Música

Aquí entra cualquier tema fuera del deporte! Musica, cine, videojuegos...

#81

Mensaje 02 Feb 2021 10:35

offlineramones77
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ramones77
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Re: Música

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Nunca olvidar, siempre presentes.

Dudas razonables.

Abuelos del rock.

TOMÁS DE LA OSSA 02.02.2021 | 01:08

Todos conocemos la leyenda negra del rock y su larga lista de muertes prematuras por culpa de excesos varios –drogas y alcohol, mayormente–. Desde los que pertenecen al club maldito de los 27 años –a esa edad fallecieron Brian Jones, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison, Kurt Cobain y Amy Winehouse, que ya es triste casualidad– a otros tan sonados como Keith Moon (Who), Bon Scott (AC/DC), Sid Vicious (Sex Pistols) o John Bonham (Led Zeppelin).




Pero, dicho y admitido eso, resulta curioso comprobar que los rockeros que lograron sobrevivir a esos tiempos han tenido y tienen, en general, una larga vida. Como si se hubieran inmunizado o, mucho más probable, como si un buen día hubieran decidido (y conseguido) abandonar los vicios de esos días de vino y rosas y se hubieran centrado en cuidarse un poco.

Sin bajar de los 75 años, y sin ser exhaustivos, porque sería imposible, de los que ya lo andaban petando en los 60 todavía andan por ahí zurrando los beatles Ringo Starr (80 años) y McCartney (78); los rolling Mick Jagger (77), Keith Richards (77) o Charlie Watts (79); los Beach boys Wilson (78), Love (79), Jardine (78) y Johnston (78); Simon y Garfunkel (ambos con 79); Jimmy Page (Led Zeppelin, 77); Blackmore (Deep Purple, 75); Eric Clapton (75); los who Daltrey (76) y Townshend (75); Jon Anderson (Yes, 76); Bob Dylan (79); los cuatro de Crosby, Stills, Nash and Young (con 79, 76, 78 y 75, respectivamente); Joan Baez (80); y hasta la reina madre del blues británico, John Mayall (87).


Y sí, muchos cayeron jóvenes; y sí, muchos otros se fueron yendo por accidentes o enfermedades. Pero creemos que al rock no le ha ido tan mal en general para lo mal que en general se ha portado y que, salvo en los años iniciales, los más locos, le ha hecho pocos honores (y mejor así) a eso de "Vive rápido, muere joven y deja un bonito cadáver". Más bien es lo que Ian Anderson (por cierto, de 73 años) canta con Jethro Tull de "Demasiado viejo para el rock and roll, demasiado joven para morir".


Otra conclusión, bastante más triste para la gente joven a la que le guste el rock clásico, es que, con esas edades, en un par de décadas no va a quedar ninguno. Pero, como también está ya cantado por el rock, ¿quién quiere vivir para siempre?

Salvo en los años iniciales, los más locos, el rock le ha hecho pocos honores (y mejor así) a eso de "Vive rápido, muere joven y deja un bonito cadáver"





Pablo Hasél, el uso del Código Penal para perseguir ideas.
Por Joseba Santamaria.
Iruña.

La Audiencia Nacional ha ordenado el ingreso en prisión del poeta y rapero Pablo Hasél por el supuesto delito de injurias a la Corona. En realidad, a Hasél le han condenado por denunciar en sus canciones las andanzas de Juan Carlos de Borbón y tildar en una de sus estrofas de ladrones a los Borbones. Admito que no conozco nada más de Hasél. Pero no deja de parecerme otra injusticia judicial que afecta, además, a derechos democráticos y a libertades constitucionales fundamentales. Como el propio Hasél argumentó en su juicio –sin éxito–, sus canciones no dicen otra cosa que lo que han dicho y publicado la mayoría de los medios de comunicación del Estado y buena pare de la prensa internacional sobre el todavía rey emérito. Hechos investigados por la Justicia en España y en otros países europeos y por los que, por cierto, se marchó en agosto a los Emiratos Árabes, donde vive desde entonces alojado en un hotel de lujo a cargo del erario público. Si ya es democráticamente inaceptable que Hasél haya sido condenado a prisión por expresar sus opiniones sobre la actual situación de Juan Carlos de Borbón en la misma línea que muchos políticos, periodistas, historiadores, etcétera, más preocupante aún es que la Audiencia Nacional vuelva a actuar contra derechos y libertades. En una justicia garantista y democrática, son los tribunales superiores los encargados de velar por esos derechos fundamentales, pero en el Estado español se han convertido precisamente en los órganos más duros en su persecución penal. La llamada ley Mordaza, la actual Ley de Enjuiciamiento Criminal y el endurecimiento del Código Penal son armas contra esos derechos y libertades. Y se aplican de forma desigual: se avalan mensajes y discursos xenófobos, golpistas o discriminatorios que azuzan el odio, pero se persigue la crítica a la Monarquía o a otras estructuras de poder. El actual Gobierno de Sánchez e Iglesias se comprometió a derogar la ley Mordaza y a revisar la utilización política e ideológica del Código Penal para perseguir ideas, críticas o disidencias que ha impulsado sucesivamente el PP desde tiempos de Aznar. No lo ha hecho aún. El Tribunal Europeo de Derechos de Humanos ha condenado en varias ocasiones a los tribunales españoles por vulnerar la libertad de expresión y ha puesto en evidencia lo que vienen denunciado especialistas en Derecho Constitucional, juristas, fiscales, abogados o periodistas y organizaciones de derechos humanos como Amnistía Internacional: una aplicación discrecional del Código Penal para limitar derechos civiles y políticos. Los depredadores de valores democráticos son muchos, no sólo dictadores y fanáticos, grupos terroristas o mafias organizadas. Al contrario, los más efectivos censores forman parte del poder político, económico, financiero, judicial, religioso... normalizado. También en las democracias. O más aún incluso.
Lucha y resistencia.
Salud!






#82

Mensaje 09 Feb 2021 19:12

offlineramones77
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ramones77
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✊


#83

Mensaje 15 Feb 2021 20:29

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Calentando motores para segunda parte de la "movida" y otros rollos...
Holaaaaaaa!
Holaaaaaaaaaaaaa!
Joder por lo menos no hablo SOLO el ECO me contesta 😅😂🤣😭
Jueves y Viernes, con Cómics, Viejos recuerdos musicales, Salas mágicas y otras Sorpresas...
Paris bien vale un TRIUNFO 🤔🕵️💙❤️
I LOVE GLAM- ROCK AND POWER POP... si de aquel de pintas 🍻🍺y más pinta😎 con borrachera lúcida y experiencia religiosa In The TOILETTE 🏴☠️🙏🤭



I love bad REPUTATION!

💀🦴⚰️


#84

Mensaje 16 Feb 2021 11:27

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ramones77 escribió:
09 Feb 2021 19:12



✊
Pablo algún día en Mafianistán se hará justicia.
Contra la Monarquía, ley mordaza, y la democracia de cartón piedra de bancos, empresarios, políticos, sindicatos, corrupción, poderes fácticos, cuarto poder, fuerzas vivas y minoritarias élites económicas que siguen repartiéndose el cortijo nauseabundo y podrido del atado y bien atado.
Libertad para Pablo Hasél y otros presos políticos!!!


#85

Mensaje 17 Feb 2021 12:00

offlineramones77
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La Melomanía es la afición o fanatismo o pasión que una persona siente por la música, la persona que siente esta peculiar pasión se ve influenciada por un género o artista en específico. A diferencia de las manías que son relacionadas con conductas disociadas como la mitomanía (mentir) o la cleptomanía (robar), la melomanía no se le considera un peligro para la sociedad, porque no representan ningún tipo de riesgo para la sociedad o al menos para quienes rodean.

Por los motivos antes descritos, la melomanía no es considerada como una enfermedad, no degenera, no desgasta la vida, un melómano puede de hecho basa tanto sus actividades académicas como profesionales en sus gustos musicales. Lo más que podría pasar desde un aspecto negativo sería lo que afecte financieramente al sujeto. Un melómano siente la necesidad impulsiva de tener todos los discos o productos que ofrezca el cantante o género en cuestión, así como asistir a todas las presentaciones y conciertos que tenga el artista. Esto representa gastos que pueden ser exorbitantes. Según la etimología griega, Melomanía viene de “Melos” que significa “Canto” y “Manos” que es el que define las conductas de pasión de una persona por algo o alguien.

El término Melomanía ha sido empleado incluso en diversas generaciones como un halago y una conducta intelectual. Quienes son aficionados a la música.
😎🎼🎵🎶🎹🎸🥁🎤🎧🎚️🎷🎺





La tierra para el que la trabaja; como la música y el arte...



#86

Mensaje 17 Feb 2021 12:20

offlineramones77
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La meta está cercana, el corredor llegó al fin a su destino, tal vez algún día se eche alguna carrera, pero por el momento lo duda mucho, próxima semana META al fin.
Última estación Blaugrana ☝️
Por el camino quedarán 50,s, 60,s 70,s 80,s 90,s y nuevo milenio, bandas sonoras, música étnica, grandes guitarristas, temas dance, funky, soul, clásica, música electrónica, sus orígenes, gótico y siniestro, power pop, grandes cantantes féminas y masculinos, otro repaso al pop- rock generacional o lo que nos quedaba del Hard Rock y Heavy Metal...
🏴☠️👊⚽


Para el fin de fiesta repaso a los orígenes del Blue-Beat- Ska-Reggae-Dub con lo más representativo de la historia y otros rollos...


Rancheras eternas de lucha✊
Voy a cantar el corrido
De un hombre que fue a la guerra
Que anduvo en la sierra herido
Para conquistar su tierra
Lo conocí en la batalla
Y entre tanta balacera
EL QUE ES REVOLUCIONARIO PUEDE MORIR DÓNDE QUIERA
CAPITO :victoria:
El general nos decía
"Peleen con mucho valor
Les vamos a dar parcelas
Cuando haya repartición"
Mi padre fue peón de hacienda
Y yo un revolucionario
Mis hijos pusieron tienda
Y mi nieto es funcionario
Gritó Emiliano Zapata
"¡Quiero tierra y libertad!"
Y el gobierno se reía
Cuando lo iban a enterrar
Vuela, vuela palomita
Párate en aquella higuera
Que aquí se acaba el corrido
Del mentado Juan sin Tierra


Ahí va la OSTIA que nada es lo que parece, y casi nunca nadie es como dice ser🤭🌛🌚🌜


Otro adelanto de aquello mal llamado MOVIDA...
El coche de la PLAS👊💙❤️
🚨🚓


Segunda parte se acerca...
Por cierto ayer pasó algo???
🕶️🕶️🕶️🕶️🕶️🕶️🕶️
🍺🍻🍺🍻🍺🍻🍺
💣💣💣💣💣💣💣
CaricatosIPS ⚽🤭


Aquellos conciertos de Radio 3.
Entonces al menos se respiraba libertad en Mafianistán 📜



Primera pregunta adelantada que cantante femenina quiso cantar con ellos???
Blanca como la leche...



#87

Mensaje 17 Feb 2021 20:30

offlineramones77
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🤭👊
Nega]
Rap escéptico, tengo adorno prisionero,
Prosoviético, como Manolo Monereo,
Esotérico, espíritu Mulder y Scully,
Crecí en un barrio periférico, otro atentado en Bali,
Corazón de hojalata.
Lo reconozco: me ponen los tweets de Guillermo Zapata
Lo siento papa, nunca seré concejal,
Terminaré en un club de mala muerte cantando bachatas.
Delincuentes de gomina y corbata,
Y el problema es una mujer de reina en la cabalgata,
Así funciona, es la ley de la selva,
El Pequeño Nicolás se forra; Alfon resiste en una celda.
Y la rueda sigue girando, yo lo veo
El negro del Whatsapp, Rafael Hernando.
Cosmopaletos, no os enteráis,
Subversivo es Luis Buñuel, no los artículos de Vice,
Lloré con Pride, orgullo,
Homosexuales y mineros combatiendo a Thatcher juntos.
Así que vive y deja vivir, machito,
Que hay mineros jubilados que te llevan años de ventaja,
¿Capito? La tierra pa'l que la trabaja,
Como la música y el arte, ¿Lo pillas, chico?
No quiero juzgarte ni ponerme tremendo,
Tanta droga, tanta p***, tanta... ¿Joder, de qué estás huyendo?
No busco el dividendo, busco llenar el calendario,
Soy tu Robert Mitch, un falso reverendo,
La información, en manos de sicarios,
La televisión es mugre, es arresto domiciliario.
Mercenarios, medios generalistas,
Bertín Osborne es un machista reaccionario,
Legendario, permanecer,
Si muero algún día quiero un funeral estilo Berlinguer.
Estribillo]
La soledad de quien huye del rebaño,
La Europa del sur, la Europa del Mediterráneo,
Llantos y miedos, cajas y bombos,
Es la soledad del corredor de fondo.

[Toni El Sucio]
Ey, pibe, aquí nadie se rinde,
Para todo aquel que es libre no existen los imposibles,
Los invisibles queremos dejar de serlo,
Tenemos voz, nombre y rostro, y queremos lo que es nuestro.
No existe el miedo, somos la resistencia,
Contra la Ley Mordaza, receta: desobediencia.
Nos quieren callados, maniatados, y lo llevan claro,
Para Pablo Casado, zulo y trabajos forzados.
Hipócritas de mie***, sí, hablo de Occidente,
Están llorando en París lo que en Gaza consienten,
O en Irak, o en Siria, o en Burkina Faso,
Aquí eres víctima si eres europeo y blanco,
Y Anders Breivik era un loco, era un perturbado,
Nadie te hablará nunca de integrismo cristiano.
Hablan de lobo solitario, ¿Verdad?
Si hubiera sido un musulmán, ya habría un país bombardeado,
Lo tienen todo atado y nos dicen qué pensar,
Y hasta la tele, pavo, y nos dice a quién votar.
Y fabrica líderes de pacotilla,
Como el cuñado falangista Miguel Ángel Revilla,
Y fachas se indignan por el disfraz de Reyes Magos,
Y se la suda que existan niños sin regalos,
O niños desahuciados en la calle con frío,
Sólo les importan los niños que aún no han nacido,
Es vomitivo este poder que nos gobierna,
Que nunca han sentido ni frío, ni hambre ni problemas,
O que se van a un spa tras el Madrid Arena.
Ana Botella a un gulag junto a Álvaro Ojeda,
Y ¿qué nos queda?
Pues luchar o chupar de su rueda,
Hagamos lo primero aunque las derrotas duelan,
Y no te rindas, por favor, no cedas,
Porque mañana se abrirán las grandes alamedas.
La soledad de quien huye del rebaño,
La Europa del sur, la Europa del Mediterráneo,
Llantos y miedos, cajas y bombos,
Es la soledad del corredor de fondo.
📢


#88

Mensaje 18 Feb 2021 11:43

offlineramones77
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Penúltimo buenos días, tardes, noches, acercándose la primavera con un mundo muy revuelto a TODOS LOS NIVELES 🤭👌
Con el Barça y Mafianistán se pasa de frío a calor en menos de tres segundos ☔🏜️que felicidad...
Segunda parte de aquellas movidas 📢🏴☠️⛔😎 Más de 9000 kilómetros hasta Vladivostok🚂
Recordando a PVP:

La queja, aun dicha sin acritud, no pilla por sorpresa: “El único lado negativo de la Movida es que siempre se citan los mismos nombres, como si no hubiera existido ninguno más”. Y el de PVP, el grupo de Juanjo Valmorisco (Madrid, 1957), no pertenece a dicho estamento de mención constante, a pesar del prestigio en la primera mitad de los ochenta de una banda conocida como ‘los Clash madrileños’. “Esa etiqueta nunca nos molestó, si nos perdimos fue por el afán de experimentación, nos daba pánico quedarnos anclados, y sobre todo por las malas influencias. El típico consejo de la compañía de ‘¿por qué no hacéis algo más comercial?’”.

Valmorisco (guitarra y voz) y Jesús Amodia (guitarra) están de regreso con Hermanos de piel, el primer álbum de PVP en tres décadas, y lo presentan este viernes en la sala Changó. 11 temas nuevos de forja terapéutica: “Surgieron a raíz de la enfermedad de nuestro batería, Jorge García Ramiro [el tercer miembro fijo en la historia de la banda]. Qué mejor para ayudarle en su lucha que volver a ensayar y hacer canciones juntos”. El hombre de las baquetas falleció de cáncer en 2012. “Se fue con la idea de que íbamos a grabar un disco pero le devolvimos la ilusión por tocar. Tras el shock, Jesús me convenció de la necesidad de culminar el proyecto como el mejor homenaje posible”.


¿Y qué han confeccionado los autores de himnos alternativos de los ochenta como El coche de la plas o Entre las ruinas (regrabada la una, remezclada la otra como cortes extra). “A nuestra edad las opciones eran un álbum de boleros o uno de versiones de la nueva ola”, bromea Valmorisco. La elección ha sido abrazar el espíritu combativo que desprendía su ópera prima, Miedo, en 1982, un muy buen trabajo de punk-rock aderezado con gotas de ska. “La batalla de Jorge por la salud y los tiempos que corren lo exigían. No vamos a ponernos tachuelas, pero seguro que nadie nos va a acusar de autocomplacientes”.

Los Clash madrileños, treinta años después
La movida echó a andar en Caminos:
Ojo con los nuevos títulos: Señor presidente, La revolución, Conciencia o incluso uno de préstamo dylaniano, Los tiempos están cambiando. Dardos urgentes llenos de enjundia y melodía. “Partimos de tres premisas: nada que tuviera que ver con el blues, nada de canciones de amor, hemos hecho en cambio una sobre los malos tratos, y no repetir estribillos”.


La de PVP es una historia en parte de huidas, más allá de la anecdótica del homenaje a Tierno Galván. “Suspendieron por la lluvia el festival en su memoria y parte del público se encabritó. Hubo que salir por patas porque volaban las litronas, entonces permitidas en los conciertos”. Otra escapada la protagonizó Valmorisco dos años antes de fundarse la banda. “Me instalé en 1978 en París huyendo de la heroína de la que Madrid estaba plagado. Musicalmente, supuso para mí una reeducación”.

Lo de pirarse o salir de naja (en jerga de Ramoncín, productor de la segunda maqueta de PVP) se repetiría con el sello que albergó su primer largo. “En Belter convivían La Banda Trapera del Río [pioneros catalanes del punk] y Burning con Manolo Escobar o María Jesús la de Los Pajaritos. Nos marchamos y sacamos el segundo con una discográfica minúscula creada ex profeso”.


