackout", Klaus Meine pierde la voz. Repuesto a este suceso, el grupo reaparece en 1982 posicionándose nuevamente en los Estados Unidos con el single "No One Like You" ubicándose en el US Top Ten. Asimismo, el LP fue el más votado para conseguir el premio de "Mejor Hard Rock Álbum del Año", es así como consiguen un disco de platino.

Sin embargo, fue el álbum de 1984 "Love at First Swing" el que finalmente aseguró a la banda una visibilidad comercial masiva entre la audiencia norteamericana. Reforzados con el éxito del single "Rock You Like A Hurricane", Scorpions asumió un papel primordial en el mundo del heavy metal.

El doble álbum "World Wide Live" lanzado en 1985, surge como una contraparte a "Tokyo Tapes". Este disco se encarga de documentar los recientes triunfos internacionales de la agrupación (Festival San Bernadino Valley, Rock in Río, etc.).

"Savage Amusement", el ultimo álbum co-producido con Dieter Dierks, es lanzado en 1988, llegando a ocupar el tercer puesto en los charts americanos y el número uno en Europa. Un año más tarde, tras el éxito conseguido en la Unión Soviética, son invitados por las autoridades de dicho país, para tocar en el concierto de Leningrado, en un legendario festival pro-paz.

"Crazy World" fue grabado en 1990, en Los Ángeles, y co-producido por Keith Olsen. Este disco con la ayuda del hit "Wind of Change", alcanzó la popularidad al poco tiempo de su lanzamiento, convirtiéndose en número uno en 11 países. En 1992, recibieron el "World Music Award" como la banda más representativa del rock germánico. En 1993 se estrena "Face the Heat" con un Nuevo bajista: Ralph Rieckermann. Pocos meses después vuelven a recibir un premio en el "World Music Award".

En 1995 sale a la luz "Live Bites" y en 1996 "Pure Instinct". La banda se dedicó a hacer tour mundiales promocionando los discos anteriores hasta 1998, donde entran al estudio a producir "Eye to Eye". Este disco marca un cambio en la imagen de Scorpions, donde por primera vez aparecen Rudolf Schenker, Klaus Meine and Matthias Jabs en la carátula del disco. Además en este álbum se puede oír por primera vez al grupo cantando en alemán.

En enero del 2000, la banda inicia un reto musical: grabar al lado de la orquesta filarmónica de Berlín para producir un nuevo material discográfico. De esta mixtura de estilos nace "Moment of Glory".

En 2001 el grupo continuó experimentando y lanzó "Acoustica", un disco unplugged grabado en el marco del Convento do Beato, en Lisboa.

"Unbreakable", grabado en el 2004, es el último disco producido por la banda. Con motivo de ser el LP número 20 de la discografía de Scorpions, el grupo se propuso retornar a las raíces de su estilo musical, es por ello que con este disco retoman la línea hard rock que los había lanzado al éxito mundial.


Faltan cuatro... señoras y señores los GUNS "N"
ROSES🎸🌹


Llega noviembre



Guns N' Roses
Banda de rock estadounidense formada en 1985 en Los Ángeles alrededor del cantante norteamericano Axl Rose (William Bill Bailey, 1962) y del guitarrista británico Slash (Saul Hudson, 1965). Su imagen provocadora, su filosofía fiel al lema “sexo, drogas y rock and roll” y sus letras agresivas fueron siempre motivo de escándalo en Estados Unidos, donde llegaron a alzarse voces pidiendo su censura. Su combinación de rock duro y punk tuvo un éxito arrasador: de Appetite for Destruction (1987) se vendieron ocho millones de copias solamente en Estados Unidos. Sus álbumes Use Your Illusion I y II (1991) y The Spaghetti Incident? (1993) tuvieron un éxito similar.


Guns N' Roses

Su primer disco, Live... like a suicide (1986), pasó inadvertido, pero tras una serie intensiva de conciertos por el territorio californiano, la productora Geffen Records los fichó a finales 1986. El año siguiente contaron con una excelente oportunidad para darse a conocer a nivel nacional al convertirse en teloneros de una gira de los legendarios Iron Maiden, aunque la nueva banda no pudo completarla: Axl Rose perdió la voz en mitad de la gira y Slash tuvo que ser llevado a una clínica para recuperarse de sus continuos abusos de alcohol y de drogas.

Regresaron a los escenarios como teloneros de Mötley Crue y editaron su primer álbum, Appetite for Destruction, en agosto de 1987. Una larga gira nacional de catorce meses los llevaría a convertirse en los intérpretes de rock más solicitados para el directo, por encima incluso de los Aerosmith. En julio de 1988 editaron el single Sweet Child o'Mine, que sería el primer número uno de la banda y recibiría el premio Grammy a la mejor canción de rock del año. Interrumpieron su gira americana para tocar en el mítico festival de Donnington Monsters of Rock (Gran Bretaña), en el que la banda tuvo que detener en tres ocasiones su actuación para calmar a la masa enfebrecida. Favorecido por los directos, en septiembre de 1988 su álbum Appetite for Destruction alcanzó el número uno en las listas americanas.

A finales del año 1988 editaron G 'N' R Lies, con cuatro canciones de su primer disco y cuatro temas nuevos, coincidiendo con una gira por Japón. En 1991 vio luz, por fin, un gran proyecto: Use Your Illusion, álbum compuesto por dos discos dobles (numerados I y II) que no llegaría inicialmente a cubrir las expectativas de éxito, a pesar de la indudable calidad de la mayoría de los temas contenidos en ambos volúmenes, como Estranged, Civil War, Don't damn me o la versión del clásico Knockin' on heaven's door, de Bob Dylan.



La vida irregular de sus miembros provocó largos períodos de inactividad en la banda. En 1992, el compositor de buena parte de sus temas, Izzy Stradlin, abandonó Guns N' Roses y formó su propio grupo: The Ju Ju Hounds. El último trabajo de la formación, The Spaghetti Incident?, data de 1993, con una edición muy retrasada debido al veto de la compañía a la inclusión de un tema (Look at your own way) compuesto por Charles Manson, uno de los asesinos más famosos de la historia reciente norteamericana. El álbum era una especie de homenaje de la banda a todas aquellas canciones y grupos que habían dejado huella en su música. El mismo Axl Rose ha señalado las múltiples influencias que se amalgaman en el sonido de Guns N' Roses: desde The Beatles, Rolling Stones y Queen hasta AC/DC, Aerosmith y Pink Floyd.

A esas alturas, Guns N' Roses había adquirido ya una reputación internacional que sobrepasaba, en cierta forma, las posibilidades del supervivencia de un grupo que, como tal, dejó de existir. Desde entonces, Slash trabajó con artistas tan variopintos como Michael Jackson, Iggy Pop, Lenny Kravitz o la cantante española Marta Sánchez; el único que siguió activo en la escena musical fue Izzy Stradlin con sus Ju Ju Hounds, aunque con una modesta presencia en el circuito local de Los Ángeles.

En diciembre de 1999, su casa discográfica, Geffen Records, lanzó al mercado el último trabajo de la banda: Live Era '87-93', un álbum en directo (con sensibles retoques de estudio) que contiene sus mejores éxitos de siempre y un único tema inédito (It's allright), pese a que formaba parte del repertorio en directo del grupo desde los tiempos más remotos.



El lanzamiento de este trabajo, así como la inclusión de un nuevo tema (Oh, my good!) en la banda sonora de la película de El final de los días (1999), protagonizada por Arnold Schwarzenegger, dispararon los rumores sobre el regreso de Guns N' Roses, sin que llegara a precisarse cuántos de sus componentes originales de la banda volverían con ella. Fue finalmente Axl Rose quien reconstituyó el grupo con nuevos integrantes. La formación volvió a los escenarios en 2001 y, tras muchos problemas y aplazamientos, lanzó en 2008 el primer disco de su nueva etapa, Chinese Democracy, promocionado en una gira con el mismo nombre.


Después de cenar viaje Irlanda con dos broches especiales para cerrar.☘️☘️☘️☘️☘️☘️☘️


No importa la mala reputación lo importante es que hablen👉👈

Phil Lynott que estás en los cielos 🎚️🎧

Última edición por ramones77 el 29 Oct 2020 23:09, editado 3 veces en total.

#31

Mensaje 29 Oct 2020 20:19

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Mensaje 29 Oct 2020 21:12

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Qué grandes son Thin Lizzy y que grande es Phil Lynott!
Sin duda, Thin Lizzy es una de las bandas de rock más importante de los años 70 y por extensión de la historia, y Lynott uno de los mejores compositores que ha existido con textos originados por una rebeldía nutrida en las calles dublinesas y de una sensibilidad poética de base romántica que le distancia mucho, y para bien, de la mayoría de sus colegas.

Autenticidad rockera, acordes contundentes, estribillos-himno, extraordinarios riffs, intensos ritmos, sentido melódico, notorios solos y estupendas letras conforman algunas de las particularidades de este fenomenal grupo liderado por Phil Lynott, uno de los más subestimados talentos aparecidos en este, por lo general, artificioso mundillo musical con influencias de la Jimi Hendrix Experience, Led Zeppelin, Cream o Van Morrison.






thin-lizzy-phil-lynottPhil, nacido el 20 de agosto de 1949 en West Bromwich, Birmingham (Inglaterra), era hijo de un brasileño negro llamado Cecil Parris y de una irlandesa blanca llamada Philomena.
Cecil Parris se largó a Brasil poco después de nacer su hijo, abandonando a su mujer y a su hijo a su suerte.
Philomena (Phyllis) se trasladó a trabajar a Manchester, mientras que Philip fue criado en un barrio obrero de Dublín por su abuela Sarah, a quien Phyllis sufragaba monetariamente con las ganancias de un hotel que abrió en la ciudad mancuniana.
En el colegio, Lynott tuvo que soportar muchas veces el desprecio por su color más oscuro y aprender a defenderse de estos vilipendios racistas.

Cuando estaba en el instituto comenzó a interesarse vivamente por la música rock y en los años 60 decidió crear con su compañero estudiantil Brian Downey (nacido el 27 de enero de 1951 en Dublín, Irlanda) una banda llamada The Black Eagles.
Downey se ocupaba de la batería.
Más tarde lo intentó con Kama Sutra e intimó con Gary Moore (nacido el 4 de abril de 1952 en Belfast, Irlanda del Norte), con quien entabló una longeva amistad y formó parte de la banda en la que militaba, Skid Row.
Posteriormente, Lynott también lo intentó con otros proyectos denominados Orphanage y Sugar Shack.

En el año 1969, Phil, ya con su legendario bajo Fender Precision, conoció al guitarrista Eric Bell (nacido el 3 de septiembre de 1947 en Belfast, Irlanda del Norte), quien había tocado con un buen puñado de bandas, como The Bluebeats, The Deltones, Shade of Blue, The Jaguars o, incluso, Them.
Con Bell, Lynott formó un power trío completado con las baquetas de su amigo Downey.
El nombre de Thin Lizzy fue propuesto por Bell al acordarse del personaje de cómic Tin Lizzy.