Tras un amago de formar un nuevo grupo con Alaska como vocalista (“cuando se disolvieron los Pegamoides llegamos a ensayar, luego ella acabó en Dinarama”) nuevo cambio para la tercera entrega: fichan por Dro-Tres Cipreses, casa emblema de la independencia surgida en la Movida. “Pero, en realidad, nosotros bebíamos del rock urbano de Leño y compañía. Somos en el fondo hijos del sello Chapa. De hecho, su creador, Mariscal Romero, impulsó nuestra primera maqueta”. El último capítulo hasta ahora, un cuarto disco equivocado con una multinacional. “Nos remató el veto televisivo a que interpretáramos cierta canción en un programa. Propuse aprovechar la circunstancia para boicotear el playback como protesta, y la compañía y el resto se opusieron. Era momento de parar”.

El actual bajista de PVP es otra pequeña celebridad de la escena madrileña en los ochenta, Manolo UVI, líder de una de las bandas seminales de nuestro punk, La UVI. “Debo ser el único músico que ha logrado que Manolo toque funk alguna vez”, se jacta entre risas un Valmorisco amante de lo ecléctico. Si el funk o lo jamaicano formaron parte de la andadura de PVP, este estudioso del sonido (“es mi vida”) también puede presumir de otros logros: una candidatura a los Grammy latinos como productor del rapero Nilo MC o su aventura como artista electrónico sampleador de flamenco, Digitano. “Desde el respeto y siempre dentro del compás”.

Tanta hiperactividad en estos años contrasta con el alejamiento de Jesús Amodia del mundillo musical. “Pero él no mostraba ni un gramo de óxido, no veas cómo nos hemos entendido con las guitarras”. Al fin y al cabo, los PVP siempre gastaron fama de saber tocar y de ser muy profesionales. “En nuestros comienzos teníamos mánager, técnico de sonido y técnico de luces. Cuando nada de eso existía por aquí, salvo para las folclóricas”.





"Una vez, me encontré por la calle a Rubén Nogueira [escaparatista vigués y marido de Boris Izaguirre] y me dijo que iba al local a ensayar. ¿A ensayar? Que yo sepa no tocas ningún instrumento, le dije. Ya, pero el que no tiene ahora un grupo en Vigo es idiota, me contestó", recuerda a Verne Julián Hernández, cantante y líder de Siniestro Total, sobre la movida viguesa de los años 80. "Era cierto lo que decía Rubén. En esa época había casi más grupos que músicos, porque algunos estaban en varias bandas a la vez".


Madrid y Vigo compiten ahora por las luces navideñas más obscenas, pero esta pequeña explosión creativa vivida hace tres décadas igualó durante un tiempo a una pequeña ciudad gallega con la capital española. Al menos, en cuanto a inquietud y modernidad.

Manuel Soto, el primer alcalde de Vigo en la democracia con el Partido dos Socialistas de Galicia-PSOE (PSdeG-PSOE) fallecido el miércoles 27 de noviembre, tuvo bastante que ver en ello. Fue él quien se encargó de promocionar esa efervescencia cultural.

La crisis económica de los 70 había hecho de Vigo un lugar gris que se enfrentaba al desempleo. Siniestro Total y otras bandas como Golpes Bajos, Os Resentidos de Antón Reixa, Aerolíneas Federales y Semen Up, entre otras muchas, invadieron los escenarios en el mismo espacio y el mismo tiempo. Y atrajeron de nuevo las miradas y los oídos hacia una ciudad a punto de caer en el olvido.

Para Hernández, Manuel Soto "no dejaba de ser un político al fin y al cabo…", dice por teléfono desde Ferrol. "Era un tipo educado que vio la oportunidad de promover la cultura, que en los tiempos de la Transición estaba en muy mal estado, como una forma de aprovechamiento político. Y lo hizo por lo general de forma bastante honesta".


Del cine Salesianos a las listas de éxitos

El germen de la movida viguesa se había dado cinco años antes, a finales de 1981, con un concierto de Siniestro Total en el cine Salesianos de la ciudad. "No fue ni Dios a vernos tocar, pero algo pasó", dice Hernández, que prefiere desmitificar esos años. "No fue un bluf, pero tampoco legendario. Sí que movió la ciudad en cuestión cultural y trajo algo de modernidad. Había gente haciendo de todo, también pintura y poesía, aunque la música es la que ocupaba las portadas".

El músico reivindica a los grupos ye-yes que ya crearon una tradición de música en directo en la ciudad durante la década de los 60. "Los cruceros paraban en Vigo y muchos se montaban una banda para sacarse algo de dinero y ligar con las turistas. Esa era la motivación del rock en Vigo".

Pero los grupos de los 80 estaban mucho más conectados entre ellos. Germán Coppini, que durante un tiempo fue cantante de Siniestro Total, alcanzó el éxito junto Teo Cardalda con el sonido más comercial de Golpes Bajos y sus Malos tiempos para la lírica. Alberto Torrado y Javier Soto, miembros de Siniestro Total, formaron junto a Antón Reixa Os Resentidos. Todos ellos triunfaron a nivel nacional.


"NO PODEMOS ESCRIBIR LETRAS DICIENDO ME PASEO POR BERLÍN PORQUE NOSOTROS NOS PASEAMOS POR PORRIÑO (PONTEVEDRA)", CONTABA SINIESTRO TOTAL EN LA EDAD DE ORO EN 1983.

El tren de los modernos:

El gran hito de esa movida viguesa fue el único viaje del llamado tren de los artistas que viajó de Madrid a Vigo en 1986. Soto apoyó esta iniciativa junto a Joaquín Leguina, en esos momentos presidente de la Comunidad de Madrid, para unir las movidas musicales de ambas ciudades. Alguien decidió poner barra libre en el bar del tren nocturno y los invitados se pasaron todo el viaje bebiendo. Así contaba el encuentro la crónica de EL PAÍS del 22 de septiembre de ese año:

"Un tren cargado de modernos y algunos infiltrados llegó el sábado por la mañana a Vigo. Era la expedición Madrid-Vigo, encuentros en la vanguardia, organizada por el Ayuntamiento vigués y la Comunidad de Madrid. En dos días, encuentros, pocos; vanguardia, incierta. Eso sí, muchas copas y mucha algarabía. En la fiesta de despedida, anoche, Teresa Lozano Díez, de Madrid, resultó herida por una botella que lanzó Fabio MacNamara, y en el hospital General de Vigo le dieron tres puntos de sutura".

"Entre la que lio de MacNamara intentando lanzar una botella al alcalde Manuel Soto y que Alaska terminó llamándole Manueliño, eso acabó un poco como el Rosario de la Aurora. Fue algo parecido a una película de Berlanga", comenta entre risas el líder de Siniestro Total.

El encuentro entre movidas costó al Ayuntamiento gallego 18 millones de pesetas de las de entonces (algo más de 100.000 euros). Cientos de muñecos de tamaño humano colgando en las calles de la ciudad, un concierto conjunto con la banda de Julián Hernández, Los Nikis y Gabinete Caligari y mucha fiesta convivieron durante un día y medio bajo un lema, "Vigo se escribe con M de Madrid". Y el alcalde Soto vistió para el acto con moda gallega, de Adolfo Domínguez.

"A la oposición le parecía un despilfarro. ¿Cómo se gasta el alcalde ese dinero en traer a una panda de borrachos y drogadictos en tren desde Madrid?, decían. Consumir cosas, se consumieron, pero digo yo que no las vendía Manuel Soto…", cuenta Hernández. Al cantante, le valió la pena: "Vigo salió en todos los telediarios y ocupó muchos centímetros cuadrados de revistas y periódicos. Con ese dinero, hubiera comprado mucha menos publicidad de la que se le dio a la ciudad esos días".

Según su experiencia los gallegos recibieron una gran acogida en Madrid en esa época de la Transición. "Les caíamos simpáticos. Seguramente era una cuestión política. A los vascos se les veía como a terroristas. Y a los catalanes como… catalanes. Así que nosotros, que acabábamos de dar a España un dictador gallego, salimos ganando", analiza el espíritu punk de Julián Hernández.

Cuando Vigo y Madrid competían por la mejor movida musical de los 80🚂😎





EL KWAI. En la calle de Fernando VI, 8. Bar cutre abierto por los años 60 del pasado siglo que fue mítico en los años de la movida. “¡Vámonos al Kwai!” era la frase que se gritaba siempre por la zona de Alonso Martínez un viernes o un sábado por la noche. Estaba atendido por Constante, un asturiano que despachaba las pechugas (copas) más mata-hígados que se haya conocido, vasos prácticamente hasta arriba de vodka Yurinka o whisky DYC, que apenas dejaban espació para el refresco. Y el Kwai es famoso también porque el grupo Siniestro Total le hizo una canción y grabaron en el bar uno de sus vídeos. También Os Resentidos.


🥚🥚"Arrascatelo pardiez"
👊☠️🎸



🤭


Cuando se nombra a Siniestro Total da la sensación de que siempre han estado ahí; desde luego son uno de los grupos más longevos de nuestra escena y unos de los principales responsables del Big Bang de La Movida y del punk en nuestro país. Varias décadas caldeando el ambiente dan para mucho, así que iniciamos por partes un largo recorrido por una de las bandas con mayúsculas de estas tierras.

Desde muy temprana edad Julián Hernández se interesó por la música, ya en el Colegio Alemán de Vigo -en el que coincide con Alberto Torrado- tocaba la guitarra de su hermana menor con una pipa de girasol al no disponer de púa. Como en aquel entonces no era muy corriente encontrar gente de su misma edad interesada por la música, comienza a asociarse con toda persona en el mundillo que se le acerque. Así, ya en el Instituto del Calvario, establece contactos con Javier Soto y Miguel Costas. Julián entra en el conservatorio y la idea de formar un grupo comienza a ganar fuerza. Influenciados por el blues comienzan a ensayar en casa de Javier todavía sin un nombre fijo.



La estancia de Julián en Madrid -se marcha a estudiar Filología pero abandona rápidamente, tranquilizando a sus padres al seguir en el Conservatorio para convertirse en profesor de música- resulta fundamental para afianzar la idea de formar un grupo. Allí conoce a los Ramones -dándose cuenta de que para tener un grupo es suficiente tener actitud y ganas más que conocimientos musicales- y gente como Sebas, bajista de Polanski y el Ardor, que hacen que su sueño sea más tangible.

En Vigo conocen a Germán Coppini, que entonces ya tenía un grupo, Coco y los del 1500, y un aspecto muy peculiar: chupa de cuero, chapas, botas militares y pelos de punta. Estamos en verano del 81, para celebrar que Javier Soto está de permiso durante la mili, Julián coge el coche de sus padres para celebrarlo. El problema es que la conjunción del alcohol y la niebla es nefasta y el Renault 12 familiar termina estampado. Tras un tiempo en el dique seco se ponen de nuevo en marcha a grabar canciones en cassette bajo el nombre de Mari Cruz Soriano y los que Afinan su Piano. La compañía de seguros dictamina que se trata de un siniestro total y Miguel Costas sólo puede decir “Joder, es un buen nombre para un grupo”.



Comienzan a ensayar en el garage del padre de Antón Reixa, que tenía una distribuidora de bebidas alcohólicas. Hecho que sin duda convertía el lugar en el más idóneo. Tener un nombre como el de Mari Cruz Soriano y los que Afinan su Piano hacía que la gente no supiese qué pensar realmente de ellos, por lo que no tardarían mucho en cambiarlo por Siniestro Total. El 27 de diciembre del 81 tiene lugar en el Salesianos de Vigo su primer concierto junto a otras formaciones como Nacha Pop o Trabalhadores do Comercio. En la formación: Julián Hernández (batería y coros), Miguel Costas (guitarra y coros), Germán Coppini (voz) y Alberto Torrado (bajo).

Graban una maqueta de doce temas para comenzar a difundir la palabra, en ella ya nos encontramos “Ponte en mi lugar”, “Ayatolah!”, “Mario (Encima del armario)", “Purdey” y “Matar jipis en las Cíes”. Esa maqueta llega a manos de Jesús Ordovás -de hecho se la entrega Julián en persona en la Plaza de España de Madrid- que comienza a radiarlos en Radio 3, y más concretamente en su programa Esto No Es Hawai.

Pronto llega su primer concierto en Madrid, en el Marquee, con equipo prestado y Derribos Arias como teloneros. Tocan dos días seguidos, gracias al apoyo de Ordovás y a la gran aceptación de sus canciones se monta un revuelo enorme. Julián con respecto a esto afirma en el libro de Ordovás “Apocalipsis con Grelos” (Antonio de Miguel, 1994) que “se armó un follón y hubo unas hostias acojonantes. A un pobre jipi, con melenas y barbas que estaba saltando en el medio de la sala le metieron una mano de hostias cuando cantamos 'Matar jipis en las Cíes'”.

Es entonces cuando entra DRO en escena y Servando Carballar -Aviador Dro- que se decide a grabarles su primer EP. Todo era tan amateur en la época que ni siquiera firmaron un contrato. Simplemente se pusieron de acuerdo y lo celebraron en el bar de al lado. Se llegaron a editar más de 5000 copias de su debut, “Ayudando a los Enfermos” (DRO, 1982). A los pocos meses llega su primer largo, “¿Cuándo se Come Aquí?” (DRO, 1982), grabado en sólo tres días con un ocho pistas. La que se armó fue todavía mayor. La primera edición se agota a los pocos días y DRO no da abasto para satisfacer la demanda. La repercusión de la banda es cada vez mayor, y todo se acrecienta con la presentación en el Rockola del disco -10 de enero del 83- y sobre todo, con su participación en la Primera Fiesta del Diario Pop, el 1 de marzo de 1983.



Es también al comienzo del mismo año cuando el grupo recibe el encargo del programa de televisión Caja de Ritmos dirigido por Carlos Tena de componer dos temas inéditos para el mismo. Los videos grabados para las dos canciones, “Sexo chungo” y “Me pica un huevo”, compuestas en un periquete por Miguel y Julián, resultan ser dos pequeñas joyas que muestran el sentido de humor del grupo. El de la última en concreto muestra un playback imposible en el que, por ejemplo, Germán canta con una cabeza de gallo como micrófono, Julián se las ve con una gaita y Miguel tontea con un tambor. Ninguno de los dos trabajos tuvo ocasión de ser emitido porque unas semanas antes se había producido la actuación y posterior escándalo de las Vulpess, que conllevó la suspensión del programa. Aún así, el sencillo que editó la discográfica es todo un lujo: “Sexo Chungo / Me Pica un Huevo” (DRO, 1983) fue concebido tras pedirles una edición cuidada porque pagaba RTVE. Así, contenía póster y carpeta doble, con una portada inolvidable con homenaje incluido a The Clash.

Al poco tiempo se produce el que quizás fuera uno de los episodios más dramáticos del grupo: la salida del mismo de Germán, su cantante original. Germán había empezado a tocar junto a Teo Cardalda, en lo que vino a ser el núcleo de Golpes Bajos. Aunque inicialmente simultaneaba la pertenencia a ambas bandas, la aparición en el programa de televisión La Edad de Oro con estos últimos desencadenó la salida de Siniestro Total. Preguntado por la presentadora, Paloma Chamorro, Germán pareció olvidar que también cantaba con ellos. Además, en declaraciones posteriores indicaba que las canciones que le hacían cantar en Siniestro podían resultar graciosas pero insoportables cuando las repites unas cuantas veces. La reacción del resto fue bastante agria. “Germán es de mecachis madre, es muy buen chaval, pero no hacía canciones, no tenía la misma voluntad de grupo de rock and roll que nosotros y llegó un momento que no pintaba nada”. Él, por su parte responde, en entrevista posterior: “No fue cuestión de ego personal, eso de ahora me callo y tiro adelante con Golpes Bajos. Fue falta de comunicación y diálogo con Julián, con Miguel y con Alberto”. Reconoce no haber hablado “todo lo claro y bien que debía hablar de Siniestro”, y respecto a su salida del grupo “(…) le echo la culpa a terceros, a los que rodean la vida de esos grupos. A productores, gente de compañías discográficas, managers y tal.”



La Movida se estaba desarrollando sobre todo de acorde con los patrones de la denominada postmodernidad, imagen con la que claramente Golpes Bajos casaban muchísimo mejor que los propios Siniestro Total. Para estos, la salida del cantante fue un auténtico palo: “Era la imagen y cantaba muy bien”, reconoce Julián.

Es en estos momentos de transición, en los que el grupo es sometido a las dudas de crítica y público que dan por hecho que sin Germán, terminarán por hundirse, que el papel de Paco Trinidad, productor de sus discos anteriores resulta fundamental. Es el verdadero motor de la grabación del siguiente larga duración, “Siniestro Total II: El Regreso” (DRO, 1983). Les pide unas veinte canciones, como el “Get Happy” (Demon, 1980) de Elvis Costello. Algo caótico, con temas de muy diversas fuentes (Manolo Romón, Antón Reixa, Moncho Alpuente… ) que es, sin embargo, un disco intenso y que da respuesta a toda la expectación creada. La portada, con Bob Hope y un vaso de leche, es de las más logradas en la larga lista de LP del grupo.

Del mismo saldrá un primer sencillo “No Somos de Monforte” (DRO, 1983), que contiene el tema homónimo, ya en el larga duración, y un ejemplo de la capacidad que el grupo tiene para hacer versiones de grandes grupos, apropiándose de la canción en cuestión y adaptándolo a sus muy personales letras; en este caso, nada más y nada menos que “Luna sobre Marín” sacada del cancionero de los Dead Kennedys; por si acaso alguien hubiera pensado que se había agotado el punk en Siniestro Total tras la marcha de Germán. También editan “Más Vale ser Punkie que Maricón de Playa” (DRO, 1984), que recogía dos muy buenos cortes del larga duración: el que daba título al sencillo y “Trabajar para el enemigo”.

La gran conexión entre las bandas que iban conformando el más que interesante panorama gallego tiene una muestra en el EP que editan conjuntamente con Os Resentidos, “Surfin’ CCCP” (DRO, 1984), el grupo formado, entre otros, por el polifacético Antón Reixa y Xavier Soto. Cada grupo contribuyó a la irreverente proclama filosoviética mod (pretendían “(…) influir definitivamente en los procesos degenerantes del sistema capitalista para difundir, de una vez por todas, la buena nueva del rhythm & blues en el mundo”) con dos temas. Siniestro Total aportó “Voy a ver a Leonidas” y “La pista búlgara”. El primer larga duración de Os Resentidos -“Vigo Capital Lisboa” (GASA, 1985)- resultó, en el fondo, una prolongación del maxi editado previamente con Siniestro Total.

La sinergia entre ambos combos no se limitaba a este tipo de experiencias conjuntas en grabaciones y actuaciones sino que algunos de sus miembros pivotaban entre ambas formaciones. Así, Alberto Torrado simultaneaba el bajo con los dos grupos, mientras que Xavier, inicialmente guitarrista en Os Resentidos, terminó tocando el teclado con Siniestro Total. Así relataban los implicados y compañeros la situación; Julián: “Alberto tocaba con Os Resentidos cuando no estaba con nosotros (…) Se fue decantando poco a poco hacia el grupo de Antón Reixa mientras que (Xavier) Soto tocaba más con nosotros”; Xavier: “Entré a tocar teclados aunque no tenía ni idea. Lo mío es la guitarra”.



La reafirmación del grupo en su nueva etapa llega con “Menos Mal que nos Queda Portugal” (DRO, 1984), para muchos, uno de los discos más rotundos y redondos del grupo. Letras geniales, de punk desquiciado como sólo ellos saben hacer y con tiempo para la filosofía personal. El disco tiene carrete para tres sencillos “Tipi Dulce Tipi” (DRO, 1984), “Te Quiero” (DRO, 1985) y “Si yo Canto” (DRO, 1985), pero fácilmente hubieran podido ser tres o cuatro más, dada la pegada de muchos de los cortes de las dos caras del disco.

La hiperactividad de Julián y Miguel les da para lanzar a Siniestro Total a una meteórica carrera y colaborar con proyectos en paralelo. Miguel, por ejemplo, ha empezado a montar con Silvino Díaz, a la sazón novio de su hermana Rosa, Aerolíneas Federales. Al grupo se les irán uniendo componentes, femeninas sobre todo, Coral y la propia Rosa, hasta que un disco antes de su disolución, Miguel se quedase en tierra. Por su parte, Julián colabora con Os Resentidos y se dedica a experiencias personales como Mil y Sus Muermos, donde se presentaba con una guitarra y caja de ritmos para hacer versiones, entre otros, de Derribos Arias.

En verano de 1985 sale “Bailaré Sobre tu Tumba” (DRO, 1985), un disco con una cara grabada en estudio (los Trak de Madrid) y otra en directo, con actuaciones en una variedad de sitios diferentes grabados por Paco Trinidad y Juan Verdera (Derribos Arias). De ese verano destaca por ejemplo el concierto dado en Santiago de Compostela, en el auditorio de Castrelos, donde coincidiría con otras muchas bandas como Golpes Bajos, Poch (tras su frustrado paso por CBS), etc. La presentación del disco se produce en Madrid, en la Sala Universal, cosechando un enorme éxito de crítica en prensa. Del mismo salieron tres sencillos “Bailaré Sobre tu Tumba / No me Lavo en la Vida” (DRO, 1985), “Al Final” (DRO, 1986) y “¿Qué tal Homosexual?” (DRO, 1986).

El grupo, una vez consolidado como banda grande, empieza a trabajarse en serio lo de las giras veraniegas. Tras muchas malas experiencias en la carretera deciden además contratar los servicios de Paz Tejedor (que trabaja también con Radio Futura) y la agencia Party? como manager. Siniestro siempre tuvo fama de ser buenos cumplidores en el circuito de actuaciones. Contaba de ellos Pepo Fuentes, compañero junto a Paco Trinidad en muchas de las salidas que hacían los gallegos: “Llegaban en el tren, les recogíamos con la furgoneta, iban a probar, comían, se echaban un poco y se presentaban frescos a tocar, mientras que otros grupos, si tenían que tocar a las once de la noche llegaban a las nueve y pretendían probar el sonido con la gente esperando fuera”.

Las constantes referencias a sus orígenes hacen que Siniestro Total termine siendo asimilado, de alguna manera, como exponente en todo el ambiente musical de los 80 de Galicia. No es de extrañar pues que se vieran involucrados en la composición de un irreverente himno gallego: “Galicia, gran Carallo de Sal” (Baterías Taponadas, 1986). La letra corre a cargo de Manolo Romón y la música es obra de Julián Hernández. El single aparece como Os Cantores do Sil (Siniestro Total) y fue publicado por mediación de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo y la Xunta de Galicia y presentado en unas jornadas en Santander a cargo de Las Fuerzas Atroces del Noroeste. En la cara B del single se incluye su versión en castellano, interpretada en clave punk, "Galicia, gran carajo de sal", tema que aparece en el 93 en el recopilatorio recopilatorio de rarezas y caras B “Ojalá Estuvieras Aquí” (DRO, 1993). Existe una edición en flexi disc del single.



De igual forma participan activamente en las desquiciadas jornadas de hermanamiento entre Madrid, Vigo y Cangas de Morrazo. Estas últimas trajeron a lo más granado de la movida madrileña a tierras gallegas, autoridades y artistas incluidos. Siniestro Total tocaría con Nikis y Gabinete Caligari.

Es entonces cuando, a iniciativa de la compañía, sale “Grandes Éxitos” (DRO, 1986), un compendio de temas diversos de la banda desde sus comienzos, que aunque aparentemente no contó con el beneplácito del propio grupo, supuso una oportunidad inmejorable para escuchar algunas rarezas de lo más interesante. Como por ejemplo la que editaron como sencillo “Dios Salve al Conselleiro” (DRO, 1986).

El siguiente disco que prepara realmente el grupo, “De Hoy no Pasa” (DRO, 1987), es el resultado de una nueva visita de Julián desde Madrid, donde sigue estudiando. Normalmente Miguel y Julián comunicaban sus progresos con nuevas canciones por teléfono. Cuando Julián volvía a Vigo por unos pocos días, se aprovechaba para montar los discos. En este caso, sí es cierto lo que respondían en entrevistas, el título respondía a los problemas para encontrar un lugar donde tocar y ensayar. Echados de la casa del padre de Javier Soto, “(…) fue cuando dijimos de hoy no pasa que encontremos un local. Y fue la primera vez que empezamos a trabajar en serio los cuatro juntos, según el concepto que hay ahora de grupo: tocar en el local todos juntos, ensayar, arreglar las canciones entre todos”.

Para algunos se trata del disco con mejor producción y sonido de Siniestro Total. Comienza con una versión de Cucharada, el grupo de Manolo Tena, y supone un paso adelante más en la carrera de los vigueses. Se grabaron muchas más canciones que las que luego pudieron entrar en el vinilo final, pero la sucesión de sencillos -“Diga qué le Debo” (DRO, 1987), “Quiero Bailar Rock and Roll” (DRO, 1987), y “De Hoy no Pasa / Elefantes Rosas” (DRO, 1987)- permitió darles salida como caras B.

Se trata además del trabajo en el que Julián comienza a cansarse de la batería. Algunas de las que aparecen en el disco, son programadas. Por otro lado, es el último disco de Alberto Torrado con Siniestro Total, ya que decide marcharse a tocar con Os Resentidos, con los que dice sentir que su música está más valorada. Aun así colaborará con sus antiguos compañeros tocando el bajo en su siguiente trabajo “Me Gusta Cómo Andas” (DRO, 1988).

Por su parte, Julián se implicará en el apadrinamiento y labores de producción de Bromea o Qué?, ofreciendo su propio sello BBTT (Baterías Taponadas). El grupo busca de forma urgente un bajo y un batería para completar la formación y los encuentra en Segundo Grandío, que se encarga del bajo, y Ángel González que pasa a tocar la batería.

En el 90 llega “En Beneficio de Todos” (DRO, 1990), grabado en los estudios Trak con Eugenio Muñoz. Siniestro Total continúan creciendo con cada disco, con este superan las 50.000 copias -disco de oro- y media España se viste con camisetas con eslóganes como “En Beneficio de Todos: No Me Deis más de Beber” o “En Beneficio de Todos: Cállese, Señora”. Este crecimiento obliga al grupo a crear una nueva estructura capaz de controlar su desarrollo, y se une como manager Xosé Manuel Blanco, creando la corporación Loquilandia. Dos años después, Siniestro Total alcanzan su cumbre particular; estamos ante su momento de mayor éxito y repercusión social. “Ante Todo Mucha Calma” (BMG, 1992) los lleva hasta la cima. Un disco grabado en directo en la sala Arena de Valencia el 22 de noviembre del 91 que repasa toda la carrera de los vigueses.

En el 93 llega “Made in Japan” (BMG, 1993), el octavo álbum de estudio, a la postre el último en el que participa Miguel Costas -quien posteriormente monta Los Feliz con Martín Esturao (Dr. Gringo) a la segunda guitarra y Pedro Feijoo al bajo-. El disco es grabado entre mayo y junio del 93 en Memphis, en los míticos estudios Ardent, con la producción de Joe Hardy -ZZ Top, Georgia Satellites, Jeff Healey-, quien en cierto modo pasa a ser un miembro más de la banda desde la distancia. El aspecto audiovisual comienza a tener cada vez más peso gracias a la vinculación del realizador Mikel Clemente, quien se encarga de realizar los videoclips de tres de los cortes del disco: “El hombre medicina”, “Yo dije Yeah” -con la colaboración de Álex de la Iglesia- y “Cuenca minera”.

En su siguiente trabajo “Policlínico Miserable” (BMG, 1995) se mantiene la conexión con Memphis, los estudios Ardent y Joe Hardy. Un disco grabado entre el 14 y el 28 de Marzo del 1995 que es presentado en la Sala Revólver de Madrid con la incorporación al saxo de Jorge Beltrán. Mikel Clemente se dedica a grabar imágenes a lo largo del Mississippi para un reportaje y un nuevo video.

En un momento conflictivo de su carrera, en el que las ventas no son las de antes, deciden hacer un exquisito repaso por la música popular nacional con interesantes paradas como las que los llevan a Los Cafres, Los Coyotes, Los Salvajes o Ilegales. Johnny Cash siguió un camino parecido con sus American Recordings, aquí, con “Cultura Popular” (Virgin, 1997) fueron Siniestro los que se atrevieron a desempolvar el cancionero nacional. Y digo desempolvar porque el rescate de cortes como “Cultura popular” de Moncho e Mailo Sapoconchos, la “Alimaña” de Los Cafres o el “Es muy fácil” de Los Mitos, es realmente meritorio. Más de veinte versiones, desde el “Soy así” de Salvajes a “Gelito” de Los del Páramo. El disco se presenta -y es grabado en directo- los días 9 y 10 en el Palacio de Congresos e Exposicións de Santiago de Compostela por todo lo alto, mediante un espectáculo audiovisual concebido para la apertura de curso universitario 1996 / 97 dirigido por Mikel Clemente.

Un año muy prolífico el 97, en el que también nos entregan “Así Empiezan las Peleas” (Virgin, 1997) -disco en directo grabado en la gira que dio el grupo en 1996, y que recoge momentos de las actuaciones en el campo de futbol de Maceda (Orense), la plaza de toros de Oviedo, el pabellón Interpeñas de Zaragoza, la sala La Riviera de Madrid y un tema en Dr. Jeckyl de Buenos Aires-, “Gato por Liebre” (DRO, 1997) –recopilación hecha por DRO a su libre albedrío de todas las versiones que realizaron Siniestro Total a lo largo de su historia- y “Sesión Vermú” (Virgin, 1997) -segundo larga duración de Siniestro Total en su etapa con Virgin-.

En el 93 Siniestro Total viajaron a Memphis para grabar “Made in Japan” (BMG, 1993) con Joe Hardy en los míticos estudios Ardent. Pero además de grabar se pasearon por las tiendas de segunda mano de la ciudad buscando discos de pizarra recubiertos de polvo. Entre las compras les llamó la atención uno de Jack Griffin, un personaje del que desconocían su existencia y que a base de muchas búsquedas de información e ir atando cabos se dieron cuenta que era un referente tan valido como cualquier otro para desarrollar un viaje sin red a las entrañas más profundas del blues. Así nace “La Historia del Blues” (Virgin, 2000). Segundo Grandío abandona la banda y ocupa su lugar al bajo Oscar G. Avendaño. Al mismo tiempo Julián se asocia a Rómulo Sanjurjo (Os Diplomáticos de Monte-Alto) y pone en marcha Transportes Hernández y Sanjurjo.

Dos años después llega el triple álbum “¿Quiénes Somos?, ¿De Dónde Venimos?, ¿A Dónde Vamos?” (DRO, 2002). Un trabajo temático en el que un disco está dedicado a repasar el presente de la banda, otro a repasar el pasado y otro a mirar hacia delante y adelantar el futuro. En los agradecimientos podemos leer un emotivo mensaje: “Siniestro Total desea aprovechar la edición de este triple álbum para dar las gracias de corazón a toda la gente que de una u otra manera ha colaborado con el grupo y le ha proporcionado la energía, las ideas y los medios que han hecho posible una carrera de veinte años. Somos conscientes de que no están todos los que son (sería una tarea imposible) pero sí son todos los que están. Este disco está dedicado a ellos y a todos los que han apoyado el proyecto ST desde 1981”.

Incluyen dos temas -“800 balas” y “Enseñarle a Dios (una cosa o dos)”- en la banda sonora de la película de Álex de la Iglesia “800 Balas” (2002) y su particular versión de “Correcaminos (The Road Runner)” en el recopilatorio “Patitos Feos” (BMG, 2002).

En el 2005 Siniestro Total con una formación estabilizada con Julián Hernández (voz, guitarra), Javier Soto (guitarra solista, coros), Ángel González (batería), Jorge Beltrán (saxo) y Oscar Avendaño (bajo, coros) entran a grabar en Casa de Tolos -el estudio de Segundo Grandío en Mañufe (Pontevedra)- “Popular, Democrático y Científico” (Loquilandia / Diablo, 2005). De la producción se encarga de nuevo Joe Hardy y del apartado audiovisual Mikel Clemente.

El 1 de abril del 2008 se publica “Que Parezca un Accidente” (Sony / BMG Loquilandia, 2008), un 2CD+DVD que recoge la grabación en directo del concierto del 27 de diciembre de 2006 en el Cine Salesianos de Vigo. Un repaso por todos sus grandes éxitos grabado en directo el mismo día, a la misma hora y en el mismo lugar en el que dieron su primer concierto pero veinticinco años después. Ellos lo explican a su manera: “El criminal vuelve al lugar del crimen, sin nostalgia y sin arrepentimiento, para celebrar una fiesta bestia sin concesiones. Que parezca un accidente es el testimonio puro, duro y crudo de esa noche. Sin retoques de estudio y sin cirugía tecnológica; todo lo que ocurrió está en este disco y todo lo que está en este disco ocurrió”. Este mismo año Miguel Costas graba su primer trabajo en solitario “Condenados a Costas” (G. Domani, 2008).

En 2009 participan en el aniversario de la Sala El Sol por sus 30 años, para unos meses después viajar hasta Venezuela, donde da tres conciertos en la capital.

Las ganas del grupo se manifiestan en la grabación de un nuevo disco "Country & Western" (Sony, 2010) que graban en los estudios de The Foam Box en Huston (Texas) donde vuelven a trabajar con Joe Hardy como productor. Disco que rebosa energía por todos lados, indaga de nuevo en diferentes aires de la música norteamericana, para seguir, eso sí, con sus constantes vitales en letras y referencias a su Galicia del alma, perfectamente intactas.

Seis años después, y tras publicar varios singles digitales, publican un nuevo trabajo en vinilo 10": "El Mundo da Vueltas" (Trilobite, 2016). El brillante diseño, en gatefold, es obra de Depende Durante. Se trata de una impactante “intervención” (en parte collage, en parte manipulación) sobre el “Inferno” de Giovanni da Módena (siglo XV), por la que se pasean Luis Tosar, John Malkovich, Felipe González, Aznar, Rouco Varela o Mick Jagger.

Actualmente Siniestro Total son una leyenda viva de la escena nacional, respetados por compañeros, prensa y público, continúan con la misma ilusión de siempre demostrando que se puede mantener la actividad durante más de tres décadas siendo fieles a sus principios.


(*) Recuerda por la CULERADA zapatos de Claqué.





Ostras como se dice en Mallorca!!!
Entonces en el 92, ya había canal pus, con tele FIVE ( bailemos el hincó) y Antena Free Facha.
Como avanzó Iberia 😎
Después VINO 🍷otra crisis IMPUESTA del CARAJO.
España moderna Sevilla92 y salta la tapia BARCELOOOOONA!🤔


Ahora la letra puede que te llevará a la cárcel🏴☠️✊


Te mataré con mis zapatos de claqué
Te asfixiaré con mi malla de ballet
Te ahorcaré con mi smoking
Y morirás mientras se ríe el disc-jockey

Y bailaré sobre tu tumba

Te degollaré con un disco afilado
De los Rolling Stones, o de los Shadows
Te tragarás la colección de cassettes
De las Shan-Gri-Las o de las Ronettes

Y bailaré sobre tu tumba

Te clavaré mi guitarra
Te aplastaré con mi piano
Te degollaré con mis platillos
Te trepanaré con mi órgano Hammond

Y bailaré sobre tu tumba...
🎷💊💉🧯📆🚬⚰️💣⚰️🎺🎛️🎚️🎧🎤


Una de Aerolíneas 🍊🍌🍍🍉🍒🍓





Bendigamos MIA TERRA GALEGA🏴☠️💣🚬








Sin acritud y resentimiento nos vamos a VALENCIAAAAAAAAAA 🥘🥘🥘🥘🥘🥘🥘


La semilla de la denominada “Ruta Destroy” se sembró a caballo entre finales de los 70 y primeros 80, dentro de lo que fue la particular “Movida Valenciana”, movimiento que a pesar de tener mucha menos repercusión mediática que la conocida Movida Madrileña y de haber sido injustamente marginada, muchos afirman que tuvo tanta o mayor importancia real que esta, no solo por la infinidad de grupos autóctonos que aparecieron y la vitalidad cultural que aportaron a la ciudad de Valencia, mientras que la verdadera movida madrileña fue en realidad, en palabras de muchos que la vivieron, disfrutada por unos pocos privilegiados, sino porque esta otra movida, la valenciana, actuó como potente catalizador para que una ingente cantidad de grupos extranjeros, principalmente e inicialmente británicos, fueran dados a conocer en toda España, a través de Valencia, donde dieron su primer paso en la península, para después dar el salto al resto del país. Además, la de Valencia acabó derivando en el culto a esos centros de ocio llamados discotecas,
creando por primera vez en España un movimiento de música de baile con sonidos que hasta entonces no eran entendidos como tal, sonidos de importación que asiduamente traían los disc-jockeys valencianos y otros personajes importantes directamente desde Londres, Manchester, y otras ciudades europeas. Lo que derivó en la posteriormente llamada Ruta Destroy. El término movida valenciana, de hecho, se ha extendido hasta incluir a la movida discotequera de la Ruta Destroy.