El terceto comenzó a girar por pequeños locales interprendo versiones de Jimi Hendrix, su principal influencia en estos inicios.
Tras grabar el single “The Farmer” en Parlophone y en el mes de noviembre de 1970, tras un concierto, Frank Rogers, de la Decca, les hizo una oferta para que grabaran en sus estudios.
En ese concierto, el grupo estaba acompañando al cantante Ditch Cassidy, a quien el gran sello seguía los pasos.
Lo primero que publicaron Thin Lizzy en Decca fue el single “Things Ain’t Working Out Down On The Farm”.

thin-lizzy-foto-bioMás tarde apareció su LP debut, “Thin Lizzy” (1971), un apreciable disco producido por Scott English, muy infravalorado y más relajado que sus LPs más conocidos en el que lo más importante de la banda y de Lynott en particular, además del excepcional engranaje instrumental con Jimi Hendrix como principal inspiración, era que su talento compositivo arropaba a sus temas rock una impronta de sensibilidad, belleza, evocación y romanticismo poco usual, con retazos folk, blues y progresivos.
Entre sus temas destacan “Clifton Grange Hotel”, “Dublin”, “Honesty Is No Excuse” o “Look What The Wind Blew In”.
Este lado poético, sensible y melódico, unido al endurecimiento de su sonido, permaneció a lo largo de toda una carrera que en principio mostró al lírico Lynott con un estado primerizo de timidez, acusado principalmente en escena, en donde el guitarrista Eric Bell, mucho más veterano en la industria del disco, se erigía como estrella.
Esto cambió poco después.






thin-lizzy-phil-albumDespués del EP “New Day” el grupo regresó al formato álbum con “Shades Of a Blue Orphanage” (1972), disco marcado por el apresuramiento en su composición y por el desenfocado trabajo de producción de Nick Tauber.
Rebota en los mismos concomitantes sonoros y líricos que el anterior aunque en general los temas resultan de peor calidad.
A pesar de todo, cualquier cosa firmada por Lynott merece la pena y “Call The Police”, “Baby Face”, “Buffalo Gal” o “Brought Down” son una buena muestra de cortes aprovechables.
Al margen de estos discos en este período, y con el nombre de Funky Junction, Thin Lizzy grabaron un disco con versiones de Deep Purple.

Tras “Shades Of a Blue Orphanage” el grupo sufrió una importante transformación.
Teloneando a Slade, en ese momento uno de los grupos más importantes del Reino Unido, Chas Chandler, exmiembro de los Animals y representante y productor de Slade, encoraginó a la banda diciendo que introdujeran mayor energía a sus conciertos, que incrementaran su presencia escénica.






Phil, en esos momentos ya con más confianza en sus actuaciones en directo, se despojó de su timidez y se convirtió en el carismático frontman conocido por todos.
Como nuevo single, Lynott y la banda editaron el tema “Black Boys On The Corner”, pero a su representante Ted Carroll le gustaba una versión que la banda hacía de la canción tradicional “Whisky In The Jar”.
A regañadientes terminaron aceptando y el single logró sacar del anonimato a la formación irlandesa, alcanzando en el Reino Unido el puesto número 6 en 1973.
En Irlanda llegó a lo más alto.

“Vagabonds Of The Western World” (1973) fue su tercer LP para la Decca.
Es un gran disco con temas como “Mama Nature Said”, “The Hero And The Madman”, “Slow Blues” o su clásico “The Rocker”.

thin-lizzy-discografiaTras “Vagabonds Of The Western World”, y con la creciente importancia de Lynott en el grupo, Eric Bell decidió dejar la formación, provocando otro cambio significativo para el devenir de la banda.
En principio abandonaron la Decca para publicar en Mercury.
Para reemplazar a Bell y tocar en directo se unió brevemente al grupo Gary Moore, amigo de Phil.
Moore se marchó poco después.
Por el grupo pasaron varios guitarristas, como Andy Gee, quien tocó con Pete Bardens (miembro de Them y Camel), y Johnny Du Can (ex Atomic Rooster) hasta la definitiva incorporación de la pareja de guitarras proporcionadas por el estadounidense Scott Gorham (nacido el 17 de marzo de 1951 en Glendale, California) y el escocés Brian “Robbo” Robertson (nacido el 12 de febrero de 1956 en Clarkston, Escocia), quienes transmutaron a la banda hacia sonidos más hard rock que todavía no dominarían en “Night Life” (1974), un disco producido por Ron Nevison (colaborador de los Who, Led Zeppelin o Bad Company) en el que habían colado la guitarra de Gary Moore en la balada “Still In Love With You”.
El álbum ofrece un sonido aplacado con concesiones al soul, al blues, al funk y acicalados arreglos.
No es de sus trabajos más esenciales pero las composiciones de Lynott deparan en varias ocasiones ese “feeling” especial que él poseía y que lo hace bastante recomendable.






thin-lizzy-jailbreakGorham y Robertson no se sintieron demasiado satisfechos con el álbum anterior.
Para resarcirse y demostrar su valía en las seis cuerdas apareció “Fighting” (1975), LP producido en solitario por Phil que mostró el sonido que convirtió a Thin Lizzy en héroes del hard rock con influencias de Led Zeppelin, Cream o Hendrix; aunando un sonido rocoso de guitarras con la melodía y la sensibilidad de Lynott para crear fenomenales composiciones.
“Fighting”, con la preciosa “Wild One”, “Suicide”, “Ballad Of a Hard Man” (compuesta por Gorham) o “Fighting My Way Back”, se abre con una espléndida versión de Bob Seger, “Rosalie”.
Con Seger y la Bachman Turner Ovedrive, la banda giró por los Estados Unidos en el año 1975.

Thin Lizzy lograron su apogeo con la publicación de “Jailbreak” (1976), el álbum definitivo del grupo en esta etapa.
Producido por John Alcock, quien previamente le había producido los discos a John Entwisle en solitario, el álbum es un auténtico festín de gran rock comenzado por la espléndida canción que da título al álbum y una de las mejores de su repertorio.
Lo tiene todo. Fuerza, imaginería, emocionalidad, melodía, intensidad, poesía, rebeldía…
Todos sus temas resultan excelentes.
Entre ellos, y junto a “Jailbreak”, “Warrior”, “Romeo And The Lonely Girl”, “Cowboy Song”, “Emerald”, “Running Back” o el megaclásico “The Boys Are Back In Town”, el único tema que pegó con fuerza en los Estados Unidos, son parte de un álbum esencial.






thin-lizzy-formacion“Johnny The Fox” (1976) apareció el mismo año de “Jailbreak” y volvió a satisfacer con sus mismas constantes.
Phil sufrió hepatitis mientras estaba de gira y el grupo se refugió en el estudio para grabar este trabajo con fenomenales cortes como “Don’t Believe a Word” o “Borderline”.
En el álbum, producido de nuevo por Alcock, colaboró como invitado Phil Collins aportando su experiencia en la percusión.
Después del disco, Robertson sufrió un accidente en su mano tras una pelea en un pub, hecho que le impidió proseguir las actuaciones.
Su reemplazo en directo fue Gary Moore, quien de nuevo se prestó ante el requerimiento de Phil.

En el año 1977 regresaron a los Estados Unidos para girar junto a Queen.
Ese año, el del nacimiento del punk británico, publicaron “Bad Reputation” (1977), un magnífico y diverso trabajo producido nada más y nada menos que por Tony Visconti, quien supo perfilar con prolijidad el buen material que tenía en sus manos.
Su mujer, la cantante Mary Hopkin, aportó voces en la grabación del álbum.
“Dancing In The Moonlight”, “Killer Without a Cause”, “Southbound”, “Downtown Sundown”, “Soldier Of Fortune” o la propia “Bad Reputation” son algunos de los momentos más destacados de este LP.






thin-lizzy-directo-discosLa exitosa trayectoria de Thin Lizzy, especialmente en Gran Bretaña, se vio refrendada por el directo “Live And Dangerous” (1978), uno de los mejores discos en vivo jamás grabados que contó otra vez con la producción de Visconti.
Mientras muchos rockeros de los 70 eran criticados por los nuevos jóvenes punks de finales de década, Lynott era respetado y requerido para colaboraciones.
Así, llegó a formar con Paul Cook y Steve Jones (miembros de Sex Pistols) un grupo paralelo llamado Greedies (denominado en principio The Greedy Bastards), con el que actuaron en diferentes ocasiones en directo.

En el año 1978 también se produjo la salida de Robertson, muy afectado por el consumo de drogas y alcohol, al igual que Phil y Scott, y en conflicto permanente con los otros miembros del grupo.
El solícito Gary Moore, quien también estuvo involucrado en el proyecto de The Greedy Bastards, regresó al seno de la banda.
Con Moore, y de nuevo con Visconti, grabaron “Black Rose: A Rock Legend” (1979), otro disfrutable trabajo de rock clásico que incluye temas como “Do Anything You Want”, “Got To Give It Up” o “Waiting For The Alibi”. Huey Lewis aparece en este álbum tocando la armónica.
Tras el disco, Gary dejó el grupo y su reemplazo en principio fue Midge Ure, el miembro de Ultravox.

Posteriormente llegaron Dave Flett y Snowy White (Pink Floyd), con quien grabaron “Chinatown” (1980), disco, ya sin Visconti en la producción y con el añadido de los teclados de Darren Wharton, que incidía en su vibrante hard rock melódico.
El álbum, con portada diseñada por Linda McCartney, contiene buenos temas como “Killer On The Loose” o la propia “Chinatown”.






thin-lizzy-album-liveEn 1980, Lynott, que contrajo matrimonio con Caroline Crowehter, hija del presentador televisivo Leslie Crowther, también publicó su primer disco como solista, “Solo In Soho” (1980), un apreciable trabajo en el que colaboró Mark Knopfler.
Dos años después regresó en solitario con “The Philip Lynott Album” (1982), álbum en el que Knopfler, además de colaborar con su guitarra, se ocupó de la producción.

El problema para Phil es que las drogas fueron minando seriamente su salud y esto se vio reflejado en su trabajo compositivo.
“Renegade” (1981), co-producido por Chris Tsangarides (Japan, Judas Priest), fue uno de sus peores discos y en el que se aprecia una mayor tendencia a conceptos heavys, con energía pero mayor previsibilidad y menor creatividad en las composiciones.
“Renegade” o “Hollywood” todavía merecen una escucha.

Después del álbum y la gira de apoyo al mismo, Snowy White abandonó la formación.
Su sustituto fue John Sykes, antiguo componente de Tygers of Pan Tangs que brilla con la guitarra en “Thunder And Lightning” (1983), álbum con una viscosa producción metalera en consonancia con la época ochentera que le valió para cosechar el triunfo comercial gracias a piezas como el título homónimo, “The Holy War” o “Cold Sweat”.
Tras este LP, una gira de despedida y el directo “Life” (1983), la banda dejó de existir temporalmente.
En el año 1984 Lynott, tras desecharse el proyecto The Three Musketeers con Sykes y Downey, creó Grand Slam con el guitarrista Laurence Archer, el bajista Dois Nagle, el batería Robbie Brennan y el teclista Mark Stanway.






phil-lynott-albumLamentablemente ninguna compañía discográfica confió en un Phil muy tocado por su adicción a las drogas que le llevó a la muerte el 4 de enero de 1986 tras una sobredosis.
Tenía 36 años de edad.
Está enterrado en el cementerio de Saint Fintan, en Dublín.

Gary Moore murió el 6 de febrero del año 2011 en Estepona, Málaga (España), lugar en donde se encontraba de vacaciones cuando sufrió un infarto de miocardio que terminó con su vida.
Tenía 58 años de edad.
Está enterrado en la iglesia de St. Margaret, ubicada en Rottingdean.