A finales de los 70, en plena transición, la ciudad de Valencia, que por aquel entonces apenas llamaba la atención en cualquier aspecto cultural, político o social, quiso reclamar su parte de protagonismo. Durante la era Post-Punk y New Romantic (la llamada era new wave), la ciudad empezó a florecer, no sólo musicalmente sino también culturalmente. Empezaron a aparecer grupos musicales autóctonos con una marcada tendencia vanguardista, y de una manera menos mediática que en Madrid. Se dice que mientras en Madrid, los iniciadores del movimiento fueron Kaka de Luxe y Burning, en Valencia lo fueron, en 1979, La Banda de Gaal y seguidamente La Morgue. Grupos como Seguridad Social, Video, Glamour, Comité Cisne, Betty Troupe, In Fraganti, La Morgue o Interterror lideraban una legión de artistas valencianos que apostaban por los nuevos sonidos llegados directamente del Reino Unido o Alemania, y empezaban a poner de moda la imagen del post-modernismo de principios de los 80, con looks elegantes, sofisticados y estridentes, heredados y evolucionados de la era punk. En esa época, un local sobresalió entre todos por su amalgama cultural, Pyjamarama, pero hubo otros, como Bowie, Gasolinera, Tropical (que años más tarde se conocería como ACTV), Video, Estandarte o Planta Baja. Asimismo, debido a esta apertura en Valencia a sonidos no tan convencionales, muchos grupos extranjeros empezaban su andadura por tierras españolas pisando primero Valencia, como el caso de Soft Cell. La gente empezó a interesarse cada vez más por estos sonidos de synth-pop/rock/pop/gótico, etc, en su mayoría procedentes de las islas británicas, en una época con demasiada influencia de la canción ligera y de cantautor. En aquel momento, sin embargo, aún no había ninguna discoteca que realmente pinchase esa clase de sonidos. Dichos sonidos no iban ligados a la música de baile, que aún estaba basada casi exclusivamente en música negra (funk, los inicios del house, etc) y sonidos disco europeos como el italo-disco, y por ello, aún no se entendían como tal, por lo cual aún estaban relegados a las salas de conciertos y los bares de copas. Seguían existiendo exclusivamente las boîtes y salas de fiesta setenteras, tapizadas y llenas de espejos.

Fue a raíz de abrirse una sala llamada Oggi, auspiciada por el principal precursor y gurú de la movida discotequera, Juan Santamaría, cuando esos sonidos, y toda clase de rarezas electrónicas y guitarreras, eran pinchados para un público aún muy selecto y con grandes inquietudes musicales y culturales. La sala no tardó en decaer por oscuros derroteros (gente adicta a la heroína y otros problemas). Más adelante, la misma gente responsable del Oggi se trasladó a la sala Metrópolis, en un intento de agrupar a todas las tribus urbanas de Valencia (rockers, mods seguidores del garage rock o del ska y otros sonidos con marcada influencia sesentera, nuevos románticos, punks, góticos, etc), tribus que por aquel entonces y durante todos los 80 fueron muy prolíficas. Esto no estuvo exento de problemas, ya que muchas de estas tribus urbanas rivalizabasn entre sí, como los rockers y mods. Hasta que la fiesta se trasladó a una sala llamada Barraca, en Les Palmeres (Sueca).

Valencia 1982

Barraca empieza la fiebre:


Todo se puede decir que empezó allá por 1982 , Barraca una legendaria discoteca cambio su forma de entender la música y cambio su ambiente por uno mas radical y liberal ,los sonidos electrónicos principalmente alemanes hacían presencia en Barraca, esta discoteca que fue inaugurada allá por 1976 dio el paso definitivo para empezar toda esta locura cuando decidió cambiar el panorama musical de su local de ocio . Front 242 ,Kraftwerck ,Ultravox , Anne Clarke ,Invisible Limits , Farm ,Vicius Pink , A split second etre otros empezaban a sonar por las noches de Barraca Destroy , la fiebre estaba cerca de llegar las sesiones se hacían cada vez mas largas y se hacia normal ver amanecer en su terraza , aun así Barraca aun no era del todo conocida hasta que Abrió Chocolate en Septiembre de 1982 ,fue el impulso definitivo para comenzar la ruta ,la gente se empezó a congregar por aquélla zona entre el Perelló y Sueca , en 1983 se hacían populares los viajes de una discoteca a otra ,Chocolate impulso sus sonidos hacia un corte mas radical y vibrante ,Barraca se encomendaba mas a sonidos mas Synt Pop y electrónico melódicos , Los denominados chocolateros disfrutaban como enanos con la maquinaria alemana (industrial) que Chocolate tanto apreciaba pinchar es sus locas sesiones hasta el amanecer , todo esto impulsado por una droga que iba a ser determinante para forjar la leyenda .LA MESCALINA ,una mezcla de excitantes con estimulantes varios tales como anfetamina, centramina y lisedrinas ,estas drogas mezcladas con alcohol revitalizaban las ganas de bailar y las ansias (virtuales) de vivir .



1984-Nace Spook Factory

Todo era buen royo por Barraca y Chocolate ,sus interminables sesiones se hicieron famosas en 1984 ,cuando abrió para muchos la mejor discoteca de todos los tiempos en la península ,Spook Factory la mas psicodélica y excéntrica discoteca de la costa levantina una leyenda viva ,rompió moldes con sus sesiones matutinas abriendo viernes y sábados ,atrayendo así a gente necesitada de experiencias radicales de evasión , la ruta empezaba a tomar forma ,Valencia se esgrimía como la capital mundial de la fiesta Techno , los grupos alemanes electrónicos eran los lideres en las sesiones de las discotecas ,la música Industrial llegaba su máximo esplendor con los Front 242 este grupo nacido en 1982 hizo las delicias de los jóvenes de la época con sus sonidos radicales y sus vibrantes percusiones electrónicas .

¿por qué Valencia? Porque Valencia fue la ciudad elegida para la evasión y la expansión de libertades y no por ejemplo Madrid o Barcelona , hay muchas respuestas ,muchas lógicas e ilógicas pero la que mas se sustenta es la idea de que tras la represión por la muerte del caudillo Madrid estaba muy en el punto de mira y Barcelona se cernía como una ciudad nacional socialista .

Valencia estaba liberada de toda presión social y era idónea para crear un ambiente evasivo de euforia compartida , esta libertad se empezaba anotar en la misma ciudad donde locales nocturnos cerraban sus puertas entre las 5 y 6 de la madrugada ,con esta premisa era fácilmente adivinable lo que se venia encima.
Destroy y ruta 💊🎧🎚️🎛️🎤👌


Para mí de los más recordados y queridos!
Funk-Punk para recordar el 12 a 1 a MALTA 👌
🥅⚽⚽⚽⚽⚽⚽⚽⚽⚽⚽⚽⚽en muy buena compañía...✊



El estribillo hoy sería de denuncia directa.
:facepalm:





La única evidencia si queda💰💵el poderte pagar el apartamento del futuro (hasta que el planeta se vaya al carajo)☠️





Y ya de paso traje para el entierro color plateado, muy Bowie y muy GLAM🦺🎩





A rebobinar las cintas de video BETA 🤭
SONY SUPER!!!





Entrevistarlos y verlos a en directo un placer; como la tropa que viene, y a otras muchas más decenas de ellos 😎gran suerte y buenos recuerdos...





Tengo hambre🐸🐸🐸🐸🐸🐸🐸





Auténtico Glamour:


Los mejores en directo...
No vendieron tanto como Video ni aparecieron tanto en las revistas de colorines como Betty Troupe; sin embargo Glamour fueron los primeros y seguramente el mejor de los grupos que conformaron lo que se bautizó de forma oportunista como Movida Valenciana. Glamour nace de la fusión de dos grupos: La Banda de Gaal, en la que estaban Luis Badenes (cantante), José Luis Macías (teclados) y Remy Carreres (bajo), y Doble Zero en la que militaban José Payá (batería) y Adolfo Barrera (guitarra). Esa unión tuvo lugar a finales de 1980 y el debut ocurrió en el Planta Baja, en el barrio del Carmen. Enseguida otros locales emblemáticos como El Teléfono, regentado por Manolo Alcalá y Paco Adelantado, comienzan a promocionar el tecno valenciano. En 1981, esta misma pareja de jóvenes empresarios abrirán el Pyjamarama, en la zona de Pelayo, que se convertiría enseguida en la referencia musical de la ciudad del Turia.

Una persona fundamental para Glamour fue su productor, Esteban Leivas, que les ayuda a encontrar una imagen conceptual y visualmente homologable a los nuevos románticos como Ultravox o Duran Duran. No obstante, su música sólo cabe calificarla de tecno-pop con abundante uso de sintetizadores monofónicos, cajas de ritmo, rototoms, secuenciadores y toda la parafernalia electrónica del momento. Tampoco les eran ajenas influencias de Roxy Music o Bowie, auténticos maestros e ídolos de toda la generación musical que eclosionó en España a principios de los 80. La habilidad de Esteban Levias y una maqueta que fue repartida por todos los pubs valencianos que la pincharon hasta la saciedad en el verano de 1981 consiguieron que dos potentes discográficas, CBS y Polydor, se interesaran en ellos, decantándose finalmente por esta última.



En noviembre de 1981 saldría a la venta el LP “Imágenes” (Polydor, 1981), que pondría al grupo en circulación por toda España al año siguiente. La canción que da título al citado disco conoció también ediciones en formato single y maxisingle.

Entre gala y gala, en el verano de 1982, van a grabar su segundo LP, que aún tardaría tiempo en ver la luz. “Guarda tus Lágrimas” (Polydor, 1983), un disco sensiblemente parecido al anterior y que ya no alcanzó las ventas y repercusión que tuvo su primera obra. Por el contrario, el grupo vivía en aquel año 83 su mejor momento con directos cargados de magia y con la maquinaria musical perfectamente engrasada. En esos directos incorporaban siempre el saxo de Ramón Gilabert, aunque éste nunca apareció formalmente como miembro del grupo.

En 1983 ofrecen en las fiestas madrileñas de San Isidro una actuación mano a mano con Soft Cell y en el Pabellón del Joventut, en Badalona, ofrecerán uno de sus más importantes conciertos junto a Stray Cats y otros grupos. Fueron los últimos brillos de unas estrellas a las que se les había corrido el maquillaje y que acusaban la poca capacidad de evolución que el tecno nacional tuvo en aquellos años. Justo en ese momento dulce, Glamour decide dejarlo, cerrando su carrera en enero de 1984, cuando otros grupos de La Movida Valenciana, hasta cierto punto imitadores suyos, triunfaban por toda España.



Adolfo Barrera formaría el grupo after punk Ceremonia, que dejarían un solo maxisingle. José Luis Macías y Remy Carreres montarían otro de los grandes grupos valencianos: Comité Cisne, donde apadrinarían a un jovencito: Carlos Goñi, que se convertiría andando el tiempo en uno de los más influyentes músicos del país. Finalmente, el cantante Luis Badenes grabaría algunos discos como solista en sellos independientes.





Imágenes muchas📼📺📹🎹





Una de salas de conciertos, antes de Asturias, Aragón, País Vasco y Cataluña; más comics, recuerdos y otros retoques🏴☠️💣🚬⚽✊🎚️


Como aquellos tiempos de grupos, estilos y sonidos, patrios y ajenos... del 80 al 95... nunca volverán.
Aún con nuevas salas...remenbers... grupos post- independientes...aquel tiempo de rotura y rebeldía, vivir intensamente lo posible entre el bien y el mal...no te encontraré...
Todo maqueado y bien controlado🏴☠️💣🚬por el momento eso creen🐾⏳


Aragón YE NAZION!🏔️🍊


Después de la ensaimada de Palma a la breva del 86 al 95 de Zaragoza.
Uno detrás de otro.
🍒🍒🍒🍒🍒🍒🍒
🍻🍺


Sanguíneo Rossi Plaza Atarazanas🤭





Una época sonada:
Un restaurante, una ortopedia o hasta un gimnasio 24 horas de “próxima apertura” ocupan hoy los locales que durante años albergaron algunas de los mejores salas de conciertos de la capital aragonesa durante las décadas de los 80 y 90.

Una de las más añoradas es la sala Devizio de Zaragoza, en la zona del Rollo (Doctor Lozano), recién convertida en iglesia evangélica, sede de la Asamblea Apostólica de la Fe en Cristo Jesús. Ahora lo que allí se cantan son misas. En el recuerdo quedan las estrofas de Kase O y los ecos de las canciones de Mano Negra.

Unos años antes, a mediados de los 80, surgieron en Zaragoza dos salas de conciertos de vital importancia para la escena musical de la ciudad. Las dos abrieron en 1986: la M-TRO, el 16 de mayo, en la calle de Casa Jiménez, 8 -en la actualidad es un restaurante italiano-; y la En Bruto, el 4 de septiembre, en Comandante Santa Pau (actual calle de Héroes del Silencio, 1), todavía en activo con el nombre de Snatch Club.

La M-TRO nació como una cooperativa con aspiraciones más allá de ser un mero espacio para conciertos. Tenía dos pisos: en la planta calle disponía de tiendas, entre ellas una peluquería; y en la inferior, la sala de conciertos, con una capacidad para 300 personas.


M-TRO, una sala muy movida.
“El grupo que tuvo el honor de inaugurarla aquel día fue Pécora Jarris -interludio de Distrito 14– con Mariano Chueca a la cabeza. Ese día, la sala estaba de bote en bote, hasta tal punto que hubo que esperar en la puerta parcialmente a que fuese saliendo personal para poder entrar”.

Por su escenario pasaron, entre muchos otros grupos: Héroes del Silencio, Mestizos, Más Birras, IV Reich, Furtivos, La Frontera, Los Nikis, The Meteors, Tijuana in Blue, Desperados, Dogo y los Mercenarios, Coyotes, Ana Curra, Potato, Tahures Zurdos, Los Negativos, Freddy Fingers Lee, Wilko Johnson “o los franceses Hot Pants, el grupo de un entonces jovenzano Manu Chao“, recuerda el programador musical Chema Fernández.

La M-TRO también albergó exposiciones, proyecciones y representaciones teatrales, pero por desgracia su historia se truncó en junio de 1989 cuando comenzaron los problemas con los permisos para organizar conciertos en directo en el local. Ya en los 90, solo quedó la planta de arriba, que durante un tiempo funcionó como cafetería hasta que finalmente cerró sus puertas.


En Bruto, un escenario bestial
La En Bruto, propiedad de Nacho Royo, continuó como referente tras el cierre de la M-TRO. Se había inaugurado con un concierto de Los Desechables y desde entonces, y hasta 1997, por su escenario pasaron numerosos grupos de la escena nacional e internacional: Sonic Youth, Johnny Thunders, Héroes del Silencio, Más Birras, Pedro Botero, Ferrobós, Los Enemigos, Gatos Locos, The Godfathers, EMF, Flesh for Lulu, New Model Army, Radio Futura, Niños del Brasil, The Fuzztones, The Sinners, The Fleshtones, BB sin Sed, La Granja, Mestizos, Proscritos, Lágrimas de Mermelada, John Landis Fans, La Dama se esconde o Días de vino y rosas, entre tantos otros.

En ambas salas se celebraron seis ediciones del concurso Medio Kilo de Rock (1988-1993) -que originalmente premiaba con 500.000 pesetas a los ganadores-. Por el escenario de la M-TRO, en 1988 y 1989, pasaron algunos de los mejores grupos del panorama musical aragonés del momento y, a partir de 1990, siguió celebrándose en la En Bruto. La séptima y última edición de este concurso tocó a su fin en el Centro Cívico Delicias, entre 1994 y 1995.

En este certamen fueron premiados bandas como Los Especialistas, Reo, Los del Trasmuro, Tako, Luxury Beat, Los Malvados, La Residencia, Pasajeros del Viento, Club Eléctrico, Visitantes, El Regalo de Silvia, Duques, INK, United Colors of Funk, The Canfraners, Iguana, La Ley, Flores Venenosas, Facsímil y S. C. R.


Green Day, en el Rollo:
Muy cerca del Devizio, en el bar Piramys ANGELITO (Perpetuo Socorro, 11), actuaba el 1 de mayo de 1993 una banda californiana que por aquel entonces acababa de firmar con Geffen Records y de cuyos componentes se decía que eran “Los Beatles del punk”: Green Day. Tocaron en Zaragoza, con los teloneros locales Trip Inside; y otras dos veces, en la En Bruto y en la discoteca Heaven, dentro de los conciertos de su gira española gracias a Producciones Zambombo, antes de convertirse en un grupo de masas.
Hubo otras salas en los 80 que fueron antecesoras de la gran eclosión en la década siguiente: BV-80, El Plató (acabó siendo la discoteca KWM y, en la actualidad, una ortopedia) y bares míticos como el Caligrama, El Escaparate, BERLÍN- PUNK Paradys, Potoka☠️💣🏴☠️Interferencias, Sacher, Cairo… Algunos continuaron con distintos nombres, otros desaparecieron, aunque perduran en el recuerdo de muchos parroquianos que pasaron allí buena parte de sus años de juventud.

En los 90, salas y locales como la Morrissey –en cuyo local se anuncia la próxima apertura de un gimnasio 24 horas-, King Kong, Angelito Piramys, La Casa del Loco, La Piedra de Blarney, Arrebato, Utopía,✊💣🏴☠️ La Casa de la Paz🏴☠️💣, El Refugio del Crápula, La Campana de los Perdidos, Café del Prior, El MURO, Oasis, Morrison Hotel, La gruta, Punto y Aparte o La Lata de Bombillas, peinando el fin de la década, marcaron el ritmo. Aunque desafortunadamente, muchos de ellos desaparecieron.


Vida para el recuerdo...
Donde antes estuvo el letrero del Café del Prior -abierto hace 25 años-, se colocó después el de The Cavern Club. Pero desde hace tres años luce otro más expresivo: Vivalavida, nombre del proyecto con el que Óscar Vicente, más conocido como Antílope, ha logrado resucitar este espacio.

El local ha albergado diversas actividades culturales durante un cuarto de siglo: presentaciones literarias, actuaciones y conciertos de música. Por ese motivo, Vivalavida acaba de lanzar un llamamiento a través de las redes sociales en el que solicitan fotos, vídeos, recortes, entradas, historias y anécdotas relacionadas con esta establecimiento a lo largo de todos estos años con el fin de recopilarlos y editarlos en un libro. Además, anuncian la preparación de un ciclo de conciertos, un concurso musical y una fiesta para celebrar este aniversario.








Tardes de pantalones anchos y noches de al compás de las horas 🍺🍻🎙️🎚️🎧📻






Discos de los Jam, noches de ciudad, existencia depresiva...



😎🚬🖐️


Siempre supe que nuestro amor no fue más que un gran error
Intentare olvidar algo que no debió pasar

Que que que me vas a decir
Que que que que no sepa de ti
Que que que me vas a contar
Que que que no hayas dicho ya

Que que que me vas a decir
Que que que que no sepa de ti
Que que que me vas a contar
Que que que no hayas dicho ya

En el oeste me esconderé
En el oeste te olvidare
El morado me protegerá
Espero que no me encontraras
El piel roja me enseñara
La mentira y la verdad
La razón para existir
Y como no pensar en ti

Que que que me vas a decir
Que que que que no sepa de ti
Que que que me vas a contar
Que que que no hayas dicho ya (repetir x 2)

Los bisontes los venados
Descubrirán lo que te odiado
Las estrellas me liberaran
Las serpientes los apaches
Sabrán hacer lo que tu no haces
Donde no pise el hombre blanco
Jamás se convertirá en pasado
Que que que me vas a decir
Que que que que no sepa de ti
Que que que me vas a contar
Que que que no hayas dicho ya(repetir x 4)

Segunda pregunta como se llama el cantante de los Niños del Brasil?


Del amor al odio♥️💘💀🦴
Bunburrico SONG🎹🎚️



Por hoy cerramos la casa de la imperfección, mañana aún queda algo OSCENCE pasa puess...🎤
Asturias, País Vasco, Comics, Retoques, CELESTE sala, Nazario, Azagra, Tijuana in blue, víbora y...
⚽⏳🏔️





Solo falta el colgado de Bauhaus📸📀🖲️🎸



7 de Marzo.
Revolución, cuentas pendientes, castigo y limpieza.
✊💸
Tercera pregunta que unen a estos dos grupos memorables en sus dos canciones.
Vamos CHACALES!!!



🤭🎧


#89

Mensaje 19 Feb 2021 14:43

offlineramones77
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ramones77
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On The Road Again🎚️🎧🍺🍻🏴☠️🎙️

La Movida Aragonesa renacio en Binéfar durante 17 días con una muestra, charlas y conciertos
Se pudo admirar admirarse joyas procedentes de grandes colecciones.
Transcurridas cuatro décadas de su nacimiento y eclosión, La Movida sigue instalada en el imaginario colectivo. Un movimiento contracultural que cristalizó en los albores de la Transición y cuyos ecos todavía retumban. Binéfar invoco el espíritu de esos años legendarios con una amplia agenda que incluyen una exposición, coloquios, conciertos, un mercadillo e incluso actividades escolares.

"Hace tres años el Ayuntamiento creó un evento llamado Somos Música que cada año se dedica a un tipo de música. El primer año se dedicó al soul; el segundo, al hard rock, y este año, a la Movida. Consiste en involucrar a toda la población a través de los comercios, la hostelería y también los centros docentes", asevera Javier Tarazona, el organizador.


Sin duda, el reclamo que cohesiona la iniciativa es la muestra que acoge la sala de exposiciones del consistorio. En las vitrinas y en las paredes pueden admirarse auténticos tesoros que Tarazona ha recolectado de grandes coleccionistas. "Quizás el artículo más importante sea la entrada y el ‘flyer’ del mítico Concierto de Primavera que se celebró el 23 de mayo de 1981 en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, momento cumbre de la Movida en el que actuaron Farenheit 451, Alaska y los Pegamoides, Los Secretos, Nacha Pop... Y hay una pieza muy especial para mí, el cartel del concierto Frecuencias que tuvo lugar en Zaragoza el 14 de mayo de 1983. Eduardo Benavente, líder de Parálisis Permanente, falleció en un accidente de tráfico de camino a este concierto, y eso hace muy especial este cartel que nos ha cedido Linacero", relata. Junto a estas rarezas también brillan un sinfín de discos y otros artefactos de las bandas que protagonizaron el fenómeno.

La aportación deAragón a la Movida fue generosa y queda perfectamente documentada en la exhibición. "Están las maquetas y el programa original de la Primera Muestra de Pop Rock y Otros Rollos de Zaragoza, y también del Medio Kilo de Rock. Hay material de los locales de conciertos de Zaragoza como la sala Metro, de la que se expone la invitación a su inauguración. Y hay discos de todos los grupos aragoneses de los 80: Más Birras, Distrito 14, Ferrobós, Héroes del Silencio o el buscado elepé ‘Sangre española’ del programa que presentaba Cachi en Radio Zaragoza", prosigue Tarazona. Como la exposición se halla en Binéfar, se ha hecho un esfuerzo para reunir los discos de los grupos de la provincia de Huesca: Proscritos, Mestizos, Escoria Oriental, Víctimas, Inusitados, Eje Berlín, Alta Sociedad…
A la proyección de películas icónicas como ‘Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón’ y de documentales, se une el próximo jueves 10 de mayo una charla en la que participarán actores destacados de la Movida aragonesa:Juanjo Javierre (Mestizos), Felipe Puy (Proscritos), y el saxofonista Justo Bagüeste. Un menú rematado por los conciertos de versiones a cargo de Rey del Glam, Los Conejos Verdes y Esquimales en el Sáhara.

El programa de la I Muestra de Pop Rock y Otros Rollos de Zaragoza.
Los días 23, 24 y 25 de marzo de 1984, medio centenar de grupos aragoneses protagonizaron en el Pabellón Francés de la Feria de Muestras tres días históricos. Participaron, entre otros, Golden Zippers, Pedro Botero, Ferrobós y Doctor Simón, Los Enfermos Mentales, Proceso entrópico, Zumo de Vidrio... Fue el punto de partida y el acicate para que emergieran muchas vocaciones musicales.

Cartel histórico.

El 14 de mayo de 1983 estaba programado en la plaza de toros de Zaragoza un festival con la aristocracia de la Movida: Alaska y Dinarama, Derribos Arias, Aviador Dro, Nacha Pop, Polansky y el Ardor y Parálisis Permanente. Eduardo Benavente, el cantante de este último grupo, falleció en un accidente camino de Zaragoza.



Versión Grecas Too Much🚬😎


Aunque sea todo lo contrario, más PA allá que PA AQUÍ.
Sentirse tan bien es tan fácil...
Sentirse bien 📸
Sonríe al pajarito 🤭

Juan José Javierrre y los Mestizos de Huesca con una portada que hizo historia...
LLuis YES, YES, YES🎸✊

Dos canciones de Escoria Oriental para cerrar el círculo Oscense...
Locos, pasados, divertidos, alcohol, letras y otras historias para no dormir 🎚️☠️





Memorable muñeca muerta 📻👶


Aquello de Aragón también tiene Sed ☝️🏔️
Con Simón antes y ahora Abellán...
Manda EGGS Virgilio, en bólido de carreras🍺🍻🏎️



Una de Tino Casal y los COSTUS, y otros artistas maravillosos de aquellos tiempos...
📀de oro 🌟


Tino Casal
(Oviedo, 1946 - Aravaca, Madrid, 1991) Compositor y cantante español de música pop. Figura controvertida, Tino Casal no cesó nunca de ir más allá de lo convencional. Luchó por una estética barroca, sobrecargada, en la que creyó desde el principio, y jugó con una imagen ambigua a medio camino entre el glam de David Bowie y las drag queens. Pero, sobre todas esas características, prevaleció su enorme ingenio.


Tino Casal

Antes de ser famoso formó parte de Los Archiduques, uno de los grupos asturianos más importantes de la década de los sesenta y setenta. Actuaba con una especie de orquesta-conjunto con la que recorrió todo el Principado amenizando veladas juveniles. Con este grupo grabó varios discos; destacan temas como Lamento de gaitas o Si mi padre fuera rey. Con la experiencia y las tablas adquiridas se dedicó a producir a una de sus bandas preferidas, Obús, pionera del heavy español, respetando siempre las ideas del grupo, y apoyó los inicios del cineasta Pedro Almodóvar.

Tras varios intentos de debutar en solitario como cantante melódico, en 1981, de la mano del productor Julián Ruiz, Tino Casal lanzó uno de los discos más originales del pop español, Neocasal. El single Champú de huevo tuvo por su lado una extraordinaria acogida: fue número uno de ventas en España y su éxito permitió a Casal desarrollar sus ideas innovadoras. Casal y Ruiz intentaban introducir en España la corriente entonces dominante de los Nuevos Románticos, aderezados con cierta estética glam en la música y toques punkies en los diseños de ropa e imagen y de portada de los discos.



Tino Casal potenció el culto a la estética cuidando cada detalle con mimo y con un perfeccionismo a veces hilarante. El resultado más sobresaliente fue el single Embrujada, apoyado promocionalmente en un vídeo espectacular y en un diseño impactante. El tema se incluyó en su segundo elepé, Etiqueta negra (1983). Su éxito se prolongó con Hielo rojo (1984), pero en pleno triunfo sufrió un accidente que se complicó con una enfermedad y lo obligó a retirarse durante tres años.

Ya recuperado, y de nuevo con el apoyo en la producción de Julián Ruiz, en 1988 editó Lágrimas de cocodrilo, disco que incluía una excelente versión del clásico Eloise de Barry Ryan y con el que volvió a los primeros puestos de las listas de ventas. En 1990 publicó el que iba a ser su último disco, Histeria.

Un domingo de otoño, en septiembre de 1991, Tino Casal sufrió un accidente automovilístico en Aravaca en el que perdió la vida. Por pura coincidencia, al día siguiente se publicó, siguiendo el calendario previsto, su colección de Grandes éxitos, disco que repasaba sus mejores canciones. Su figura fue llorada; dejaba un hueco esteticista que no sería ocupado por nadie durante las décadas siguientes. Muchos músicos e intépretes, entre ellos Alaska y Marta Sánchez, le han rendido homenaje desde entonces, versionando sus canciones o dando a conocer temas inéditos suyos.0



Original con letra traducida.
Cover divino e increíble,Tino voz, imágen, sentimiento 👽🌈🌃





Perseverance aterriza con éxito: la búsqueda de vida en Marte puede comenzar
El quinto rover de la NASA en el planeta rojo superó los temidos 'siete minutos de terror'.

🤭👽👩‍🚀👾🚬🛸🚀





Un genio asturiano de corta vida que respondía al nombre de Tino Casal creó en 1983 una de las numerosas joyas musicales que nos dejó tras su caminar por esta vida. Rodeado de los bajos Chapman Stick y Manolo Aguilar, el guitarrista Carlos G. Vaso, los teclistas Javier Losada y A. Quintano, y el batería Javier de Juan, consiguió el mayor aldabonazo de su carrera de la mano del productor Julián Ruiz y el ingeniero de sonido Luis Fernández Soria. Hablamos, como ya han descubierto los seguidores del genial cantante y compositor, de ‘Embrujada’.

Fue la multinacional EMI la que lanzó al mercado esta genialidad de cuatro minutos y veintitrés segundos. Nada más llegar a las tiendas se catapultó hasta lo más alto de las listas de ventas en la primavera de 1983, sobre todo en la de los 40 principales, el hit parade más prestigioso español por aquellas fechas. Su logro quedó registrado el 9 de abril de aquel año. Por supuesto, consiguió también el disco de oro, que entonces premiaba la venta de cincuenta mil copias de vinilo.

La fórmula que triunfó se basó más en el talento que en los medios, todavía escasos en un pop español que comenzaba a modernizarse y digitalizarse. El teclista y arreglista Losada tuvo mucho que ver, gracias al extraordinario sonido que supo extraer a su modesto Korg y sin un solo secuenciador. Toda la grabación tuvo que realizarse de modo manual, por medio de cuatro pistas sincronizadas, tras un trabajo de dos semanas.

‘Embrujada’ materializó el espíritu de innovación que siempre caracterizó a Tino Casal, quien, por cierto, nada tenía que ver con la también asturiana Luz Casal. Bebió del trepidante ritmo dance basado en los vientos que nos llegaban de Gran Bretaña en los ochenta.

El VIDEOCLIP promocional, tan doméstico como innovador, ayudó a la promoción, aunque fue el boca a oreja y la radio quienes realmente hicieron que ‘Embrujada’ fuera una de las canciones que más sonaron en fiestas y locales en aquel verano. Jugaba con un estilo que bebía de los manuales del cine de horror de serie B -o C, o D, o…..- barato con hadas, brujas y demás. El Madrid underground y efervescente de aquella época fue elegido como escenario.

La obra, oscura en cualquier caso, fue una de las primeras que se hizo a nivel nacional. Surgió gracias al talento del desaparecido realizador audiovisual José Luis Lozano, pionero en este país. Pese a sus escasos veintipocos años , con ‘Embrujada’ dio toda una lección del manejo de los planos, la velocidad de rodaje y formatos impensables hasta el momento.

«El montaje apoya a la canción de forma maravillosa, tanto en su esencia conceptual, como en su estructura métrica, a la vez que plasma plásticamente el espíritu del Madrid lisérgico de los primeros 80», sostuvo en su día el experto en imagen Luis Cerveró.

Su grabación fue de un cortometraje de ocho minutos que describe su proceso creativo. «Encierra un drama: su propia vaciedad», se aseguraba en el programa de mano que se repartió entre los presentes en el estreno de la obra, que se proyectaba en los cines minutos antes del comienzo de las películas.

Por cierto, la joven que encarnaba el papel principal era Paola Bosé, hermana de Miguel Bosé. Tino Casal sólo aparece en la escena final.



La LETRA, también bastante lograda, retrataba los últimos días de una gran modelo en su ocaso, consumida por el alcohol y el desamor. Pretendía transmitir en todo momento una imagen de la decadencia de esas mujeres fatales que arrasan por donde pisan hasta que caen en la trampa del amor y son víctimas de sus propias armas, ahora manejadas por otras manos.

Hay quien sostiene que realmente es un tema autobiográfico. Los defensores de esta teoría leen entre estrofas una referencia al aspecto felino que adoptó Casal en ese período –qué de seguidores generó Kabir Bedi en su visita a España para promocionar la serie televisiva ‘Sandokán’–- y en algunos aspectos icónicos del vídeo que –como dicen quienes tuvieron oportunidad de visitarlo– recuerdan al domicilio del cantante. Además, las alusiones a las fans con la misión de ‘capturar al viejo tigre bengalí’ parecen evidenciar otra de sus canciones.

Hace tiempo que vive en un cuento,
del cual no quiere salir,
encantada duerme con la almohada,
y se olvidó de reír

Dicen que es la bruja,
con tacón de aguja,
aliada de Lucifer,
cuentan que era estrella,
pero la botella,
acabó con ella hasta hacerla enloquecer

Stop mi hada
estrella invitada
víctima del desamor,
sube al coche,
reina de la noche,
olvida tu mal humor

Embrujada vive encadenada,
a un viejo televisor,
ideas a manta,
cuentan que fue musa,
de algún mediocre pintor.

Todo era derroche,
reina de la noche
¿quién te ha visto y quién te ve?
cuentan que eras sexy
rutilante estrella
pero la botella acabó con tu poder

Ésta es mi bruja,
con tacón de aguja,
víctima del desamor,
date prisa envuélvete en la brisa,
olvida tu mal humor

Ésta es mi hada
estrella invitada
víctima del desamor.

Ésta es mi bruja,
con tacón de aguja,
víctima del desamor,
date prisa envuélvete en la brisa,
olvida tu mal humor,
stop

Ésta es mi hada,
juegos de venganza,
víctima del desamor,
sube al coche,
reina de la noche,
olvida tu mal humor

Ésta es mi hada,
estrella invitada,
víctima del desamor,
sube al coche,
reina de la noche
olvida tu mal humor🥂🍾


Otra versión a cual mejor 😎🚬





Y cuentos chinos...
🎚️📻🎙️
Costus...mañana el resto, domingo de SPAIN is very diferent 🤭





Los COSTUS:
Desde su encuentro en la Escuela de Artes y Oficios de Cádiz en 1974, Enrique Naya y Juan Carrero Galofré, iniciaron una relación de amor y creatividad artística que generó una obra vibrante y de cierta manera ayudó a transformar un momento particular de la cultura española.
Enrique Naya nacido en Cádiz el 12 de septiembre de 1953 y Juan Carrero, nacido en Palma el 4 de mayo de 1955, pero gaditano de adopción, a partir de ese primer encuentro, se convirtieron en una pareja sentimental y artística, que en 1981 asumiría el nombre de «Costus” en un homenaje al gremio de las costureras con el que se sentían identificados. Juan y Enrique tenían una asombrosa capacidad de trabajo y vivían pegados a sus lienzos, como las costureras pegadas a su máquina de coser. Cómo equipo, Los “Costus” se convirtieron en icono de lo que fue la Movida madrileña, el movimiento contracultural que vino a mover los cimientos de una Madrid que aún mostraba el letargo en que la había sumergido la larga dictadura franquista. Su Casa de la Calle de la Palma se convirtió en el epicentro del movimiento: De Pablo Pérez-Mínguez a Pedro Almodóvar (fue en “Casa Costus” donde se rodó Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980 primera película de Almodovar en la que recreó el ambiente que se vivía en la casa de Los Costus). De Tino Casal a Fabio McNamara, Alaska, Nacho Canut o Carlos Berlanga y tantos otros, tenían la casa de los Costus como su refugio. No es exagerado entonces decir que en “Casa Costus”, se creó el germen de lo que lo que más tarde se daría a conocer como La Movida.

Paradójicamente, esta asociación con La Movida, entendida como un fenómeno «de moda», actuó como un freno al reconocimiento de la obra de Costus y del lugar que merecía dentro de la pintura española, algo que el tiempo comienza a corregir y al día de hoy, Costus y su obra trascienden La Movida como dos artistas a los que, dentro y fuera de nuestras fronteras, se les reconoce su importancia dentro de la vanguardia artística española.
La ascendente estela de los Costus se ve truncada por la muerte prematura de estos jovencísimos artistas: Enrique Naya fallece El 4 de mayo de 1989, por causas derivadas del SIDA y un mes más tarde, Juan Carrero sumido en una profunda depresión, decide seguirle, suicidándose en la madrugada del 3 al 4 de junio de 1989. No obstante su temprana desaparición, dejaron el legado de una amplia obra que ha ganado en reconocimiento con los años. Sin duda, no parece exagerado decir que a 24 años de su desaparición física los Costus, están hoy más vivos que nunca.

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Ocaña que estás en los cielos 🌠✨



#90

Mensaje 20 Feb 2021 02:37

offlineramones77
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Barcelona madrugadas Underground.

Ocaña, el último caníbal
La gran conquista del emblema de la contracultura en la BCN de los 70 fue construirse desde principios estéticos una nueva vida; basta asomarse a sus piezas para arañar episodios de su biografía.