En el año 2016 su canción “The Boys Are Back In Town” se incluyó en “Air Guitar Anthems” (2016), triple CD editado por Universal.
En el 2017 “Whiskey In The Jar” formó parte de “The Best Of Classic Rock” (2017), doble CD editado por EMI.
El mismo año Universal incluyó “Don’t Believe A Word” en “Driving Songs The Ultimate Collection” (2017), caja de 5 CDs.
También, en el 2017, otro tema de Thin Lizzy, “The Rocker”, sonó en “Greatest Ever! Hard Rock” (2017), triple CD editado por Union Square Music.
En el año 2018 “The Boys Are Back In Town” fue elegido por Universal para su caja de 5CDs “Rock Legends” (2018).

La madre de Phil, Philomena Lynott, murió el 12 de julio del año 2019 tras sufrir un cáncer de pulmón.
Tenía 88 años de edad.

Para leer más sobre Phil Lynott, se puede adquirir “Phil Lynott: The Rocker” (1998), biografía escrita por Mark Putterford.
🍺🥃🚬


Whiskey In The Jar por los 12 anteriores y los dos Bonus Tracks de ORO.

Quiéreme como a un reptil.
Motorhead, algún día nos comeremos a los Ricos...
Segunda pregunta...cómo se llamaba su emblemático líder???
Amante de la segunda guerra mundial, literatura o los vídeos juegos 🚨👾🎮





Surgidos a mediados de los años 70, Motörhead, liderados por su frontman y bajista Lemmy Kilmister, fan de los Beatles, roadie de Jimi Hendrix y miembro de Hawkwind, fue uno de los nombres clave en el hard rock acelerado, iterativo, potente; una banda británica significativa dentro del heavy metal de los años 80 que retomó con amplificación sonora y sudoración escénica las constantes más básicas del rock’n’roll, ejecutadas con rapidez, redundancia abrasiva, destreza, indocilidad sónica.

Lemmy, de nombre real Ian Fraiser Kilmister, nació el 24 de diciembre del año 1945 en Stoke-On-Trent, Staffordshire (Inglaterra), hijo de un sacerdote que abandonó a su madre cuando el pequeño Ian solamente contaba con unos pocos meses de edad.
Desde su adolescencia se sintió inclinado a la formación de un grupo de rock.
El primer disco que compró en su vida fue el “Knee Deep In Blues” de Tommy Steele.

En su juventud Lemmy admiraba a gente como Chuck Berry, Little Richard, Elvis Presley, The Who o The Beatles, banda a la que contempló con asiduidad en The Cavern.
Paradójicamente, Lemmy siempre afirma que los Beatles son una de las grandes bandas de la historia por su diversidad, característica poco significada en Motörhead, recayendo sus sonidos en la potencia de su instrumentación y en la agresividad de su característica vocalidad, vinculada a su pronunciada personalidad, una de las más carismáticas en el mundo del rock.






motorhead-foto-biografia-discografiaA mediados de los años 60 comenzó a sentirse protagonista de la explosión musical del momento, formando parte de un buen número de conjuntos, como The Rockin’ Vicars, Sam Gopal u Opal Butterfly, grupos con los que llegó a publicar singles, entre ellos, y con los Rockin’ Vicars, una versión de “Zing! Went The Strings Of My Heart”, tema de Judy Garland que había versionado los Move.

En la segunda mitad de la década, y por un período de ocho meses, también trabajó como roadie de Jimi Hendrix, mientras ensanchaba influencias con los procederes de otra de sus bandas favoritas: MC5.
En este período tuvo a su único hijo, Paul (nacido en 1967), fruto de su relación con Patricia Inder.

A comienzos de los años 70 Lemmy se integró en Hawkwind, ocupando el bajo en 1971 tras la marcha de Dave Anderson de la banda psico-progresiva de Dave Brock.
Con Hawkwind, importante banda space rock, Lemmy grabó, tocando bajo y guitarra, los LPs “Doremi Fasol Latido” (1972), “Space Ritual” (1973), “Hall Of The Mountain Grill” (1973) y “Warrior Of The Edge Of Time” (1975).
También fue vocalista de uno de los temas más exitosos del grupo, “Silver Machine” (número 3 en el Reino Unido).

En el año 1974 colaboró en el disco de Roger Calvert “Captain Lockheed and The Starfighters”.
Un año después, Lemmy fue expulsado de Hawkwind tras ser detenido en Canadá por posesión de drogas.
Pasó unos cuantos días en la cárcel y tras salir decidió formar un grupo al que quería denominar Bastard.
El nombrecito, poco comercial, no convencía al manager y terminaron llamándose Motörhead, un grupo con el que Lemmy se despojó del space y del progresivo para tocar simplemente rock enérgico, sucio, básico, rápido, ruidoso.



El nombre derivaba de una canción escrita para el citado disco de Hawkwind “Warrior Of The Edge Of Time”.






Lemmy, con su bajo Rickenbacker, se alió con el guitarrista Larry Wallis (excomponente de The Pink Fairies) y con el batería Lucas Fox para comenzar su nuevo proyecto que iba a debutar con un LP producido por Dave Edmunds para United Artists.
Las broncas entre Lemmy y Edmunds terminaron con la suspensión de la publicación y la marcha de Lucas Fox, quien fue sustituido por Philthy Animal.
También en ese momento se incorporó al grupo un segundo guitarrista, “Fast” Eddie Clarke.

Tocaron durante un período como cuarteto hasta que Wallis desertó del grupo antes de la grabación de su álbum debut, “Motörhead” (1977), un disco aparecido en el sello Chiswick.
Con el LP y su vibrante directo lleno de energía la banda fue consiguiendo ensanchar cada día su creciente número de seguidores.

El álbum, con producción de John “Speedy” Keen (líder del grupo 60’s Thunderclap Newman, los de “Something In The Air”) y temas como “Motörhead” o “Iron Horse/Born To Lose”, fue publicado en plena era punk, artistas con los que Lemmy mantuvo, por lo general, un ameno contacto, en especial con The Damned, con quienes llegó a tocar Lemmy en algún single, o The Adverts. No en vano la velocidad de ejecución vinculaba mucho su sonido a la urgencia punk.

Para la grabación de su segundo disco grande, Motörhead abandonaron Chiswick para firmar con Bronze Records, en donde apareció “Overkill” (1979), uno de sus discos más celebrados con cortes como “Damage Case”, “Metropolis”, “Overkill”, “No Class” o “Stay Clean”. La producción corrió a cargo nada más y nada menos que de Jimmy Miller, el productor de los Rolling Stones o Traffic.

Las ventas de “Overkill” fueron excelentes, al igual que las de su siguiente LP del año, “Bomber” (1979), de nuevo con Miller en los mandos del estudio. Además del fantástico y pegadizo tema homónimo, el álbum incluye piezas como “Dead Man Tell No Tales”, “Sharpshooter”, “All The Aes” o “Stone Dead Forever”.

Este triunfo sirvió para que la avispada gente de United Artists desempolvara las cintas grabadas, tras romper con Edmunds, con Fritz Fryer, miembro del grupo de beat Four Pennies, y sacaran a la venta aquel primer disco de 1975, cuando todavía estaban en el grupo Larry Wallis y Lucas Fox, “On Parole” (1979).
Este álbum volvió a vender en cantidades ingentes por toda Europa.

Los años 80 encumbraron a Motörhead como una de las bandas rock más poderosas del planeta y uno de los nombres importantes de la new wave británica de heavy metal, impulsores del speed metal o el thrash metal, especialmente tras “Ace Of Spades” (1980), un LP de hard rock poderoso con arrogante expresión vocal y el terceto posando en plan revolucionarios mexicanos.
Producido por Vic Maile, quien había producido previamente a Brinsley Schwarz o a Dr. Feelgood, el disco incluye temas como “Love Me Like A Reptile”, “Shoot You In the Back”, “(We Are) The Road Crew”, “The Chase is Better Than The Catch”, “The Hammer” y por supuesto el clásico corte homónimo, todo un himno en los conciertos de la banda.






motorhead-foto-grupoEl fenomenal directo “No Sleep ‘Til Hammersmith” (1981) les llevó al número 1 en las listas del Reino Unido.
Después de que grabaran con Girlschool y como Headgirl el EP “The Saint Valentine’s Day Massacre” (1981), apareció en el mercado “Iron Fist” (1982), co-producido por ellos mismos (por primera vez en su carrera) junto a Evil Red Neck y Will Reid, fue el último álbum grabado por la formación clásica de Motörhead.
En esta época, “Fast” Eddie no soportaba a Lemmy y Lemmy no soportaba a “Fast” Eddie, hecho que provocó la salida de este último tras la grabación de Lemmy y Wendy O. Williams (Plasmatics) del single “Stand By Your Man”.

El guitarrista Brian “Robbo” Robertson (ex componente de Thin Lizzy) se incorporó al grupo para grabar “Another Perfect Day” (1983), disco producido por Tony Platt (ingeniero de Mott The Hoople o AC/DC) que no cumplió las expectativas comerciales del grupo a pesar de contener sus mejores esencias. A partir de aquí los cambios en la formación, siempre con Lemmy presente, fueron constantes.

Robertson, nunca bien aceptado por los fans más cerrados del grupo, terminó dejando la banda después del disco, al igual que Philty, uniéndose a Motörhead tres nuevos componentes, los guitarristas Wurzel y Phil Campbell, y el batería Pete Gill, ex miembro de Saxon, con los que Lemmy grabó “Killed By Death”. En 1984 publicaron un recopilatorio titulado “No Remorse” (1984).
Al siguiente año no apareció ningún disco de Motörhead a causa del conflicto legal mantenido con Bronze Records tras su marcha de la compañía.
Su vuelta al estudio, después de aprovechar la temporada con una buena serie de conciertos por todo el mundo, fue en el sello GWR y con el LP “Orgasmatron” (1986), un disco bien recibido que fue producido por Bill Laswell y que contenía temas ya clásicos en su repertorio como “Orgasmatron”, “Riding With The Driver” o “Deaf Forever”.

Durante los años 80, y con escasas variaciones en su rocoso sonido, apareció “Rock ‘n’ Roll” (1987), álbum co-producido por Guy Bidmead con un título que definía bien su fundamento sonoro y contaba con Philthy de nuevo en las baquetas. Un año después publicaron el disco en directo “No Sleep At All” (1988).
En este decenio Lemmy también hizo sus primeros pintos como actor, escribió con Lita Ford el tema “Can’t Catch Me” y colaboró con Nina Hagen.

Durante 1989 y 1990 Motörhead volvieron a tener problemas con su sello discográfico, pleiteando en tribunales ahora con GWR.
En 1991 apareció “1916” (1991), disco publicado en WTG/Sony que contiene un homenaje a los Ramones en “R.A.M.O.N.E.S.”, con un sonido cercano a la banda de Queens.
Por el álbum, Lemmy consiguió una nominación a los premios Grammy. El mismo año giraron con Judas Priest y Alice Cooper y al siguiente publicaron “March Or Die” (1992), primer trabajo en el que aparecía en la batería Mikkey Dee.

Tras este álbum y de manera sorprendente tras la buena acogida comercial y crítica de los LPs, el grupo fue expulsado de WTG.
Ellos respondieron con “Bastards” (1993), disco aparecido en su propio sello Motörhead con canciones como “Born To Raise Hell” o “On Your Feet Or On Your Knees”.






A mediados de la década, Lemmy tocó con las japonesas Shonen Knife y grabó con Motörhead en el sello CMC buenos discos como “Sacrifice” (1995) u “Overnight Sensation” (1996).
El disco en directo “King Biscuit Flower Hour” (1997), que recuperaba un directo con Robertson a la guitarra, “Snake Bite Love” (1998), otro disco en directo, “Everything Louder Than Everyone Else” (1999), y la compilación “Jailbait” (1999), cerraron su discografía en los años 90.