Llegó a Barcelona desde un pueblo de Sevilla con maneras de campo y una carpeta de dibujos pinzada bajo el sobaco. Había que estar en aquella ciudad, pensó, que empezaba a convertirse en los años finales de la dictadura de Franco en un hervidero de lo nuevo. En pocos años armó una biografía en la burbuja experimental de las Ramblas que sólo tomó sentido según el protagonista fue abriendo escándalos a su paso. Hasta quedarse a morir en uno de ellos.
Ocaña (Cantillana, 1947-1983) se hizo a sí mismo ese encargo: vivir aquello como si no hubiese en el mundo otra opción. Iba con el pelo volado, los ojos miopes y la quijada fuerte. Quería ser artista. Tenía veintitantos años. Le chiflaba la liturgia católica. Era anarquista. Y maricón. “Yo no conocía la palabra homosexual hasta que vine a Barcelona”, confiesa en Ocaña, retrato intermitente, la película-testimonio que le grabó Ventura Pons.
Primera aparición: un ángel
Atesoraba un talento inédito y, para darse a conocer, la tarde del 18 de diciembre de 1975 se puso un traje de ángel, plantó un lienzo frente al Liceo y se puso a pintar. Cultivó, desde entonces, una moral disipada en una lógica lúdica que todo lo convertía en fiesta. "¡Neeeenas, para nosotras todo el año es carnaval!", fue su grito de guerra. En aquellos años, Ocaña despeinó España a la cabeza de una patrulla de irreverentes surgidos de la acracia catalana y de la caverna del underground. Con ellos, sus amigos, formó una alegre corte por las Ramblas.

"Ocaña allí representaba la emancipación estética de las fuerzas productivas de Barcelona en la sombra”, señala Germán Labrador Méndez en el estudio Culpables por la literatura (Akal), de reciente publicación. Es cierto: él, disfrazado de folclórica, se ponía a cantar las coplas que los niños-bien de la gauche divine detestaban. Y lo hacía al completo, entonando y reclamando toda la atención sobre ellas. Ni las ridiculizaba ni hacía parodia. Eso sí, nada más acabar la canción se levantaba la falda. Si estaba vestido de mujer, enseñaba el pene. Si estaba desnudo, lo escondía entre las piernas.


Exhibicionista y preso.
Era fácil así verlo en el Café de la Ópera cantando Ojos verdes vestido a lo Juanita Reina. Otras, directamente, en bolas. Pero nada como el desparrame de las "Jornadas Libertarias celebradas en julio de 1977 en el Parc Güell"?. Hasta los anarquistas se plantearon prohibirle a él y a toda su tropa que volvieran a subir al escenario tras un delirio de estriptis y felaciones. También dio con sus huesos en la Modelo tras un choque con la Guardia Urbana. “Por las galerías de la cárcel oímos gritos desde otros pisos llamando a Ocaña y preguntando qué hacía allí”, recuerda Nazario en el primer tomo de sus memorias, La vida cotidiana del dibujante 'underground' (Anagrama).

Cualquiera de sus acciones públicas desplegaba un ventarrón de vanguardia. De algún modo, ponían del revés la vida. Hacían posible cosas de todo punto improbables. No iban dirigidas a un público ya existente, sino que lo creaba a través de una alteración de lo cotidiano, dinamitando las distancias entre participantes y espectadores. La mutua diversión era el único propósito. Ese calambre suyo todavía tiene un voltio que conmueve: Ocaña se construyó desde la estética, desde el arte, una vida radicalmente nueva. “Su obra es una suerte de huellas de vida”, explica Pedro G. Romero, comisario de la exposición que le dedicó La Virreina Centro de la Imagen en la primavera de 2010.


Amplio repertorio
Basta asomarse, por tanto, a algunas de sus piezas para arañar biografía. Los cuadros, por ejemplo, están llenos de autorretratos y de retratos de los amigos, de los familiares, de los conocidos, de los amantes, pero también de entierros, de viejas, de devociones marianas. "Muchos de sus cuadros no son otra cosa que rostros maquillados sobre lienzo”, ha visto con acierto Nazario. Como puede verse en la exposición Ocaña. La pintura travestida (Espacio Turina, Sevilla, hasta el 1 de octubre), pintó, y pintó mucho. En ese conjunto de acrílicos que ejecutó de forma frenética en los últimos meses de vida probablemente esté lo más destacado de su producción pictórica.

Otro tanto ocurría con sus exposiciones, donde daba más prioridad a la intervención en el espacio de exhibición que a los propios cuadros, con enormes piezas de papel maché que representaban devociones marianas, monaguillos, ángeles detenidos en el instante previo a la inocencia. En Un poco de Andalucía (Galería Mec-Mec, 1977) trasladó su casa; en La primavera, su gran éxito, sin duda, celebrada en 1982 en la capilla del Hospital de la Santa Cruz de Barcelona, recreaba las fiestas de la Asunción de su pueblo natal. El lienzo Sagrado Corazón de Jesús marica daba la bienvenida a los visitantes.

Viaje por Europa.
Gracias al éxito del documental de Ventura Pons, Ocaña viajó por Europa. En Cannes paseó con mantón y peineta por la Croisette y, en la rueda de prensa más divertida en la historia del certamen, le cantó en verso a la Macarena. En Berlín, Gérard Courant lo grabó vestido de folclórica cantándole a una Marilyn Monroe de cartón en la Puerta de Brandeburgo, con los soldados de la RDA apuntando a aquel tipo extravagante que asomaba sobre el Muro. El resultado fue el cortometraje Ocaña, el ángel que canta en el suplicio, uno de sus trabajos audiovisuales junto a Manderley de Jesús Garay y Silencis de Xavier Daniel.

"Ocaña, Nazario y Camilo pasean por las Ramblas, en el documental 'Ocaña, retrato intermitente' de Ventura Pons".

Pero Ocaña llegó a la inmortalidad por el camino más corto: morir antes de tiempo. A los 36 años falleció a consecuencia un fallo hepático mientras se reponía de las quemaduras sufridas a la conclusión de un desfile infantil en su pueblo natal. Su disfraz de sol acabó envuelto en llamas tras el encendido de las bengalas que lo remataban. Dejó una cierta cantidad de obra como para saber de su talento, pero también para especular hasta dónde habría llegado. Bien mirado siempre hubo algo de caníbal en todo lo que propuso. Pero de un caníbal que aceptaba el principio de su deseo: estar dispuesto a dejarse comer.




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Con Terenci🌚 Moix





Ocaña MARE MEVA🖌️🎨🌙



Nazario VÍBORA 🍺🍻🌈

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Que rápidamente los ponía a todos a trabajar de nuevo🤭⚽


'El Víbora', 40 años de historietas venenosas
El MNAC rinde homenaje a la revista que llevó el cómic underground a los quioscos, de cuyo nacimiento se cumplen 40 años
En la portada del suplemento especial que celebraba los primeros diez años de la revista El Víbora (1979-1989) aparece Snoopy sodomizando a Woodstock, su pequeño y fiel amigo plumífero. Los responsables de la revista que llevó a los quioscos españoles el llamado comix o cómic underground, cultivado hasta entonces por un puñado de autores en la más absoluta marginalidad, no podían haber elegido una imagen más elocuente como declaración de principios: su razón de ser consistía en transgredir las pautas éticas y estéticas de la historieta clásica y las convenciones morales de la sociedad.
“El Víbora rompió los esquemas de lo que estábamos acostumbrados a ver en el terreno del cómic adulto, al presentarnos historietas costumbristas y paródicas, punzantes, subversivas, críticas con el poder y, sobre todo, libres en todos los sentidos”. Así define la línea de la revista Antoni Guiral, director de Ficomic (entidad responsable de eventos como el Salón del Cómic de Barcelona) y comisario de El Víbora. Comix contracultural, la exposición del Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) que recuerda la historia de la publicación, ahora que se cumplen 40 años de su nacimiento. La revista llegó a imprimir tiradas de 80.000 ejemplares y publicó 300 números hasta su desaparición en 2005.

Con un centenar de portadas y 35 obras originales, entre las piezas expuestas destacan los dibujos de Max e Isa Feu para el histórico número especial sobre el golpe de Estado de 1981 o el original de Nazario para la cubierta del número 1 de la revista.


"EL cómic underground de España era heredero del 'comix' americano, pero también de algo muy nuestro: la escuela Bruguera". Antoni Guiral

Ligada a la escena contracultural barcelonesa y con firmas como los mencionados Max e Isa Feu, Nazario, Mariscal, Roger, Marta Guerrero, Laura Pérez Vernetti, Gallardo, Pons, Martí, Carratalá, Montesol, Ceseepe, Max, Calonge, Jaime Martín y Pamies, El Víbora reflejó los postulados del comix que había surgido al calor de la contracultura de finales de los años sesenta en Estados Unidos, con autores hoy tan canónicos y reverenciados como Robert Crumb y Art Spiegelman, responsables de las revistas Zap Comix y RAW, respectivamente.

No obstante, el cómic underground llevaba en estas latitudes un ingrediente adicional: la celebración de las libertades recuperadas con el nacimiento de la democracia, con hambre atrasada de 40 años. Un ansia que explotó en forma de viñetas cargadas de sexo, drogas y toda clase de excesos. Por otra parte, opina Guiral que el cómic underground que se hacía en España era heredero del comix americano, “pero también de algo muy nuestro: la escuela Bruguera” y su tratamiento de la realidad de la calle, aunque dándole bastantes vueltas de tuerca.

“El Víbora llega en el momento adecuado, en plena consolidación de la democracia tras la Constitución de 1978. Con la recuperación de la libertad de expresión hubo un boom del cómic adulto, primero con la revista Tótem y luego con 1984”, recuerda Guiral. En esta tesitura y con la herencia recibida de quienes cultivaron en la más absoluta marginalidad el cómic underground, “surge una historieta más libre, no adscrita a géneros”, recuerda Guiral. El editor Josep Maria Berenguer quería lanzar una revista y su colega Josep Toutain, principal impulsor de las revistas de cómic de entonces, “le prometió respaldar económicamente el proyecto si lo dedicaba al cómic underground para satisfacer la demanda de los lectores que habían leído este tipo de historietas desde la década anterior”.

Así fue como nació El Víbora y su empresa editora, La Cúpula, que hoy sigue siendo una de las principales editoriales de cómics de España, especializada en cómic underground y alternativo, sobre todo de Estados Unidos, Europa y España, y que hoy dirige Emilio Bernárdez, que también estuvo ligado al proyecto de El Víbora desde sus comienzos.

Cómic en vivo:
“En los años 80, los autores que publicaban en El Víbora se hicieron muy populares, les invitaban a todas las jornadas y salones y pusieron de moda el cómic en vivo”, explica Guiral. Dentro de esta práctica cabe destacar Amor en Vallvidrera, un cómic de 15 por 3 metros dibujado en directo y con público en 1980 en la escuela EINA de diseño, pieza que acaba de incorporarse a la colección. Aunque Amor en Vallvidrera aún no puede verse en la exposición porque se encuentra en proceso de restauración, se muestran las fotografías del evento tomadas por Manel Esclusa y diversa documentación.

En aquella ocasión, como en muchas otras, se congregaron algunos de los colaboradores más importantes de la revista tanto de Barcelona como de Madrid. “Participaron Gallardo, Max, Martí Riera, Isa Feu, Roger, Mariscal… pero también autores que estarían después en el germen de la Movida madrileña, como El Hortelano, Montesol y Ouka Leele”, apunta Guiral. “Es un testimonio de los vínculos tan fuertes que había entonces entre la contracultura barcelonesa y Madrid”.

Otro colaborador habitual de El Víbora y personaje importante de la Movida fue Ceesepe, a quien La Casa Encendida de Madrid dedica estos días una exposición sobre la temprana y poco conocida faceta de historietista del pintor. Paralelamente, la editorial Fulgencio Pimentel recopila en una cuidada edición con cubiertas de madera casi todas las historietas de Ceesepe.

Del papel al museo.

“El cómic forma parte de la historia de la imagen y es necesario que esté en los grandes museos”, afirma Álex Mitrani, conservador del MNAC que ha colaborado con Guiral en el comisariado de la exposición El Víbora. Comix contracultural. Famoso sobre todo por su colección de arte románico y gótico, la horquilla temporal de los fondos y la programación museística del MNAC abarcaba anteriormente hasta la guerra civil española, pero hace unos años la amplió hasta la segunda mitad del siglo XX. Y precisamente el cómic “es una de las expresiones más características de esta época desde el punto de vista sociológico y estético”, opina Mitrani. “Es cierto que el cómic underground se sitúa deliberadamente en la marginalidad del sistema, pero es para nosotros algo que confirma la esencia vanguardista de este tipo de cómic. Es un arte basado en la honestidad, en el impacto, en la visión crítica de la realidad, en la transgresión de lenguajes formales y valores ideológicos y morales, que es exactamente el tipo de posición que define a las vanguardias desde principios del siglo XX”.

En efecto, el acercamiento de los museos al mundo del cómic ha sido cada vez mayor en los últimos años y ya es habitual que importantes museos de todo el mundo encarguen historietas relacionadas con sus exposiciones. En España el Thyssen-Bornemisza fue pionero en este sentido, con títulos como Mitos del pop, de Miguel Ángel Martín, Dos holandeses en Nápoles, de Álvaro Ortiz, sobre Caravaggio o Museomaquia, de David Sánchez y Santiago García, con motivo del 25.º aniversario del centro. Por su parte, a raíz del Premio Nacional de Cómic concedido en 2014 a Las meninas, de Santiago García y Javier Olivares, el Museo del Prado toma conciencia del potencial de una posible alianza con el noveno arte, y más tarde encarga a Max el álbum El tríptico de los encantados (Una pantomima bosquiana) con motivo del quinto centenario del Bosco, así como El perdón y la furia, de Keko y Antonio Altarriba, como complemento a su exposición Ribera, maestro del dibujo, o Historietas del Museo del Prado, de Sento, con motivo del bicentenario de la pinacoteca.

"El cómic underground transgrede lenguajes formales y valores ideológicos y morales, igual que las vanguardias del siglo xx". Àlex Mitrani

Pero además del encargo de títulos, algunos museos han ido un paso más allá y han abierto sus salas al cómic organizando exposiciones dedicadas a este medio de expresión. El IVAM es uno de los museos que más ha apostado por ello, con exposiciones como Valencia Línea Clara o la que actualmente acoge dedicada a Paco Roca. Por su parte, el Museo Reina Sofía celebró recientemente la exposición George Herriman. Krazy Kat es Krazy Kat es Krazy Kat, dedicada a uno de los pioneros del género (y cuyas actividades complementarias incluyeron una conferencia de Art Spiegelman).

Por su parte, el MNAC ha exhibido originales de Santiago García y Javier Olivares, Premio Nacional de Cómic 2015, y ha organizado otras exposiciones como De viñeta en viñeta y Ego Sum Lux Comic, con la escuela Joso, o la dedicada a Las nuevas aventuras de Corto Maltés. También impulsó la publicación del primer ensayo en cómic sobre un museo, Gótico, una obra de Jorge Carrión y de Sagar dedicada a sus colecciones medievales, publicado el año pasado.


El dibujante, pintor y, ahora, cronista audiovisual de la barcelonesa plaza Reial, Nazario, público La vida cotidiana del dibujante underground (Anagrama). Es la crónica sentimental y el dietario erótico de los arrumacos, amores y aventuras de la tropa que protagonizó el lado libertario de la Barcelona de los setenta y ochenta. En el libro, como en su vida, uno de los verbos más conjugados es “follar” y habla de “maricones” porque no le gustan los eufemismos. “Por llamarte gay no eres menos maricón”. En el libro apenas habla de su obra y apenas pone fechas. ¿Por qué? “Porque ya hay muchos catálogos y obras antológicas. Además, tengo mala memoria para las fechas, y quien quiera saberlas puede consultarlas en la biografía de la web, nazarioluque.com”, comenta charlando en su casa.
No todo fueron risas. Los escombros de las resacas, el suicidio de amigos o la aparición del sida están muy presentes en el texto

A Nazario le interesaba explicar la vida cotidiana para que se sepa que no todo en la peripecia del underground fueron risas. Los escombros de las resacas, el suicidio de amigos, la muerte por sobredosis, el trágico final de Ocaña (abrasado con un disfraz de papeles de seda) o la aparición del sida están muy presentes en su relato biográfico. “Nos movíamos por el ambiente como por campos de minas. Éramos unos supervivientes”. Y también quería contarla porque, “a diferencia de la movida madrileña, con un alcalde como Tierno que la apoyaba, aquí no se ha hecho nada. La movida barcelonesa es una desconocida. No se ha interesado nadie por ella”. No era una Barcelona confortable. Nazario explica, por ejemplo, la verbena de 1977, cuando él, Ocaña y el Osito fueron detenidos en el Café de la Ópera por cantar y mariconear con unos amigos. Las malas pulgas de unos guardias urbanos provocaron un motín de la gente. Total, tres días de cárcel, donde coincidieron con los actores de Els Joglars. Una Barcelona, sin embargo, con un fulgor que, considera, se ha apagado. “Ahora es una ciudad más reprimida”.

De cuando Nazario era ‘underground’
El underground eran los tebeos del grupo El Rollo; era que la traducción inglesa de un cómic solo pudiera venderse en Estados Unidos en las sex-shops y envuelto en celofán, o era tener que imprimir (1975) en una vietnamita de la universidad 200 ejemplares de La Piraña Divina, donde Nazario reunió sus trabajos más impublicables. Curiosamente, un año después pudieron editarse legalmente las mismas historietas y únicamente hubo una multa porque, en el prólogo, Terenci Moix nombraba las palabras “paja” y “masturbación” más de veinte veces en una página y media. Pero el underground, para Nazario y sus amigos, también era provocación cotidiana. El despelote, y más en público, en los años setenta, en Canet Rock o en las Jornadas Libertarias fue casi un ritual. En otro sitio Nazario ha escrito que ellos eran unos pequeñoburgueses pasotas y drogadictos para la izquierda comunista y socialista, y basura anarquista, rayando en terroristas, para la derecha. El libro permite dibujar una ruta de los bares y locales predilectos de aquella tribu: Las Cuevas, Kike, La Gran Cava, London, Zeleste, Cúpula Venus, Magic…


Nazario, sin embargo, siempre ha sido muy estricto al aplicar el concepto underground a una obra. “Ha de cumplir tres condiciones: que la edites con tu dinero, que te niegues a autocensurarte y que distribuyas tu material por circuitos paralelos”. De hecho, en el libro da como una fecha del entierro del underground cuando el suplemento Arte y pensamiento de EL PAÍS (20 noviembre de 1977) publicó unas páginas dedicadas a Ceesepe, Mariscal, Hortelano y él. Sin embargo, en 1981, cuando clausure en Barcelona su primera exposición individual, convocará a los amigos, pondrá crespones negros en la obra expuesta y con un ataúd celebrará las exequias del underground. “Cómo me voy a seguir creyendo underground cuando te dan la Medalla de Oro de Bellas Artes. Sería jugar al equívoco”, comenta ahora.

“Los exhibicionistas nos volcamos en nuestros diarios como el náufrago que mete un escrito en la botella y lo lanza al mar”

Evidentemente, las cosas han cambiado. Tentación, Martirio y Triunfo de San Reprimonio, Virgen y mártir tuvo que publicarlo en la revista francesa Zinc. Hoy está en el Reina Sofía. Este mes tiene una exposición en Córdoba donde, todavía en 1990, tuvo problemas para exponer y la imprenta Tipografía Católica se negó a editar el catálogo alegando cláusula de conciencia. Claro que Facebook le ha cerrado cinco veces su cuenta. “No voy a poner otro desnudo para que me la vuelvan a cerrar”. Nazario dejó el cómic por la pintura, que también ha abandonado. “Me di cuenta de que hacía una obra demasiado refinada y temí repetirme, caer en el manierismo. Además, las dos galerías con las que trabajaba han cerrado”.


Dedicado a escribir su biografía y, como un voyeur minucioso, a fotografiar desde el balcón de su piso lo que sucede en la plaza Reial, Nazario ha estado esperando unos tres años a que una editorial se interesara por el libro, que dedica a “mi Alejandro”, su pareja, fallecido en 2014. Educado en las confidencias del confesionario, Nazario escribe en él: “Los exhibicionistas nos volcamos en nuestros diarios como el náufrago que mete un escrito en la botella y lo lanza al mar”.

Un libro en el que las escenas libertinas se mezclan con iconos de vírgenes y toreros. Donde se cita al inevitable Jean Genet, que vivió otra Barcelona más canalla, pero también a Bataille o Dreyer. Donde en la larga lista de amantes tiene cabida un novio guardia civil. Ahora es abstemio, no fuma y, dice en el libro, la única droga que no piensa abandonar es el sexo. Nazario entendía el underground también como una forma de vida. Por eso no cree que sus amigos se enfaden por lo que ha escrito. “Todo lo cuento como una cosa normal”. Y ahí está el relato de este, como dijo Vázquez Montalbán y BARCELONISTA de pro, agitador moral.


Interludio musical de una época:
🎚️🎙️🎶🎵🎧



Homenaje a Rubén Blades y Willie Colón en el mejor VINILO de la música salsa de todos los tiempos; SIEMBRA😎Barcelona 70,s- 80,s🌠✨


La gran Atalaya de la rumba catalana.



Zeleste, un local mític per a la música dels anys 70.
La mítica Zeleste va ser el símbol del moviment de la música laietana i la contracultura barcelonina.

Aquesta històrica sala de concerts va néixer al número 65 del carrer de l’Argenteria l’any 1973. A finals dels 60, amb l’explosió del rock psicodèlic, Víctor Jou va fer una visita a Londres i es va enamorar dels locals com The Marquee, al Londres perifèric i situats a naus industrials. Va obrir la Zeleste al Born, llavors un barri amb lloguers més barats.

El segell Zeleste.
Va ser el primer local amb ambientació londinenca d’estil Art Nouveau i que feia música en directe i amb segell discogràfic propi. Discos com ‘Qualsevol nit pot sortir el sol’, de Sisa, van sortir de la Zeleste. Artistes com Gato Pérez o l’Orquestra Plateria també són criatures creatives nascudes a la Zeleste.

Endevina el nom de discoteques i locals mítics de Barcelona?
La música laietana?
El terme “música laietana” és una etiqueta que es va inventar i va fer popular Gato Pérez i que agrupava totes les bandes de la Zeleste de rock, rumba o jazz, amb una etapa daurada entre el 1973 i el 1978. La marca Zeleste va ser força popular també a l’estat espanyol amb la promoció de grups amb grans esdeveniments a Madrid i Sevilla i l’organització del primer Canet Rock. Per Àlex Gómez-Pons, autor del llibre ‘Zeleste i la música laietana’, la història de la música catalana no es pot entendre sense la Zeleste.

“Si dic que qualsevol nit pot sortir el sol, el barri del Born o la rumba de Barcelona anem a parar al Zeleste perquè forma part de l’imaginari col·lectiu d’aquesta ciutat”

Els 80.
Durant els 80 es van fer seu el local bandes de rock, punk i mod, como Loquillo, Los Rebeldes, Brighton 64 i El Último de la Fila. El 1986 el local es va establir al carrer dels Almogàvers, al barri del Poblenou. La sala va tancar l’any 2000 i es va obrir amb el nom de Razzmatazz.





Y si nos vamos al Canet Rock y a la vuelta chapuzón en la Barceloneta ✊💙❤️


El 26 de julio de 1975 se celebró la primera edición de Canet Rock, festival que se anunció como 12 de horas de música i follia. Organizado por La Trinca, la sala Zeleste y sin solicitar la preceptiva autorización gubernamental, alrededor de 25.000 jóvenes disfrutaron de las actuaciones de, entre otros, Maria del Mar Bonet, Pau Riba, Companyia Elèctrica Dharma y Orquestra Plateria. También estaba prevista la actuación de Jaume Sisa, pero unas declaraciones del cantante en las que se declaraba anarquista provocaron que el gobierno le prohibiera actuar durante todo ese verano. Como la sanción solo impedía actuar, el cantautor galáctico asistió como público al evento y, al final del festival, cuando la gente se retiraba del recinto, interpretó El setè cel para unos pocos espectadores y las cámaras de Francesc Betriu que, un año más tarde, estrenaría un documental sobre el festival.


El éxito de ese primer Canet Rock hizo que los organizadores repitieran al año siguiente. En 1976, el festival perdió la K del final para denominarse Canet Roc, algo que no acabó de convencer a los críticos de La Vanguardia, que llegaron a escribir: «Por cierto, observamos que en la fiebre catalanizadora en curso se le ha suprimido la última letra del enunciado, en la propaganda oficial, de manera que se lee en realidad “Canet Roc” y resulta que “roc” será un vocablo muy catalán pero tiene un significado muy distinto [“trozo de piedra”] del que se pretende distinguir como “música rock”. De manera que por muy plausible que sea el espíritu legitimizador (sic) de la lengua catalana, no estará de más evitar excesos que no son otra cosa que lo que se conoce como “ficar-se de peus a la galleda”. Después de todo, no cuesta nada aceptar un neologismo como “rock” cuando significa algo que no se puede decir con ningún otro vocablo».

Aunque con una afluencia de público menor que la del año anterior, la de 1976 también fue un éxito, por lo que un año después, se celebró una nueva edición. La de 1977 sería recordada por, entre otras cosas, la actuación de Pau Riba con Peruchos. El músico catalán interpretó una especie de poema musical que fue silbado por el público y despellejada por la crítica. Tanto es así que en 1998 Riba publicó Astarot universdherba, un disco en el que se contenía la actuación y que incluía copias en papel de esas críticas negativas arrugadas y pisadas personalmente por el músico.

A pesar de los esfuerzos de los implicados, la de 1977 no fue una buena edición. Además de la mala experiencia de Riba, el número es espectadores había descendido de nuevo porque, según los organizadores, el público prefería ver a esos grupos en salas como Zeleste, en el centro de la ciudad, que en un descampado de Canet, al sol con todas las incomodidades que ello supone. Por eso y con objeto de recuperar el terreno perdido, la edición de 1978 presentó algunas novedades, comenzando por la filosofía del evento, sintetizado en un aforismo latino que decía «Contrita contradictio. Virgo inseminanda», que vendría a significar, «Completada la contradicción. Hay que inseminar a la virgen».

Según la organización, la razón para ese lema era que «de alguna u otra forma, todos entendemos, o por lo menos sentimos, que estamos viviendo en una época caótica que está sufriendo importantes cambios, más o menos trascendentales, que se desarrollan en todos los sentidos e inciden en todos los campos. Es un momento de crisis ideológica y total revisión de todos los dogmas y postulados. Los sistemas de funcionamiento y los “modus vivendi” están en su punto máximo de decadencia, porque se ha conseguido todo menos la salud física y mental. La vida nos ofrece infinitas posibilidades, pero todas ellas carecen de magia, de sentido. Vivir es morir en el peor sentido».

Además, añadían que «el día 2 [de julio] es luna nueva: la luna nueva corresponde al momento en que todas las cosas están vacías y las fuerzas de la Naturaleza en reposo. Por otro lado, esta luna nueva corresponde a Virgo, la tierra virgen, signo de pureza inviolada y puerta de todos los misterios. Es, por tanto, el mejor momento para la concepción de una nueva historia. Además, la luna nueva de Virgo cae entre la luna llena de Acuario y la luna llena de Piscis, signos respectivos de la era que empieza y la era que acaba. El día 2 es, por tanto, el punto cero, por derecho y por la cara».

De hecho, la selección de los artistas del festival –entre los que estaban Blondie, Nico, Ultravox, Bijou, Tequila, Los Masturbadores Mongólicos, Música Urbana, Teta Atómica, La Banda Trapera del Río, David Allen y Kevin Ayers que, finalmente no actuó porque se había roto un dedo–, se había hecho en base a criterios astrológicos: «Nico es una cantante de la era Piscis por su forma de música, por su entorno […], Kevin Ayers, un poco como Nico... David Alien, supercósmico, en relación con la inseminación de la tierra, con la era virgen, con Acuario…», explicaban desde la organización.

Partiendo de esos conceptos, Pau Riba diseñó un cartel que sintetizaba todo ese universo astrológico. En él aparecía una virgen de Filippo Lippi sobre la que caía una gota de lo que se suponía era semen que se desprendía del rótulo de Canet Roc. Un precioso póster que fue arrancado de las calles de Barcelona por sectores de ultraderecha que, además, realizaron amenazas telefónicas a los organizadores.

Por su parte, la delegación gerundense de Pax Christi, movimiento católico internacional por la paz, se pronunció a favor del afiche, argumentando que «la derecha ha realizado una lectura equívoca del cartel», e invitando a la Generalitat a que se pronunciase sobre si también deberían ser retirados cuadros semejantes de Salvador Dalí. Asimismo, señalaban que «el cartel ha de mirarse con ojos del espíritu, con ironía y procurando entender el misterio. Es un auténtico bálsamo en medio de la basura pornográfica fomentada por el dinero a espaldas de los hombres, hijos de Dios y herederos del cielo a través de Cristo».


A pesar de ese apoyo y aunque hacía ya casi tres años que había fallecido Franco, muchas de las leyes e instituciones franquistas seguían en vigor. Por ello, lejos de dejar pasar el tema, el gobernador civil de Barcelona, Santiago Belloch padre, y otras fuerzas vivas de la ciudad, entre las que se encontraban el obispo y el jefe de la policía, se reunieron en casa de Belloch. Allí discutieron cuál era la mejor vía para proceder contra Riba y los organizadores, argumentando que el cartel era blasfemo y «atentaba contra la convivencia social».

«Al final entró la mujer del gobernador y les hizo ver que cualquier cosa que hicieran redundaría en mi favor y daría alas a los que estaban de mi parte», recordaba Pau Riba, que destacaba que cualquier cosa que hicieran iba a magnificar un problema que «bien mirado, no tenía tanta importancia. Aunque en el cartel aparecía una virgen de Filippo Lippi, en realidad la modelo era una monja que se había fugado con él. O sea, que no era tan virgen».

A pesar de todo, diseñador y organizadores fueron juzgados y condenados a pagar una multa de 500.000 pesetas, cantidad bastante elevada, habida cuenta de que el presupuesto de Canet Roc 78 era de ocho millones de pesetas.

Divina y jodida transición...








Retoques, recuerdos del artisteo de Madrid, de última hora y Bonus Tracks 🎸🏴☠️👍








En Málaga también se generó uno de los mejores grupos de aquélla época:
😎




Edad de ORO 🤔😸


Azagra un poquito de PGB🍺🍻





Recordando indirectamente el Rock Radical Vasco y Plástic, circuito catalán y IBERO por la 2🎙️📺📼


Eskroto de diez🤔genio y figura de COLLONS muy prietos.
Iruña Underground ✊








Para cuando la revolución???





Aquellos 80,s🚬


En Asturias se vivía otra revolución del 34.
Stukas hazañas bélicas.

🤟🥀❄️🕶️💣


Ilegales les pillo con su rebelión en Mongolia ⚽🎸📻





Mucho PGB🍺🍻


Carlos Azagra
Morón de la Frontera (Sevilla), 1957

Nació en Morón de la Frontera (Sevilla), en 1957, pero se crió en Zaragoza y lleva años viviendo en Barcelona. Conocido por sus viñetas reinvindicativas, sobre todo 'Pedro Pico y Pico Vena', publicada durante muchos años en El Jueves, en los últimos años ha emprendido una frenética producción en tierras aragonesas de la mano de GP Ediciones y Malavida. Ha publicado junto a Encarna Revuelta y David Terrer 'El último aragonés vivo', 'La amenaza robótica' y 'Revuelta porcina' (GP Ediciones) y junto a Xcar Malavida y Encarna Revuelta 'Estoy hecho un cocinicas', 'Sigo siendo un cocinicas' y 'Todos somos cocinicas' (Editorial Cornoque). Otro de sus trabajos recientes es 'Descubriendo a Mosén Bruno', con guión de Maxi Campo.

En 2018 el dúo Azagra-Revuelta presentan dos novedades: 'TeBeO Labordeta' (GP Ediciones), con guion de Daniel Viñuales, y 'Fonda Pascual' (Editorial Cornoque).

Alumno del grandioso váyanse a la mierda 💩




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Recuerda tiempos nuevos tiempos salvajes, coge un arma, no voy a luchar por TÍ 🏴☠️


Bárbara Allende Gil de Biedma; Madrid, 1957) Fotógrafa española. Su primera vocación fue la pintura, y de hecho cursó Bellas Artes, aunque abandonó la carrera para iniciar estudios de piano, al tiempo que acudía al Photocentro de Madrid para aprender fotografía. Tras publicar sus primeros trabajos en un libro llamado Principio, comenzó a exponer en 1978. Sus fotos eran habitualmente en blanco y negro (odiaba las fotos en color), y al serle encargada una fotografía en color para una portada, decidió inventar ella misma el color de la imagen. Fue así como empezó a colorear sus instantáneas, aunando su vocación de pintora con la fotografía.


El beso (1980), de Ouka Leele

Su carrera continuó con exposiciones en España, Europa, Estados Unidos y Japón, sin olvidar el trabajo puramente personal; destacan, entre ellas, su participación en la Bienal de Arte Contemporáneo de Sao Paulo (Brasil) y su primera exposición retrospectiva en el Museo Español de Arte Contemporáneo (Madrid), ambas en 1987. Excepto en contadas ocasiones, en la obra de Ouka Leele no hay fotomontajes: lo que aparece en la fotografía se prepara antes de la instantánea, en lo que, para la autora, es el momento más interesante de la creación, por el hecho de crear un mundo irreal.

Sus primeras obras se distinguen por la combinación de elementos pop y neodadaístas con una gama de colores ácidos e intensos; posteriormente evolucionó hacia composiciones más ricas, basadas en la tradición barroca y en la utilización de colores más calmados, para volver con colores eléctricos a finales de la década de 1990. Autora de diversos libros en los que combina sus imágenes con sus propias poesías, Ouka Leele se ha dedicado también al diseño de objetos.

Última edición por ramones77 el 20 Feb 2021 10:47, editado 2 veces en total.

#91

Mensaje 20 Feb 2021 04:33

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Biografía: Alberto García-Alix (León, España 1956). Se traslada a estudiar a Madrid en 1967, donde primero lo intentará con Derecho y después con Periodismo, sin insistir en ninguna. En 1976 publica sus primeras fotografías en blanco y negro y en 1979 en color, aunque se hará conocido por sus fotografías en blanco y negro en una suerte de Street photography madrileña y personal, en la que asoman personas y personajes de su vida y de su entorno, construyendo una autobiografía visual. Premio Nacional de Fotografía en 1999.

Obra: Mi habitación. Visión épica en Beijing, 2010. Foto realizada en uno de sus viajes a China. En la tradición que mantiene desde el inicio de su carrera de colgar sus fotos favoritas en las habitaciones de los hoteles y fotografiarlas. En esta imagen se reúnen la historia de las carreras de motos, su segunda gran afición, con el decorado floral de la pared del hotel, formando una imagen poética ultraísta, cercana a la idea del haiku.

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Silvio y ROCKBERTO.
Descaro generacional y anarquía 🚬🍺🍻



Del Sevilla MANQUE pierda ⚽🎸





Ceesepe.

Carlos Sanchez Perez. Ceesepe. Madrid 1958. Madrid viernes 7 de septiembre de 2018 a los 60 años de edad.

Define su arte como un mezcla de poesía y artesanía.

CEESEPE. Pintor, ilustrador, artesano, ebanista. dibujante, grabador; pero sobre todo, un gran creador que posee, un inconfundible sello propio. Últimamente su paleta de colores y sus pinceles estaban en los programas de dibujo de su ordenador; con él, cortaba, pegaba, dába, y quitaba luz, o colores.


Obra de Ceesepe:

El collage siempre le ha interesado y lo seguiria trabajando siempre, su estudio se encontraba, habitualmente, alfombrado por múltiples recortes de papel y cartulina; imágenes y colores alfombraban el suelo; el pintor trabajaba con las manos tocaba los materiales, fumaba en su trabajo.

No le interesaba la nostalgia, «no volvería a dibujar cómics»; se estrenó en el mundo del arte allá por los años setenta, donde empezó a ser conocido por sus ilustraciones en la revista Star de Barcelona ( ciudad a la que se trasladará a vivir unos años). En (2018 año de su fallecimiento) reside en Madrid pero lo que le llama…, es dejarlo todo de una vez, perderse dulcemente, en una isla idílica y paradisiaca, donde le acompañé el calor, (Que la tierra le sea leve).

Los Años de la Movida:

Ya en los 80 se adentrará más en la pintura. Son unos años de mucho trabajo en los que el artista, reside entre Madrid y Barcelona. En esta pasada época recibe muchos encargos; carteles de cine, como, Pepi, Luci, Bom, y otras chicas del montón, 1980, y La ley del deseo, 1986; (ambas de Pedro Almodovar), portadas de discos (KiKo Veneno).