Posteriormente, y siempre con sus conocidas e invariables pautas, Motörhead publicaron discos potentes para el seguro disfrute en vivo pero formulistas a nivel compositivo dentro de los cánones de alborotador y vital rock’n’roll (como un Chuck Berry hipervitaminado y de voz exacerbada), del estilo de “We Are Motörhead” (2000), con una estupenda versión de Sex Pistols, “God Save The Queen”, “Hammered” (2002) o “Inferno” (2004), álbum que incluye la colaboración de Steve Vai.

Su último álbum fue “Bad Magic” (2015).
En el año 2017 se publicó, con edición de Silver Lining Music, “Under Cöver” (2017), un recopilatorio de algunas de sus versiones, desde el “Breaking The Law” de Judas Priest al “Jumping Jack Flash” y el “Sympathy For The Devil” de los Rolling Stones, pasando por el “Heroes” de David Bowie.
En el 2018 apareció “Box Of Magic”, caja de 4 vinilos con los discos “The World Is Yours”, “Bad Magic”, “Aftershock” y el directo en Munich “Clean Your Clock”.
En el 2019 sonó “Born To Raise Hell” en la banda sonora de “Peleando En Familia” (2019).

Philty Taylor falleció el 11 de noviembre del 2015 a causa de una insuficiencia hepática.
Tenía 61 años de edad.
Poco tiempo después, el 28 de diciembre del mismo año, murió Lenmy en Los Angeles, California, tras sufrir un cáncer.
Tenía 70 años.
Está enterrado en el Forest Lawn Memorial Park de Los Angeles.
Eddie Clark murió en Londres el 10 de enero del año 2018 tras padecer una neumonía.
Tenía 67 años.
Larry Wallis falleció el 19 de septiembre del año 2019.
Tenía 70 años.

⚡💥⚡


Próxima semana 14 canciones from Spain de todos los tiempos.
Auténticos HITS.
Acabamos en plan animal???
Tercera pregunta, quién tocaba


«All Right Now».💋💔





Provenientes de la pequeña ciudad británica de Sheffield, conocida sobre todo por la producción de acero, pero también por su precaria situación social, el cantante Joe Elliott, el guitarrista Pete Willis y el bajista Rick Savage constituyeron la primera formación de Def Leppard. Inicialmente actuaban con un repertorio basado casi exclusivamente en versiones de temas en boga, como ‘Jailbreak’, de Thin Lizzy, o ‘Rossie’, de Bob Seger.

Con Steve Clark, segundo guitarrista, y el batería Rick Allen (de quince años) se completó la formación y comenzaron a componer sus primeros temas. El Ep ‘Getcha rocks off’, autofinanciado, logró introducirse en el circuito de las pequeñas producciones punk y transformarse en un óptimo vehículo de promoción, brindando a Def Leppard una gran aceptación. En Inglaterra, gracias al empuje de la prensa musical, crecía la fiebre del rock duro: nuevas y muy aguerridas bandas (Iron Maiden, Angel Witch, Samson) se iban perfilando. En 1979, Joe Elliott declaraba en su primera entrevista importante, para la revista Sounds, que la intención de la banda era tocar un rock agresivo y melódico al mismo tiempo. Por desgracia, se dejaron llevar por el interés hacia el mercado discográfico norteamericano, provocando reacciones de indignación en la juventud inglesa, que los tachó de traidores.

Al año siguiente los chicos de Sheffield firmaron un contrato con la compañía Phonogram. Su primer disco oficial, ‘On through the night’, producido por Tom Allom, famoso por sus colaboraciones con Judas Priest, no consiguió demostrar el potencial de Def Leppard, disminuido por un acabado bastante discutible. A pesar de todo, el álbum llegó hasta el número quince en las listas inglesas y obtuvo buenas críticas.

En 1981 el grupo se trasladó a Estados Unidos, donde bajo la dirección del experto Robert John “Mutt” Lange, antiguo productor de AC/DC, grabó el elepé ‘High and dry’. Las diferencias entre este disco y el primero son muy notables. La límpida y potente sonoridad resalta plenamente el trabajo del bajista Rick Savage, y las partes vocales y de batería parecen ser obra de otros músicos. Pero la gira inglesa que la banda emprendió para reconquistar a la audiencia local no surtió el efecto deseado. Para los ingleses todavía eran unos traidores y los bombardeaban con latas de cerveza, como lo habían hecho en el Festival de Reading en 1980. Su disco sólo alcanzó la vigésima sexta posición en las listas británicas, a pesar de incluir temas como ‘Let it go’, ‘Another hit and run’ y ‘No, no, no’. Para compensar este fracaso, llevaron a cabo una gira por U.S.A., en la que recogieron un increíble éxito, demostrando su calidad sobre el escenario.

Def Leppard advirtieron que era necesario afianzar su creciente éxito con un nuevo álbum. Confiados aún a “Mutt” Lange, se recluyeron en el estudio, donde prepararon un buen número de canciones para después elegir las mejores. En este punto, el guitarrista y miembro fundador, Pete Willis, decidió dejar al grupo y retornar a su Sheffield natal. Le sustituyó Phil Collen, componente de los Glamsters Girl y viejo amigo de la banda. Le dieron una cinta con algunas de las nuevas canciones del grupo, sobre las que Phil grabó un solo de guitarra, y fue aceptado sin titubeos.

En 1983 apareció ‘Pyromania’, lógica evolución de ‘High and dry’, pero con una mayor inclinación hacia sonoridades y líneas melódicas más comerciales, particularmente adaptadas al gran mercado discográfico estadounidense. En el álbum destaca ‘Rock of ages’, que en seguida entró en el Top 20 de singles, gracias, en parte, al éxito que alcanzó en las potentísimas e influyentes emisoras de radio americanas. Sobre la estela del single, el álbum permaneció más de un año entre las cinco primeras posiciones de las listas de álbumes americanas, rivalizando mucho tiempo con ‘Thriller’, de Michael Jackson. Además del single ya citado, merece la pena recordar algunas canciones, como la celebérrima ‘Rock! Rock! (Till you drop)’, ‘Stagefright’ o ‘Comin’ under fire’. También contribuyó a este éxito la cadena de televisión MTV, que retransmitía en las horas de máxima audiencia los tres videoclips extraídos del álbum.

El éxito de ‘Pyromania’ fue tal que también llevó a las listas a ‘High and dry’, su anterior disco. Con el éxito plenamente asegurado en Estados Unidos, Def Leppard no se resignaban al poco amor que les demostraba el público en su patria. Una nueva gira europea logró vencer las últimas resistencias. Por fin se vendían millones de copias de sus discos en Europa, un resultado verdaderamente extraordinario. En este punto la banda decidió tornarse un período de vacaciones para reordenar las ideas y preparar material realmente competitivo. Esta decisión, fue el preludio de un increíble período de silencio (tan sólo interrumpido por algunos discos piratas) que se prolongó casi cinco años: un auténtico suicidio, desde el punto de vista comercial.

Estas vacaciones estaban a punto de concluir, cuando, a causa de un serio accidente automovilístico, hubo que amputarle un brazo a Rick Allen, el batería del grupo. Con un gesto de humanidad inestimable, Def Leppard lo mantuvieron en sus filas, mediante el empleo de una sofisticadísima batería, ganándose la simpatía y el respeto de las huestes metálicas. Por fin, en 1988 apareció ‘Hysteria’, el nuevo y esperadísimo álbum, que muestra a una banda en plena forma, madura, y cada vez más orientada hacia un heavy rock muy tecnológico. El grupo regresó a los escenarios, y las dudas acerca de las posibilidades reales de Allen se disiparon gracias al drum kit de ciencia ficción que utilizaba el grupo.

Los seis millones de copias vendidas de ‘Pyromania’, el álbum anterior, estaban a punto de ser superados por el nuevo álbum. La fábula de estos cinco modestos rockeros ingleses parecía estar destinada a seguir funcionando durante mucho tiempo. El temple y el carácter que se forjaron durante su difícil infancia en las frías y brumosas callejuelas de Sheffield parecían ser una garantía de éxito. Para no desnaturalizar demasiado sus raíces heavy metal, sabiamente filtradas a través de la evolución tecnológica, sin adoptar imágenes construidas para los adolescentes, Def Leppard han sabido conquistar los escenarios de todo el mundo.

Pagina Oficial:
http://www.defleppard.com


Discografia:

1980- On Through the Night
1981- High ‘N’ Dry
1983- Pyromania
1987- Hysteria
1992- Adrenalize
1996- Slang
1999- Euphoria
2002- X
2006- Yeah!
2008- Songs from the Sparkle Lounge.


Después de Turín que llegue 💙❤️una nueva victoria para entrar a gusto en Noviembre.
👊
Hasta la próxima semana.
🍺✊


#33

Mensaje 31 Oct 2020 00:13

offlineToniKukoc
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ToniKukoc
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Buenas. Vamos con una dosis de buena música...





























Casi na...:



#34

Mensaje 31 Oct 2020 00:27

onlineramones77
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ramones77
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Te gustan mucho los Medina Azahara???grandes músicos en directo y mejor gente siempre en las entrevistas.
Polen delicado con sabor avispa...🚀🌚


Siempre en primera línea, como la bailábamos en Abraxas en la plaza del vapor en Palma, por las tardes o madrugada viendo amanecer desde la terraza al paseo marítimo, con desayuno en el


El Jonquet:





A continuar sin prisa y sin pausa, al final son recuerdos que se pierden como polvo en el viento 💙❤️



#35

Mensaje 31 Oct 2020 02:39

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ToniKukoc
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ramones77 escribió:
31 Oct 2020 00:34
Te gustan mucho los Medina Azahara???grandes músicos en directo y mejor gente siempre en las entrevistas.
Polen delicado con sabor avispa...🚀🌚


Siempre en primera línea, como la bailábamos en Abraxas en la plaza del vapor en Palma, por las tardes o madrugada viendo amanecer desde la terraza al paseo marítimo, con desayuno en el


El Jonquet:





A continuar sin prisa y sin pausa, al final son recuerdos que se pierden como polvo en el viento 💙❤️


Sí, me gustan bastante. Pero en realidad nunca fui muy fan de grupos/intérpretes concretos; soy más bien fan de canciones, aunque, lógicamente, sí tengo algunos intérpretes favoritos

Seguramente de muchos intérpretes sólo tengo una canción o dos


#36

Mensaje 31 Oct 2020 09:27

onlineramones77
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ramones77
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Por lo menos musicalmente hablando nunca fueron años perdidos.
✊🎸🎧

👍


The Trooper From Barça 💙❤️



Me quitaréis mi vida, pero yo también os quitaré la vuestra.
Dispararéis vuestros mosquetes
pero pasaré a través de vosotros.
Así que cuando esperéis el siguiente ataque
sería mejor que aguantarais, no hay vuelta atrás.

Suena la corneta y la carga comienza.
Pero nadie gana en el campo de batalla.
El olor del humo acre y el aliento de los caballos…
Mientras me sumerjo en una muerte cierta.



El caballo suda de miedo, rompemos a correr…
El poderoso rugir de los cañones rusos…
Y mientras cabalgamos hacia la muralla humana…
los gritos de dolor mientras mis camaradas caen.

Saltamos sobre cuerpos que yacen en el suelo.
Y los rusos disparan otra descarga.
Conseguimos acercarnos,
aunque todavía estamos muy lejos.
No viviremos para luchar otro día.

Conseguimos acercarnos lo suficiente para luchar…
cuando un ruso me tiene un su punto de mira.
Aprieta el gatillo y yo siento la onda expansiva.
Una salva de disparos hace caer a mi caballo.

Y mientras yazco ahí, contemplando el cielo,
con mi cuerpo entumecido y mi boca seca,
y mientras yazco, olvidado y solo,
sin una lágrima, dibujo mi gemido de despedida.



Correr lo que tienen que hacer en liga...


Banda británica de heavy metal, una de las más destacadas de los ochenta, liderada por Steve Harris (1957). Creada en 1975 por el propio Steve Harris y por el guitarrista Dave Murray en el barrio obrero londinense de East End, fue bautizada con el nombre de un instrumento de tortura de la Edad Media (Iron Maden, que significa Dama de hierro).


Iron Maiden

Después de editar un LP en una discográfica independiente, el grupo fichó por el sello EMI y publicó en 1980 su primer álbum, Iron Maiden, que logró rápidamente situarse entre los diez primeros de las listas de éxitos británicas. Su siguiente trabajo, Killers (1981), reveló el potencial de una banda que poco después encontró una estrella en su nuevo cantante Bruce Dickinson (1958), que entró a formar parte del grupo sustituyendo a Paul Di'Anno. Su contribución fue fundamental para incrementar la fuerza de sus actuaciones en directo.

El disco editado al año siguiente, The number of the beast (1982), se convirtió en todo un clásico entre los discos de heavy metal. Run to the hills, el sencillo que se extrajo de ese álbum, es todavía hoy uno de los títulos más célebres del grupo. Todo ello satisfizo las expectativas de los aficionados más exigentes, y empezó a considerarse a Iron Maiden como la mejor formación heavy metal del momento.

Después de varios cambios, el grupo se mantuvo bastante estable a partir de 1982: a los fundadores, Steve Harris y Dave Murray, se unieron Nico McBrain (percusión), Adrian Smith (guitarra) y Bruce Dickinson (vocalista). Los cambios no afectaron a la calidad de los trabajos, y tanto Piece of mind (1983) como Powerslave (1984) fueron álbumes superventas en Europa, aunque el mercado americano aún se les resistía.



El triunfo en tal mercado se verificó tras una serie de giras internacionales que fueron recogidas en el doble álbum Live after death (1985). Su siguiente trabajo, Somewhere in time (1986) alcanzó el número tres de las listas del Reino Unido y el once en Estados Unidos. Por esas fechas la crítica especializada empezó a censurar el estancamiento del grupo, al que se acusaba de reiterar las mismas fórmulas.

Sin embargo, hasta la marcha de Dickinson en 1993, las cifras de ventas siguieron siendo elevadísimas: Seventh son of a seventh son (1988), Infinite dreams (1989), No prayer for the dying (1990) y Fear of the dark (1991, número 1 en Gran Bretaña) fueron auténticos éxitos comerciales que rivalizaban con los de los géneros mayoritarios. Y a partir de 1993, la incorporación de Blaze Bayley como nuevo cantante proporcionó al grupo nuevos éxitos, como los LPs The X Factor (1995) y Virtual XI (1998).

Probablemente la banda más emblemática del heavy metal, Iron Maiden ha contribuido decisivamente a impulsar el género e influido en sucesivas generaciones de músicos que se inspiraron en el inconfundible "sonido Maiden". El impresionante despliegue de medios en sus actuaciones en directo no tenía parangón y marcó nuevos estándares en lo que a efectos ópticos y acústicos se refiere. Los ritmos atronadores a velocidad vertiginosa y la voz estridente del solista se combinaban con un tremendo despliegue luminotécnico y multitud de símbolos fantasmagóricos, entre ellos un esqueleto de tres metros de altura llamado Eddy the Knife, mascota de la banda.


Los ciclos de la historia, ahora toca el "Covid19 Chino".
El hombre blanco vino cruzando el mar
nos trajo dolor y miseria
mato nuestras tribus, mato nuestro credo
tomo nuestro juego para su propia necesidad
luchamos fuerte luchamos bien
fuera en las llanuras les dimos infierno
pero muchos vinieron demasiados para tener Fe.
oh ¿seremos algun dÍa libres?
cabalgando a traves de polvaderas y desiertos
galopando duro en las llanuras
cazando a los pieles rojas en sus guaridas
peleando con ellos con su propio juego
matando por libertad, una daga en la espalda
mujeres y niños y ataques cobardes
corre a las colinas, corre por tu vida
corre a las colinas, corre por tu vida
soldado azul en el desierto
cazando y matando, su juego
violando las mujeres y desperdiciando los hombres
solo los buenos indios son dominados
vendiendo su whiskey y tomando su oro
esclavizando a los jovenes y destruyendo a los viejos
corre a las colinas, corre por tu vida...
FORÇA!!!


Eddie the Head

El nacimiento de Eddie:
Eddie la mascota de la banda, fue creada en los comienzos de Iron Maiden. Todo nació por un pedido de Steve al primer iluminador que tuvo la banda, llamado Dave «Lights» Beasley, quien ya habia estado probando algunas ideas en las escenografías de Maiden (pólvora, luces giratorias). Cuando el cantante Dennis Wilcock deja la banda, ésta pierde también a la persona que aporta trucos teatrales en los shows y se ponía máscaras de todo tipo.



Steve quería seguir innovando con efectos raros para palear ese déficit y darle un toque personal a las presentaciones de la banda, y por eso le pide a Dave «Lights» que agudice su ingenio e invente algo raro. Por su lado Dave se acordó que tenía una máscara que había adquirido en una academia de arte y con ella trató de crear algo. Dispuso la misma en el escenario al lado del logo de la banda y sobre la batería, le colocó ojos luminosos y con una bomba de aire acuática le bombeaba sangre artificial la cual salía por la boca de la máscara durante la canción «Iron Maiden». Obviamente, causó sensación, la gente rapidamente la adoptó y esperaba el momento de su pequeña actuación.






Iron Maiden 1975-76 > the first band logo / el primer logotipo de la banda.





La máscara anterior a Eddie hecha por Dave Lights.





En nombre de la máscara que asemejaba una cabeza salió de un chiste popular, bastante conocido en ese momento por Londres.

Eddie The Head, la broma relataba en nacimiento de un bebé que solo era una cabeza y carecía de cuerpo.



Una mujer había dado a luz a sólo una cabeza, el médico le dijo que no necesitaba preocuparse ya que vendría con un cuerpo adecuado para Eddie dentro de uno y cinco años. Así que cinco años después, el padre de Eddie entró en la habitación el día del cumpleaños de Eddie y le dijo:


«Pues bien, hoy es tu cumpleaños, y chico.¡ tenemos una sorpresa para ti!» a lo cual Eddie respondió: «¡Oh, no!, ¡no otro maldito sombrero!»






Lo que nació como algo pasajero, con el tiempo fue tomando mucha dimensión, convirtiéndose en una marca registrada de la banda. La gente se encariñó con esa cabeza y con el paso del tiempo su evolución, sería un Maiden más.



Por otro lado la llegada de Derek Riggs como dibujante de la banda, Eddie fue dibujado para la primera portada «Iron Maiden» y puesto en un cuerpo. En ese primer albun Eddie tiene un pelo estilo punk y con el tiempo fue mutando, teniendo diferentes apariencias a medida que se iban sucediendo los discos y sus cortes de difusión.

Se dice también que ya tenía Derek, titulado «Electric Matthew Says Hello» y el cual estuvo enspirado en una propaganda de guerra publicada durante el conflicto con Vietnan, fue la base que usó para delinear al de Eddie.



En los dibujos Eddie ya tenía cuerpo, pero en el escenario no. La idea en la cual se baso Dave Lights para personificar al Eddie en vivo, nació de una obra teatral que fue a ver con sus hijos: «Jack and the Beanstalk». impresionado con la reacción de los niños al ver salir un gigante detrás de un telón y caminar en forma bamboleante, llevó esa idea al seno de la banda y se decidió que había que hacer algo parecido a eso pero con la cabeza de Eddie ver Panto Giant «Jack and the Beanstalk».

Lo que siguió a todo esto es más conocido y Eddie pasó de ser censurado por haber apuñalado a Margaret Thatcher en el single «Sanctuary», a vestirse como loco en «Piece of Mind», pasando por ser una momia en «Powerslave» y un aviador de la Segunda Guerra Mundial en el single «Aces High». Con el tiempo fue una especie de cyborg futurista en «Somewhere in Time» y, con la partida de Derek Riggs del staff Maiden, adoptó distintas apariancias a lo que imponían las nuevas modas tecnológicas.



Como dato curioso, su nombre se vió escrito por primera vez en el album soble en vivo «Live After Death». Allí, en la lápida de su tumba, junto a un texto de H.P. Lovercraft, se

Lo cierto es que lo que empezó como lago menor fue tomando tal dimensión que en los shows se espera, aún hoy, con ansias la entrada en escena de Eddie, que se pelea con la banda y hace las delicias de los fans. Quizá su fisonamía y caracterización se conozca más que la cara de algunos de los Maiden. Es que Eddie es un verdadero sentimiento y nunca podrá desaparecer.



Eddie se convirtió en la marca registrada de la banda
Eddie se convirtió en la marca registrada de la banda, pero todavía era sólo una cabeza en el escenario y nada más, es decir, hasta que la banda contrató a Derek Riggs, a través de su manager Rod Smallwood, que diseñó el cuerpo tan esperado para Eddie. La banda decidió mantener la apariencia del «nuevo» Eddie como un secreto para todo el mundo hasta que saliera el primer disco, por lo tanto, Eddie apareció por primera vez en el sencillo de Running Free, estando de pie en las sombras.





En el primer álbum aparece el rostro de Eddie, todavía era un Eddie ‘extraño’ y Derek pronto cambió su apariencia.


Eddie y Margaret Thatcher:
No pasaría mucho tiempo antes de que Eddie apareciera en los periódicos ingleses a causa de la primera controversia, esto se debió a la posrtada del sensillo «Sanctuary» en la que Eddie aparecía apuñalando a Margaret Thatcher, primera ministra británica, porque había roto un póster de Iron Maiden en una pared. Las versiones posteriores del sencillo sanctuary tuvieron que ser censuradas, por lo tanto, una barra de color negro se elaboró sobre sus ojos, esta barra sólo apareció en las versiones británicas.







…La venganza de «Maggie» no se hizo esperar, juzgando la portada de «Women In Uniform», en donde ella está esperando en una emboscada para disparar a Eddie con una ametralladora. Esta portada causó una segunda pero menor controversia, porque un puñado de feministas indignadas acusó a Maiden de sexismo ya que Eddie estaba caminando del brazo con una enfermera y una colegiala, nadie se tomó la protesta muy en serio.


Eddie que has hecho?
La controversia principal final que causó Eddie fue cuando mordió la cabeza de Ozzy Osbourne como una broma después de que Ozzy le arrancara la cabeza a un murciélago en el escenario una vez, los seguidores de Ozzy Osbourne no apreciaron muy bien la broma por lo que Maiden tuvo que retirar ese dibujo.












Live After Death.

Otra gran curiosidad en la historia de Eddie es que sólo en el disco doble en vivo «Live After Death», el nombre completo de la mascota fue revelado. En la lápida de su tumba fue escrito, junto con un texto de H. P. Lovercraft, «Edward T. Head». (Edward la cabeza) En buena parte de los álbumes, los singles en donde Eddie aparece, siguen una especie de secuencia.





Eddie pierde un ojo en la guerra (Aces High) y un ojo biónico le es implantado (Somewhere In Time), lucha con el demonio y lo mata (Run To The Hill y The Number Of The Beast), es encerrado en un manicomio sin su cerebro (Piece Of Mind), luego es enterrado en una gran pirámide (Powerslave) y resucita (Live After Death), además de otras portadas importantes.





A travez de los años Eddie cambió mucho, los Eddies para el escenario crecieron un poco de alto, y Eddie mismo también se transformó. Especialmente alrededor de la época de Somewhere In Time, donde Eddie comenzó a cambiar en gran medida, pareciéndose más o menos a un «terminator». Estas transformaciones concluyeron dos años más tarde, durante la era de Seventh Son Of A Seventh Son, en la que sólo quedó la parte superior del cuerpo de Eddie.





Por alguna razón, los dibujos comenzaron a deteriorarse en esa época, la portada de No Prayer For The Dying presentó un nuevo Eddie completo (es decir, no sólo la cabeza), pero Eddie no fue elaborado tan maravillosamente como Derek solía dibujar.





El único realmente buen Eddie (Derek) en la década del 90 fue el del sencillo «Bring Your Daughter … To The Slaughter». Parecía como si la doncella estuviera decepcionada con los Eddies de la manera en que Derek los empezó a dibujar, por lo que para la portada de «Fear Of The Dark» el dibujo fue realizado por un artista diferente (Melvyn Grant) ya que el que había dibujado Derek no estaba a la altura de los que venia haciendo.

Las cosas no mejoraron precisamente cuando «The X Factor» salió al mercado, los lanzamientos recientes contaban con un dibujo por computadora de Eddie por Hugh Syme, en opinión de la mayoría de los fans de Maiden, este simplemente no es Eddie y todo el mundo extrañaba los grandes dibujos que Derek realizaba durante los años ochenta …



La portada de «Best Of The Beast» fue realizada por Derek Riggs, pero aún carece de la calidad de las ilustraciones de los día de gloria como Powerslave, Somewhere In Time o Seventh Son Of A Seventh Son.





Las ilustraciones de las portadas y las apariciones de nuevos Eddies siempre son tan esperadas como la nueva música. Eddie llegó a la cima en «Ed Hunter», en el que es el protagonista de un espectacular juego de PC realizado por Synthetic Dimensions. Toma algo más que solo unos segundos pensar y decidir tu tapa de álbum de Iron Maiden favorita. Es una elección difícil, ¿no?
La maldad pura de «Killers», el detalle intrincado de «Powerslave», la complejidad y el simbolismo de «Somewhere In Time» … que casi parecen extender la mano y apoderarse de nuestra imaginación.

Entonces..
¿qué tienen en común estas pinturas que las hacen excelentes? ¿Qué características hacen tan grandes a estas portadas?

1) Captan la atención del espectador
2) Se establece la atmósfera del álbum Estas funciones son muy importantes, y juzgando la profusión de portadas de discos horribles, se terminan ignorando con frecuencia. La portada del álbum es el primer y más importante aviso. Se verá en prácticamente todas las personas que le gusta la música, no importa cuáles sean sus gustos en la misma. La importancia de esta primera impresión no puede ser exagerada. Las grandes tapas de discos, van a tratar de atraer a la gente a darle una oportunidad aunque nunca hayan podido escuchar la música de la banda. Es probable que la primera impresión que uno tuvo de Iron Maiden fuera una portada de disco.

El detalle exquisito de Powerslave y Somewhere In Time son bien conocidos, pero existen muchos otros sub-temas que se repiten de álbum a álbum, tales como la Parca y el gato con el halo, que aparecen en los álbumes y muchas imágenes individuales. Estos pequeños detalles le dan carácter y le dan a las pinturas un tratamiento especial. Disfruto tanto estudiando estas imágenes como escuchando la música. Establecer la atmósfera del álbum es otra función importante de la portada del álbum. A menudo uno puede sentir que un álbum será excelente, simplemente mediante la absorción de la atmósfera de la portada. Un idealista podría insistir en que la imagen de la portada es irrelevante y que la música es lo que realmente importa. Pero en realidad parece haber alguna relación entre una foto de la portada y la forma en que uno escucha la música. Traten de imaginar «Powerslave» con la portada del disco «Load» de Metallica … no hay duda de que habría mitigado el poder de la música. Experimentar un álbum no sólo se hace con los oídos, sino también con los ojos y la imaginación. Una portada de disco como «Powerslave» es perfecta como disparadora de la imaginación y establece perfectamente la atmósfera del álbum. Si Powerslave tuviese la portada de «Load», no habría atmósfera o imaginación en absoluto, y la experiencia musical se vería afectada. En un sentido muy real, si uno pone un vómito en la portada, entonces la imaginaríamos que la música va a sonar como un vómito. Ahora estoy llegando al punto de lo que esta diatriba se trata. Las tapas de disco de Iron Maiden han sido clásicos perfectos en casi todos los sentidos. Sus detalles y la complejidad, coincide exactamente con la composición inteligente y compleja de Iron Maiden. Esto se debe al talento, la creatividad y el genio de un hombre, el sexto miembro de la banda, Derek Riggs. Quiero decir que, literalmente, ¡Derek Riggs es un genio! Sin sus pinturas magistrales, la historia de Iron Maiden podría haber sido muy diferente. En las últimas dos décadas muchas bandas han estado tratado con estrategias similares, pero ninguno ha llegado a los detalles intrincados y y el simbolismo transpirante de Riggs.



Pero como todos ustedes saben, durante los últimos años una tendencia desafortunada ha comenzado a tomar forma en el maestro, Derek Riggs, ha sido dejado de lado en la mayoría de los nuevos lanzamientos de la banda. Ahora tengo un gran respeto por Melvyn Grant, quien creó las imágenes de «Fear Of The Dark» y «Virtual XI». Son buenas tapas, a pesar de que carecen de algo intangible. Pero he estado muy preocupado por el reciente uso de las imágenes de Ed Hunter en «Futureal» y «The Angel And The Gambler». Estoy luchando para ser objetivo en este caso, pero realmente no puedo decir nada más que los dibujos de Ed Hunter. Apestan. Tienen la apariencia de lo que son, gráficos malos de una computadora. Claro que puede ser decente para los estándares gráficos de hoy en día. Pero el ritmo de la tecnología informática cambia tan rápidamente que dentro de pocos años parecerá ridículamente primitivo.


Feliz importado Halloween🌛👈👉🌜🌚
💀🦴🦷🧠🧟🧛🧙🧝🎃
Aunque dónde estén unos deliciosos huesitos de Santo, unos Buñuelos de Viento y la Tuna Heavy que se quite todo lo demás.
🤔🤭


#37

Mensaje 31 Oct 2020 12:34

offlineToniKukoc
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ToniKukoc
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Mira, precisamente Iron Maiden sí es uno de mis grupos preferidos. Dentro de ese estilo, a mi juicio han sido únicos, absolutamente únicos. Escuchabas unos acordes y enseguida los identificabas aún sin conocer la canción

Digo han sido, porque conozco bastante su música de los primeros 5 ó 6 discos de estudio. De lo posterior conozco menos y de los últimos años nada de nada

Mítica banda, desde luego. A Steve Harris, fundador de la banda, habrá que hacerle un monumento o algo :D

Y ahí van posiblemente las dos canciones que más me gustan de ellos :






#38

Mensaje 31 Oct 2020 12:49

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ramones77
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Que casualidad 🌛🎃🧟🧠🦷💀🦴🌚
Te olvidas para la noche del 31 al 1 te olvidas de:
The Number of the Beast:






Monumentos al encantador 'Steve Harris' no se, puede que alguna calle.
Pero el campeón sin duda es Eddie:
El "Ed Force One" es un avión Boeing 747-400, utilizado por la banda Londinense Iron Maiden, proporcionado por Air Atlanta Icelandic y especialmente modificado con imágenes del álbum The Book of Souls para la gira mundial de la banda en 2016. Previamente, dos aviones Boeing 757 ocuparon este nombre y fueron usados por la banda, el primero se usó para el Somewhere Back In Time World Tour (2008-2009) y el segundo para el The Final Frontier World Tour (2010-2012).





:disimular: :okay:


#39

Mensaje 31 Oct 2020 13:02

offlineToniKukoc
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ToniKukoc
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ramones77 escribió:
31 Oct 2020 12:58
Que casualidad 🌛🎃🧟🧠🦷💀🦴🌚
Te olvidas para la noche del 31 al 1 te olvidas de:
The Number of the Beast:






Monumentos al encantador 'Steve Harris' no se, puede que alguna calle.
Pero el campeón sin duda es Eddie:
El "Ed Force One" es un avión Boeing 747-400, utilizado por la banda Londinense Iron Maiden, proporcionado por Air Atlanta Icelandic y especialmente modificado con imágenes del álbum The Book of Souls para la gira mundial de la banda en 2016. Previamente, dos aviones Boeing 757 ocuparon este nombre y fueron usados por la banda, el primero se usó para el Somewhere Back In Time World Tour (2008-2009) y el segundo para el The Final Frontier World Tour (2010-2012).





:disimular: :okay:
No, no me olvidé, también pasó por mi cabeza, pero me gustan más esas :D


#40

Mensaje 31 Oct 2020 13:02

onlineramones77
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ramones77
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"Volando voy, volando vengo".
Bruce Dickinson.


Inspirados en el Heavy Metal más tradicional de bandas como Iron Maiden y Judas Priest, los alemanes Helloween se animaron a ir más allá, añadiendo más velocidad, melodías pegadizas y voces aún más agudas, convirtiéndose de esta manera en los creadores de un nuevo estilo musical: el Power Metal. Esta es la biografía de una de las bandas más importantes de la historia del metal: Helloween.

La historia de Helloween comienza en el año 1978 en Hamburgo, Alemania, cuando el guitarrista y vocalista Kai Hansen junto con el también guitarrista y vocalista Piet Sielck, deciden formar una banda llamada Gentry. Los cambios de bateristas y bajistas eran constantes, y su repertorio se basaba en covers de bandas como Uriah Heep, Deep Purple, UFO, entre otros, además de temas propios donde ya aparecían temas como «Murderer» y «Iron Savior».

En 1981, la banda cambia su nombre y pasa a llamarse Second Hell, mientras los bateristas y bajistas seguían cambiando, hasta que llegó Ingo Schwichtenberg, un baterista que recién comenzaba, pero que era muy rápido para aprender y enseguida el puesto fue suyo. Más tarde, el bajista Markus Grosskopf (ex-Traumschiff) se unió a la banda. Ya en 1982, Sielck decide abandonar la banda para convertirse en ingeniero de sonido, y Second Hell pasa a llamarse ahora Iron Fist. El guitarrista de la banda Powerfool, Michael Weikath, le ofrece a Kai Hansen unirse a su banda, pero finalmente en lugar de ello, Michael terminó uniéndose a Iron Fist. En 1983 bajo este nombre editan su primer demo de tres bandas, y cambian su nombre una vez más pero esta vez sería definitivo, la banda se llamaría Helloween.

Para 1984, el pequeño sello discográfico Noise invita a Hansen, Weikath, Grosskopf y Schwichtenberg a grabar los temas «Oernst Of Life» y «Metal Invaders» para un compilado titulado «Death Metal». A partir de allí, en 1985, dicho sello les ofrece contrato para grabar su primer trabajo, el cual sería un EP de 5 temas producido por Harris Johns titulado «Helloween», también conocido como «The Mini LP».

En Octubre de ese mismo año, finalmente editan su primer álbum de estudio llamado «Walls Of Jericho» producido por el mismo Johns, un álbum en el que demuestran todo lo que eran capaces de hacer, composiciones complejas, velocidad, y el sentido del humor que los caracterizaba. Este álbum, en el que se encuentran temas que luego serían clásicos, como «Ride The Sky» y «How Many Tears» recibió muy buenas críticas de parte de la prensa especializada. Apenas lanzado el álbum, editan un EP más titulado «Judas», que incluía el tema del mismo nombre y dos temas en vivo.

Al comenzar la gira de promoción del álbum, en Noviembre del 86, Hansen siente que su capacidad vocal ya no es la adecuada, y que se le hacía difícil tocar y cantar a la vez, por lo que prefiere seguir tocando y ponerse en búsqueda de un vocalista.

Mientras tanto, Ralph Scheepers de la banda Tyran Pace acepta el puesto durante la gira, pero sin quedar como vocalista definitivo. Luego de dicha gira que duró tan solo unas semanas, Helloween encontraría un nuevo y gran vocalista, se trataba de Michael Kiske, ex-vocalista de Ill Prophecy, de tan solo 18 años. Ya en Diciembre la banda se sentía confiada como para grabar su segundo álbum, el cual sería doble, pero su sello discográfico no estuvo de acuerdo con la decisión. Por lo tanto, grabarían dos álbumes por separado bajo un mismo concepto.

De esta manera, en Mayo de 1987, «Keeper Of The Seven Keys Pt. 1», producido por Tommy Newton y Tommy Hansen, veía la luz y desde ese momento las cosas cambiarían completamente para la banda. Este segundo álbum, primero junto a Kiske, tuvo excelentes críticas, logrando un gran éxito en toda Europa, Norteamérica y Japón, logrando cosechar una gran cantidad de seguidores, y convirtiéndose más adelante en un disco clásico de la banda y del género. «Keeper Of The Seven Keys Pt. 1» vendió más de 150.000 copias en Inglaterra, y fue el álbum que consagró a Helloween, de la mano de clásicos como «Future World», «I’m Alive» y «Halloween», esta última de 13 minutos de duración, para la cual filmaron el primer videoclip de su historia.

La segunda parte de «Keeper Of The Seven Keys» llegaría en 1988, con muchos temas compuestos por Kiske, y el resultado sería aún mayor que el ya logrado en la primera parte. Temas como «Eagle Fly Free», «Dr. Stein», «Rise And Fall» y «I Want Out», entre otros, demuestran la habilidad de cada uno de los músicos con sus respectivos instrumentos, haciendo de «Keeper Of The Seven Keys Pt. 2» uno de los discos que más influenciarían más adelante a las nuevas generaciones de bandas de Power Metal.

Luego de grabar un video para «I Want Out» y antes de comenzar la siguiente gira, la banda contrata al tecladista Jörn Ellerbrock como miembro permanente para la gira. De esta manera se desarrollaría la gira «The Pumpkins Fly Free», la cual fue un completo éxito, mientras seguían aumentando las ventas de «Keeper…» y aumentando el número de fans en todo el mundo.

Las cosas no podían estar mejores, sin embargo, en Diciembre de 1988, Kai Hansen, uno de los fundadores de la banda, anunciaría su desvinculación de la misma en el mejor momento, ante la sorpresa de todos. Meses más tarde, Hansen formaría una nueva banda, Gamma Ray.

Mientras tanto, Helloween estaba en búsqueda de un nuevo guitarrista, búsqueda que no duró mucho tiempo, ya que en Enero de 1989, el ex-guitarrista de Rampage, y viejo amigo de la banda, Roland Grapow, se unía a la misma sustituyendo a Hansen. Después de 6 semanas de ensayos, y un recital de presentación transmitido por MTV, continúan el resto de la gira europea ya junto a Grapow en la banda.

Durante ese mismo año, se edita un disco en vivo grabado cuando todavía estaba Hansen en la banda. Dicho disco tuvo varios títulos, «Live In The UK» en Europa, «I Want Out-Live» en Estados Unidos y «Keepers Live» en Japón.

Desde la ida de Hansen, el mundo de Helloween comenzaría a decaer, ya que si bien el grupo se encontraba en la cima de su carrera, la formación Kiske, Grapow, Weikath, Grosskopf y Schwichtenberg no era tan sólida como la previa, y la relación entre los integrantes no era la mejor. La dirección musical que tomarían, las ganancias, el management, y diversas diferencias entre ellos eran motivos de discusiones constantes, que hacían dudar sobre el futuro de la banda.

Mientras tanto, su sello discográfico, Noise Records, decide editar dos discos recopilatorios durante 1989, «Pumpkin Tracks» y «The Best, The Rest, The Rare». De hecho, esos dos recopilatorios serían los últimos discos que editaría Noise Records, ya que la banda decidiría firmar contrato con un sello discográfico más grande como EMI. Esto no le gustó para nada a la gente de Noise, lo cual resultó en un juicio hacia la banda por no haber cumplido con su contrato.

Finalmente el resultado fue que a partir de ese momento la banda no estaría autorizada a editar material en ningún lugar más de los que Noise editaba. Esto hacía que los fans fuera de Europa se preguntaran que había ocurrido con Helloween.

Estos problemas sumado a los problemas internos en la banda desembocaron en el nuevo álbum de estudio, «Pink Bubbles Go Ape» editado en 1991, siendo el primero junto a Grapow en la guitarra. Este álbum significaría un gran fracaso para la banda, ya que su calidad era muy pobre con respecto a sus anteriores grandes logros. La mayor parte de la culpa se la llevó Chris Tsangarides, quien produjo y se encargó de la mezcla del disco, pero no se podían engañar, muchas de las composiciones que ellos habían hecho tampoco alcanzaban el nivel logrado anteriormente.

Los problemas internos que venían surgiendo se fueron agravando aún más, y Weikath trató de convencer a Andi Deris (vocalista de Pink Cream 69) para que se una a la banda y sacar a Kiske del puesto, pero Deris no aceptó la propuesta.

Por lo tanto, la banda se preparaba para grabar su quinto álbum junto al productor Tommy Hansen, uno de los productores de sus «Keeper…». Para la banda, este álbum significaría volver a subir a la cima a la que habían llegado o caer estrepitosamente. Para 1993, «Chameleon», lo nuevo de Helloween, estaba listo, y el resultado se acercó a la segunda de las opciones. Más allá de la buena producción o la calidad de sus temas, musicalmente el álbum se acercaba al sonido de las bandas Glam de los 80 y el Hard Rock más comercial, lo cual no convenció en absoluto ni a la prensa ni a sus propios fans. Las presentaciones en vivo tampoco convencían, y las tensiones crecían aún más. Antes del show que la banda daría en Japón durante esa gira, el baterista Ingo Schwichtenberg tuvo que abandonar la banda por su problema con las drogas, y fue reemplazado por el baterista de sesión Richie Abdel-Nabi. Para colmo de males, la banda fue expulsada del sello EMI.

Luego de la gira que finalizó en Diciembre de 1993, Abdel-Nabi sería expulsado de Helloween debido a que todos los integrantes creían que no encajaba en ese puesto.

Las tensiones comenzarían a crecer aún más y más, hasta que dos semanas antes de entrar a estudios nuevamente, Michael Kiske sería expulsado de la banda, y se dedicaría a su carrera solista.

Mientras tanto, Weikath volvería a llamar a Deris para convencerlo de que se una a la banda ya que ahora el puesto estaba vacante y pensaba que Deris era el vocalista que Helloween estaba necesitando, y esta vez Deris, que ya no estaba en Pink Cream 69, aceptaría el puesto.

Pero las cosas todavía no estaban solucionadas, aún no tenían baterista para poder entrar a grabar un nuevo álbum. En Enero de 1994, Uli Kusch (ex-baterista de Gamma Ray, banda formada por Kai Hansen), se uniría a Helloween y la banda firma contrato con Castle Communications.

La banda se había renovado y todo indicaba que los problemas que hubieron hasta ese momento se habían terminado, y esto se notaría en estudios mientras la banda grababa su nuevo trabajo, pero a la vez pensaban que si este trabajo era un nuevo fracaso dejarían de existir como banda.

El 8 de Julio de 1994, el nuevo álbum de Helloween, «Master Of The Rings» salía a la venta, y sorprendía a todos. El sonido de la banda era más Heavy pero siendo muy distinto a «Keeper Of The Seven Keys Pt. 1 y 2», éste nuevo álbum contenía una gran dosis de renovación debido a los nuevos integrantes, empezando por el vocalista Andi Deris, que apenas ingresó a la banda dejó en claro que no tenía intenciones de imitar a los anteriores vocalistas. Su registro vocal en el álbum se adecuó perfectamente al estilo de la banda e incluso compuso uno de los temas y otros cuatro junto a Weikath. También la labor de Kusch tras los parches conformaba, y de esta manera Helloween volvía a resurgir a nivel mundial de la mano de un gran álbum, que incluía entre otros, temas como «Sole Survivor», «Mr. Ego (Take Me Down)», «In The Middle Of A Heartbeat», «Where The Rain Grows», y «Perfect Gentleman».

Casi un año después, en 1995, el álbum sería editado en Estados Unidos con 7 temas extras, los cuales eran lados b y covers de bandas como Kiss, Thin Lizzy y Grand Funk Railroad.

Todo iba más que bien para la banda ahora, hasta que el 8 de Marzo de 1995, recibirían la noticia de que Ingo Schwichtenberg, quien se había ido de la banda por problemas con las drogas, se había suicidado en la ciudad de Hamburgo.

Los integrantes de Helloween grabarían su próximo álbum en memoria de Schwichtenberg. Dicho álbum titulado «The Time Of The Oath» sería lanzado el 29 de Febrero de 1996, y contaba nuevamente con la producción de Tommy Hansen. La banda se acercaba más a sus raíces powermetaleras con este álbum basado en las profecías de Nostradamus, y los fans enloquecían en cada uno de los shows de la nueva gira. Seis meses después, luego de filmar los videos para «Power», «The Time Of The Oath», y la balada «Forever And One (Neverland)», Helloween editaría un nuevo álbum en vivo, «High Live», grabado en sus shows de España e Italia. Un álbum que resumía lo grandiosa que fue la gira y mostraba como sonaba la renovada banda en vivo tocando sus temas clásicos y los nuevos.

El año 1998 comenzaría con la edición de un box set titulado «The Pumpkin Box», el cual contenía 4 cd’s; el primero con temas de la primera época de la banda y lados b, el segundo con los mejores temas de las dos partes de «Keeper Of The Seven Keys», el tercero temas junto a Grapow y otros en vivo, y el cuarto contenía distintas entrevistas a los integrantes de la banda.

Pero todo el mundo esperaba lo que sería el octavo disco de estudio, el tercero junto a la nueva formación. Finalmente la espera acabaría y el 2 de Mayo de 1998, «Better Than Raw» era lanzado. Un álbum con temas como «Push» y «Falling Higher», en el que la banda se arriesgaba a ir más allá en su sonido agregando algunos nuevos elementos sin perder la esencia de su estilo, y esta combinación fue perfecta, logrando un disco fantástico celebrado por todos sus fans.

Helloween filmó videoclips para los temas «I Can» y «Hey Lord!» que sirvieron para promocionar «Better Than Raw», y en la gira de este álbum fueron invitados por Iron Maiden para ser sus teloneros.

Ya en 1999, la banda pensaba que ya era tiempo de cambiar de sello discográfico, pero todavía tenían que cumplir el contrato con Castle Communications, el cual indicaba que tenían que grabar un álbum más.

En lugar de editar otra recopilación de grandes éxitos, la banda decidiría editar un álbum titulado «Metal Jukebox», que se trataba de un álbum de covers de bandas tan distintas como Abba, Faith No More, David Bowie, Scorpions, The Beatles, Jethro Tull, entre otras.

En el año 2000, Helloween firmaría contrato con el sello Nuclear Blast para tener una mejor promoción, y comenzaba a grabar su nuevo álbum, el cual sería editado a fines de dicho año. Producido por Roy Z y Charlie Bauerfeind, «The Dark Ride», título del nuevo álbum, anunciaba desde su tapa que sería un álbum completamente diferente. Un sonido mucho más oscuro caracterizaba a este nuevo trabajo, que si bien era un muy buen trabajo (escuchar temas como «If I Could Fly», «I Live For Your Pain», «Escalation 666» o «Mirror Mirror» para comprobarlo), a los fans del Power Metal más «feliz» no les agradó tanto, y «The Dark Ride» terminó siendo el disco menos vendido de la banda junto a «Chameleon».

Esto haría que las tensiones en la banda vuelvan a surgir, ya que Michael Weikath estaba totalmente en contra del cambio que habían hecho en su sonido, luego alegaba que no había estado involucrado en la producción del álbum, y hasta amenazó con irse de la banda para dedicarse a otro proyecto, pero Grosskopf y Deris le pedirían que no lo haga, ya que sin él Helloween no sería lo mismo. Por otra parte, Grosskopf y Deris querían volver al sonido más clásico, mientras que Grapow y Kusch querían seguir con el sonido moderno y oscuro de «The Dark Ride». Luego de la gira del 2001, Grapow y Kusch dejarían de pertenecer a la banda y se dedicarían de lleno a su otra banda, Masterplan.

Ahora Helloween estaba en búsqueda de nuevo guitarrista y baterista. Durante el año 2002, la banda editaría un nuevo Box Set titulado «Treasures Chest», el cual contenía 3 cd’s, en los que se incluían temas viejos remezclados, temas inéditos y algunos covers. Mientras tanto, encontrarían un nuevo baterista, se trataba del ex-Metalium, Mark Cross, pero aún el puesto de guitarrista estaba vacante.

Luego de haber intentado con su amigo Henjo Richter de Gamma Ray, Michael Weikath seguiría el consejo del productor Charlie Bauerfeind y llamaría al ex-guitarrista de Freedom Call, Sascha Gerstner.

Nuevamente con banda renovada, Helloween se disponía a entrar a estudios para lo que sería el álbum sucesor a de «The Dark Ride». A comienzos del 2003 cuando la banda comenzaba las grabaciones, el baterista Mark Cross es diagnosticado con mononucleosis, una enfermedad que impide hacer trabajos que estresen.

Como Cross no podía continuar con ellos, reclutan al baterista de Motörhead, Mikkey Dee, para que los ayude durante el tiempo que Cross se recuperara.

Las grabaciones iban bien, pero pronto se darían cuenta que la ayuda de Dee no cubriría la ausencia de Cross, ya que la enfermedad de Cross le impediría tocar durante más de dos años. Por lo tanto, deberían volver a buscar un nuevo baterista.

El management de la banda comenzaba a presionarlos para que grabaran más temas para editarlos como lados b, y para ello invitan al ex-baterista de Accept y UDO, Stefan Schwarzmann, a quien Weikath conocía desde los años 80, y en el estudio de Grosskopf grabarían esos temas. Finalmente, Schwarzmann se integraría a la banda como miembro permanente, y en Mayo del 2003, lo nuevo de Helloween, «Rabbit Don’t Come Easy», producido por Charlie Bauerfeind, salía a la venta. Como el título anunciaba, el álbum vuelve a mostrar el lado más «feliz» de la banda, siendo exactamente lo contrario a la dirección tomada en su antecesor.

En Setiembre del 2003, la banda comenzaría la gira de presentación del nuevo álbum, siendo esta la gira más extensa que hayan hecho en su historia, con una horda de fans respondiendo más que bien en sus shows.

Un año después, en el 2004, la banda comenzaría la pre-producción de un nuevo álbum, pero en Febrero del 2005, Schwarzmann decidía abandonar la banda por diferencias musicales, más allá de que la relación con los integrantes era excelente. Por esta razón, Schwarzmann se quedaría a ayudar a la banda en la pre-producción mientras buscaban un reemplazante.

El ex-baterista de Rawhead Rexx, Dani Löble, es quien se quedaría con el puesto de baterista, y con esta nueva formación comenzarían a grabar el nuevo álbum, que según rumores, sería una continuación de aquellos clásicos discos, «Keeper Of The Seven Keys Pt. 1 y 2». Pero recién en Junio del 2005, la banda confirmaría esos rumores, el nuevo álbum se llamaría «Keeper Of The Seven Keys – The Legacy».

El 4 de Julio en Asia, y el 5 de Setiembre en el resto del mundo, se editaba el single «Mrs. God» para el cual también filman un video, lleno del humor de siempre, y a esto le seguiría el lanzamiento del álbum el 31 de Octubre de ese mismo año a través del sello SPV. Este nuevo álbum, en el que participan de invitados el tecladista Friedel Amon y la vocalista Candice Night en el tema «Light The Universe», recibió en general buenas críticas. A esto le seguiría una nueva gira mundial de casi 80 shows por 30 países, de la cual sus shows en Sofía (Bulgaria), Tokyo (Japón) y Sao Paulo (Brasil) fueron filmados para un DVD doble que también incluirá material extra, el cual será editado próximamente.



Uno de Noviembre.
Día de todos los Santos.


Aunque (Don’t Fear) The Reaper habla de la muerte es una canción romántica, de un amor tal que puede trascender cualquier frontera, un amor que nos hace perder el miedo a la muerte.
Esta sociedad occidental capitalista tiene miedo a la muerte, hasta el extremo de que vivimos como si no existiera, le damos la espalda y pensamos que no va con nosotros. Y es que esta sociedad se mantiene sobre ese miedo, económicamente porque nuestro materialismo sólo se sostiene si no pensamos en que vamos a morir, y políticamente nos tiene adormilados por el miedo a perder la vida en cualquier acto revolucionario.




Hasta está mal visto el no tener miedo a morir, estoy cansado de que me digan que tal cosa o la otra me puede matar: no tomes tanta azúcar, no tomes sal, no comas tanta grasa, no bebas, NO FUMES QUE TE VAS A MATAR… Y yo siempre les pregunto a quiénes me dan estos sabios consejos: ¿y si dejo de hacer esas cosas y llevo una vida sana y segura, viviré para siempre? La respuesta es NO, si hay algo seguro es que todos moriremos y que hacer la vida más aburrida para que sea más larga no es una solución, porque esto amigos no consiste en no morir, sino en sentirse vivo y aprovechar cada segundo.




Pero volvamos al amor, ¿puede haber algo mejor que sentir un amor tan fuerte que sabes que continuará después de la muerte? Pues ese es el verdadero sentido de la canción. Hay millones de motivos para no tener miedo a morir, pero basta con uno, sentir un amor tan fuerte que sabes que no puede limitarse a una vida.

Creo que en este último párrafo me he pasado de azúcar, lo mismo me he acortado la vida cinco minutos.

Todo esto nos cuentan Blue Öyster Cult con The Reaper, y lo curioso es que en toda la canción no se menciona a la muerte ni una sola vez, utilizan el simbolismo de la guadaña (The Reaper) para referirse a ella. Y es que a este grupo le gustaba lo simbólico, lo tenebroso y lo oscuro, The Reaper es una de sus éxitos más conocidos pero en su discografía abundan las canciones dedicadas a los fantasmas o los vampiros.

Un dato que poca gente conoce es que en el disco Agents Of Fortune, al que pertenece (Don’t Fear) The Reaper, colaboró Patti Smith poniendo su voz en algunas de las canciones, y es que otra vez aparece el amor, por aquel entonces era pareja de Allen Lanier, miembro de Blue Öyster Cult.




Modo de empleo
La canción ha sido utilizada en algunas películas de terror (Halloween por ejemplo), incluso el propio Stephen King la ha citado en una de sus novelas, pero esta canción es para escucharla con pareja en un momento romántico, porque no hay nada más bonito que decirle a alguien: “no temas a la muerte, estaremos juntos eternamente”.

Letra de (Don’t Fear) The Reaper – Blue Öyster Cult

All our times have come
Here but now they’re gone
Seasons don’t fear the reaper
Nor do the wind, the sun or the rain, we can be like they are

Come on baby, don’t fear the reaper
Baby take my hand, don’t fear the reaper
We’ll be able to fly, don’t fear the reaper
Baby I’m your man

La, la, la, la, la
La, la, la, la, la

Valentine is done
Here but now they’re gone
Romeo and Juliet
Are together in eternity, Romeo and Juliet
40, 000 men and women everyday, Like Romeo and Juliet
40, 000 men and women everyday, Redefine happiness
Another 40, 000 coming everyday, We can be like they are

Come on baby, don’t fear the reaper
Baby take my hand, don’t fear the reaper
We’ll be able to fly, don’t fear the reaper
Baby I’m your man

La, la, la, la, la
La, la, la, la, la

Love of two is one
Here but now they’re gone
Came the last night of sadness
And it was clear she couldn’t go on

Then the door was open and the wind appeared
The candles blew then disappeared
The curtains flew then he appeared, saying don’t be afraid

Come on baby, and she had no fear
And she ran to him, then they started to fly
They looked backward and said goodby, she had become like they are
She had taken his hand, she had become like they are
Come on baby, don’t fear the reaper


Hemos disfrutado de nuestro tiempo
Pero ya se ha ido
Las estaciones no temen a la muerte
Ni el viento, el sol o la lluvia, podemos ser como ellos

Vamos nena, no temas a la muerte
Coge mi mano, no temas a la muerte
Seremos capaces de volar juntos, no temas a la muerte
Soy tu hombre

La, la, la, la, la
La, la, la, la, la

San Valentín ha sido
Pero ya se ha ido
Romeo y Julieta
Están juntos en la eternidad, Romeo y Julieta
40000 hombres y mujeres cada día, como Romeo y Julieta.
40000 hombres y mujeres cada día, redefinen la felicidad.
Otros 40000 vienen cada día, podemos ser como ellos.

Venga cariño, no temas a la muerte
Coge mi mano, no temas a la muerte
Seremos capaces de volar juntos, no temas a la muerte
Soy tu hombre

La, la, la, la, la
La, la, la, la, la

El amor de dos es solo uno
Pero ya se ha ido
Llegó la última noche de tristeza
Estaba claro que ella no podía seguir

Entonces se abrió la puerta y entró el viento
Se apagaron las velas y desapareció
Las cortinas se movieron y apareció, diciendo no temas

Vamos nena, Ya no tenía miedo
Corrió hacia él, y empezaron a volar
Miraron hacia atrás y se despidieron, se convirtió en ellos
Había cogido su mano, se convirtió en ellos
Vamos nena, no temas a la muerte.
✊💙❤️👊👉🧙👈🌚


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