En la Feria de Arte Contemporáneo de Madrid, Arco 88, vende algunos dibujos y es una autentica celebridad (Se convierte en uno de los artistas más significativos de la movida, en uno de sus símbolos más mediáticos) Ceesepe goza en esos momentos de una enorme popularidad que por desgracia no se vé traducida en cash.

Madrid. El Hortelano y Ceesepe. y Alberto García-Alix.

CEESEPE. Fue Amigo, de El Hortelano, Nazario, Ouka Lele, Mariscal, Alberto García-Alix, Barceló, Almodovar, Kiko Veneno y más… Le gustan, Fellini, David Hocney, Lucian Freud.


Obra de Ceesepe. 2008.

Residente en Madrid (tenia, su estudio a escasos metros de la Puerta del Sol), reconocía, que él, había cambiado más, que la Gran Metrópoli. A mi, me gustó ese cambio. Tiene mérito dedicarse a la creación tan cerca del caos de la gran urbe; su estudio, también era su casa; y su vida domestica se mezclaba peligrosamente con su trabajo; muchas veces, no sabe si debe hacer, lo que se supone que debe, (por ejemplo dormir); pues tal vez, esto que supone, no lo haga, y se ponga finalmente (y a deshoras), a trabajar.

Obra de Ceesepe. 2008

Ceesepe, ha vivido en Río de Janeiro, Nueva York, Buenos Aires, París ( Ciudad, en la que residió varios años), en ella, coincidió con Barceló, con el que le unia, una buena amistad y que durante su estancia parisina, le presto un ático lleno de libros. Últimamente, reconocía, estar cansado de viajar, «La globalización consiguió, que todos los sitios me parezcan igual», había declarado recientemente.

En 2011, le fue concedida la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

«Sigo aprendiendo cada día. No sabría vivir, sin inventarme a mi mismo cada mañana»

Ultimas noticias. 25/11/14. Se presentaba, en el Circulo de Bellas Artes de Madrid, el libro, Manual Practico de Pintura. #3. Su autor Ceesepe. El tema…, sus obras y su vida.

Carlos Sanchez Perez. Ceesepe. Falleció, (Leucemia), en Madrid, el 7 de septiembre, de 2018.

Recortes en el suelo (ahora abandonados), unas tijeras abiertas y tantos, y tantos de sus amigos, irremediablemente, un poco más solos.

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Plástic que Plástic???
🤭🕶️📺


En ese sanedrín multitudinario que es Forocochesmierda hay un debate sobre si «Plastic» fue el mejor programa musical de la historia de España. Lo cierto es que los ha habido muy buenos, como «La Edad de Oro» –que no era solo musical–, «Popgrama», o, para públicos más reducidos, aquel «Jazz entre amigos» que nos seducía con saxofones a la madrugada. Uno de los usuarios, en un ataque de nostalgia, dice que «ha habido buenos programas», pero «ahora no hay nada más alla de la basura de OT». Hace esa reflexión ignorando el robusto hilo que une Plastic» con «Operación Triunfo» . No es que haya seis grados de separación entre ellos, no, es que no hay siquiera uno.

Para los fans más recientes de OT mierda, Tinet Rubira es ese señor que aclara dudas sobre asuntos «triunfales» en Twitter y que, además, es padre de un mozo que trabajaba en la academia y que le gustaba a Amaia. Para los que éramos jóvenes en los estertores de los 80, Tinet Rubira es el más formal de los dos alocados presentadores de «Plastic», el programa musical más gamberro –en esto pienso que hay consenso– emitido en la historia de la televisión española.

Su primer programa fue una declaración de principios, todo un puñetazo en la mesa del salón. Lo primero que vimos en pantalla fue a dos pimpollos que parecían haber asaltado el ropero de los Modestia Aparte. Eran David Bagès y Tinet Rubira. Uno moreno y otro rubio. Parecían los nuevos Pecos. Pero no. Enseguida empezaron el estriptís y acabaron no desnudos, sino en vaqueros y camiseta. Vestían como se vestía en la calle. Más que unos presentadores, parecían dos personajes extraídos de «The Young Ones», aquella memorable serie británica que triunfó en las autonómicas, especialmente en TV3 y TVG.

Aquello ocurrió un 19 de abril de 1989 y fue toda una revelación para una generación.

Aquel plató que simulaba un garaje lo atronaron en ese primer programa un grupo madrileño de rock and roll que aún no había publicado «La vida mata», Los Enemigos, y una banda de flamenco-rap, de nombre Las Xoxones, en la que la voz cantante la llevaba una joven Chus Gutiérrez, la misma que después haría carrera en el cine. Vía vídeo musical sonaron, entre otros, el grupo de trash metal Antrax. Ya en esa «gala» inaugural está la principal seña de identidad de «Plastic»: el eclectismo. En aquel contenedor cabían el rock, el punk, el flamenco, el pop, el ska, el heavy... y todos los estilos salvo el pop-rock comercial que entonces dominaba la mayoría de las emisoras privadas.

El programa se completaba con un concurso que, visto en perspectiva, convierte la trampilla de «Ahora caigo» en un chistecillo: los participantes sufrían «torturas» en una silla eléctrica que era literalmente impulsada hacia atrás en cada fallo, y de postre se llevaban un «tartazo» de un vomitivo mejunje cuyo contenido nunca quedó muy claro. Pero a finales de los 80, la chavalada estaba dispuesta a eso y a mucho más por ganar un ordenador Spectrum 48K, que entonces valía toda una fortuna, 10.000 pesetas (60 euros).



Al poli malo (el punki David) y al poli bueno (Tinet) del programa pronto se les unió en las labores de presentación Marisol Galdón, una joven DJ que era la respuesta catalana a Paloma Chamorro. Entre los tres montaban un teatrillo en el que guión, que al parecer existía, era continuamente vapuleado por la improvisación, o esa era la impresión que daba a los que estábamos detrás de la pantalla. A Marisol la recordamos de enviada especial entrevistando a Peter Gabriel –de vez en cuando la producción toleraba esos lujazos–.

El programa se grababa en Barcelona, ciudad que tanta cultura musical, sobre todo escrita (allá se editan las revistas «Rockdelux», «Ruta 66» y »Mondosonoro», todas ellas referenciales), ha aportado. Eran 55 minutos de adrenalina en oído. Turbadores y perturbadores. Nos educaron los oídos con la voz que vino del hielo –la joven Björk de The Sugarcubes–, y también con Paul Weller, My Bloody Valentine, The Primitives, The Pretenders… Los de «Plastic» eran «indies» cuando aquí solo eran «indies» tres enterados que habían ido a Nueva York.

Pero no caigamos en paletismos. Porque hubo momentos «nacionales» incluso superiores a los internacionales.

Escuchen a Antonio Vega en la cima de su talento, «Esperando Nada».


Abran la ventana a la ingenuidad pop –acaso precursora de Nosoträsh– de Los Romeos:


De la ingenuidad de Los Romeos a la honestidad brutal de Evaristo, de La Polla Records:


Y, por supuesto, una de las diez actuaciones musicales más memorables de la historia de la televisión en España (algún día haremos un top ten, en el que estarán la teta derecha de Sabrina, el pendiente de Lola Flores... y también este «número»).


Afortunadamente, aquel día habíamos puesto a grabar el programa en el vídeo VHS. Una vez asistimos en diferido a aquel torbellino irreverente, a aquella cinta se le quitaron las pestañitas –aclaración para «millennials»: al hacer eso, quedaba imposibilitada toda nueva grabación–. Aquella cinta dejó de verse –cosas del VHS– después de ser reproducida más de un centenar de veces en casa propia –se la poníamos a las visitas– e incontables en casa ajena, pues la prestábamos a amigos como si fuese una novedad de videoclub. Estamos hablando de la actuación de unos desconocidos Extremoduro cantando «Extremaydura». Ocurrió un 19 de enero de 1990. Desde Las Vulpes no se había visto nada parecido.


Así de imprevisible era «Plastic». Aquel programa te volaba la cabeza todas las semanas. Aunque después saltó a la primera cadena, empezó a emitirse en La 2. Entonces –y ahora– era el canal cultural de RTVE, destinado –eso decía la publicidad– a «las inmensas minorías».


Eso es lo justamente lo que éramos: una inmensa minoría. Algún día le contaremos a nuestros nietos que entre 1989 y 1991 hubo en la televisión pública un programa gamberro, desfasado, fresco y sorprendente que hoy habría sido fulminado el día de su primera emisión por los apóstoles de lo políticamente correcto.



En Septiembre tal vez ya no esté...
👀💀🦴
📻


Extrema y muy dura...🖕🤞🤙





Breve referencia a la ya comentada Bola De Cristal.


Resulta imposible definir qué era o es aún La Bola de Cristal. Sí, era un programa infantil de esos que se llaman contenedores que suelen ser un cajón de sastre donde la televisión mete todo lo que cree que gusta al público infantil con unos presentadores que les gritan como si fueran sordos, en una mezcla de payaso y vendedor de calle. Pero éste no era como los programas infantiles que hubo hasta entonces.

Lolo Rico, su creadora, se dio cuenta de que a los niños les gustaba ver en la tele las mismas cosas que a los adultos. Más que nada, porque los programas de adultos tenían más calidad y los programas para niños se hacían con unos medios bastante pobres.

Para toda la familia:

El resultado fue un programa para adultos que divertía también a los niños, ¿o era al revés? El caso es que fue el primer programa infantil que sentó a los niños con sus padres delante del televisor, y no con contenidos fáciles de digerir para el espectador precisamente.

En 'La Bola' se contaban historias de todo tipo. Sin temor al rechazo, se hacía referencia a la literatura, el cine y el arte clásico en general, una apuesta arriesgada que caló en gran parte gracias a una carga critica ácida de bastante profundidad en temas muy delicados para la época, algo impensable en la televisión de antes.

El objetivo de Lolo Rico fue hacer un programa para que las mentes de sus espectadores se mantuvieran activas y aprendieran a crear jugando mientras cultivaban su sentido crítico de la realidad. Y lo consiguió. Prueba de ello es que todos y cada uno de los que vieron La Bola de Cristal lo siguen recordando, y eso que entre tanto ha pasado ya un cuarto de siglo y numerosos programas infantiles que no han dejado una huella tan profunda en la memoria colectiva.


Desde su primera emisión el 6 de octubre de 1984 hasta su final en el año 1988, el programa no paró de recibir elogios por parte de todos los sectores de la sociedad. Un reconocimiento que se ve reflejado en los dos premios 'TP de Oro' al mejor programa infantil, logrados en 1985 y 1987.

'Los electroduendes' y sus inimitables Hada Vídeo, Bruja Avería, Bruja Truca, Maese Sonoro y Maese Cámara, 'El librovisor', 'Acordes en espiral', 'La cuarta parte'... La originalidad de todas las secciones del programa (algunas de las cuales se fueron transformando sobre la marcha) sirvió para que cada una de ellas tuviesen su público, desde los más pequeños hasta los adolescentes, pasando por los padres.

Presentadores y colaboradores de lujo

Otro aspecto importante que puso el broche de oro al éxito del formato fue el elenco de talentos con los que contó 'La Bola'. Además de Alaska, Javier Gurruchaga, Isabel Bauzá o Gerardo Amecharruza, fueron protagonistas nombres de la talla de Santiago Auserón, Loquillo, Pablo Carbonell, Pedro Reyes, Miguel Ángel Valero, Anabel Alonso, Enrique San Francisco o Fedra Lorente, entre otros.

La Bola de Cristal ocupó nada menos que dos horas semanales (y a veces tres) de la parrilla televisiva durante sus casi cuatro años de existencia. Ahora, 25 años después, tenemos la excusa perfecta para zambullirnos en el archivo, rescatar y compartir contigo todos esos vídeos, canciones y momentos inolvidables que nos dejó


Además, dentro de la sección «Acordes en espiral»también se emitían videoclips, algunos de ellos creados específicamente para el programa, con los últimos éxitos de artistas como Franco Battiato, Ángel Altolaguirre, Radio Futura, Mecano, Los Nikis, Eskorbuto, Javier Gurruchaga, La Unión, Los Toreros Muertos, Golpes Bajos, Glutamato Ye-ye, La Frontera, Nacha Pop, Gabinete Caligari, Ramoncín, El Último de la Fila y otros. Grupos que representaban el conjunto de artistas y gustos musicales de la etapa de La Movida en los años ochenta y otros extranjeros. Fue el programa el verdadero impulsor del videoclip en la España de la década, y los temas[3]​ que se beneficiaron incluyen Sildavia, La sangre de tu tristeza, Querida Milagros, Insurrección, Al calor del amor en un bar, A quién le importa, No es serio este cementerio o El imperio contraataca.









De los Ramones de Algete al hotel Son Vida de Palma de Mallorca.
Tessa My Love y el gran Bernardo...
Principios de los 80,S🚬🍺🍻


Nos pasamos por la huerta para acabar con el adelanto de la penúltima🎚️🎙️ más tres Bonus Track para mis amiguitos CaricatosIPS 🤭📼





Mods all CONS!!!
😎





José Alfonso Morera Ortiz, más conocido como el Hortelano, nace en Valencia, en 1954. A los diez años, y tras una larga enfermedad, descubre su vocación por la pintura. Abandona por ello sus estudios universitarios de farmacia. En 1974 se traslada a Madrid y poco después a Barcelona, Nueva York y México. Las revistas “Star”, “Ajoblanco”, “El viejo Topo” y “Triunfo” publican muchos de sus primeros trabajos. Forma parte de los círculos intelectuales de la llamada Movida Madrileña y su estudio se convierte en el punto de referencia de artistas como Alberto García-Alix, Pedro Almodóvar, Guillermo Pérez Villalta y Ouka Leele. Desde los 90 su paleta evoluciona hacia colores más sobrios, con una técnica más elaborada. Fallece en Madrid, en 2016.


#92

Mensaje 20 Feb 2021 05:29

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Satanása yo te invoco con un moco y mucho suck to me...
👄


Va a ser mamá...Fabio reconvertido 🤔


Padrino Jesús Ordovas🎚️🎙️



Adelanto próxima semana Blue Beat- Ska- Reggae- Dub- OI!!- TWO TONE-Red Skins ✊💙❤️


No pasa nada...





This lonely street
Trying to find, find a future
New pair of shoes are on my feet
Cos' fashion is my only culture

Nothing ever change, oh no...
Nothing ever change

People say to me just be yourself
It makes no sense to follow fashion
How could I be anybody else
I don't try, I've got no reason

Nothing ever change, oh no...
Nothing ever change

I'm just living in a life without meaning
I walk and walk, do nothing
I'm just living in a life without feeling
I talk and talk, say nothing

Nothing ever change, oh no...
Nothing ever change

I walk along this same old lonely street
Still trying to find, find a reason
Policeman comes and smacks me in the teeth
I don't complain, it's not my function

Nothing ever change, oh no...
Nothing ever change

They're just living in a life without meaning
I walk and walk, do nothing
They're just playing in a life without thinking
They talk and talk, say nothing
I'm just living in a life without feeling
I walk and walk, I'm dreaming
I'm just living in a life without feeling
I talk and talk, say nothing
I'm just living in a life without meaning
I walk and walk, do nothing


Cada dia camino en esta calle desolada
Intentando encontrar, encontrar un futuro
Un nuevo par de zapatos están en mis pies
Porque la moda es mi cultura

Nunca nada cambia, oh no
Nunca nada cambia

La gente dice que sea yo mismo
No tiene sentido seguir la moda
Como podría ser alguien mas
No lo intenes, no tengo ninguna razón

Nunca nada cambia, oh no
Nunca nada cambia

Solo estoy viviendo en una vida sin significado
Camino y camino, no hago nada
Solo estoy viviendo....


de una vida sin sentimiento
Y hablo y hablo, di nada

Nunca nada cambia, oh no
Nunca nada cambia

Camino por esta misma vieja calle desolada
Sigo intentando buscar, una razón
El policía viene y me pega en los dientes
No me quejo, no es mi función

Nunca nada cambia, oh no
Nunca nada cambia

Ellos solo estan viviendo una vida sin significado
Camino y camino, hago nada
Ellos solo están jugando una vida sin pensar
Ellos solo están hable y hable, no dicen nada
Solo estoy viviendo una vida sin sentimiento
Camino y camino, solo estoy soñando
Estoy viviendo una vida sin sentimiento
Hablo y hablo, digo nada
Solo estoy viviendo una vida sin significado
Camino y camino , y no hago nada
Escucha "Do nothing"...



Hablando de fiestas ya vividas 👍✨


Y las que quedan...
Temazo 🌌





Escuchar atentamente...
No tiene desperdicio.
Los mejores se fueron al cielo de lo cierto.
Agur!!!
Muxus 🚬🍺🍻🏴☠️⚽


Lucha y resistencia ROBERT dentro de una GRAN A🕶️



Antonio y compañía.
📼🕶️

🛵💌


#93

Mensaje 20 Feb 2021 15:15

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Como oscila la horca...
🤔
🏴☠️🕶️


Ladrones, apesebrados, chaqueteros, vividores y lacayos.



La Frontera fue creado a mediados de los años ochenta. Después de empezar en el festival de rock de Madrid con su "Duelo al sol" y conseguir el primer premio, editaron en 1.985 su primer LP titulado La Frontera, un disco trepidante y lleno de granes canciones como La Ley de la Horca, Pobre Tahúr o Cuatro Rosas Estación, además de una gran adaptación de Viva las Vegas.

Tras el buen sabor de boca del primer LP, en 1986 grabaron Si el Whisky No te Arruina y siguieron viajando a ritmo de rock por las praderas de los escenarios españoles, donde la potencia y fuerza de temas como Volverán los Buenos Tiempos o La Ciudad, se mezclaban con baladas inconfundibles e inolvidables para los que seguimos admirando la banda de Javier Andréu y Toni Marmota. Y cómo olvidar ese Cielo del Sur, que nos introdujo en un viaje sin fin a los lomos de un camión sin ruedas y vibrar con la fuerza de una banda que siempre permanecerá entre nosotros.

De ahí, iniciaron otro viaje pero esta vez en un Tren de Medianoche, el que sería su tercer trabajo, un disco donde la sapiencia artística de José Battaglio, Javier Andréu y Toni Marmota, no nombro a Quino Maqueda pues lo considero un desertor de la causa, nos dejaron temas como "Mi Destino", "Siete Calaveras" o el "Siempre Hay Algo que Celebrar", por citar algunos. En este tercer LP no estuvo presente Toti Árboles, que si colaboró en el segundo y volvería después en el trabajo discográfico que le hizo conocidos al público en general como fue el "Rosa de los Vientos". Pero antes de hablar de este disco, quisiera tener un recuerdo para el gran Toti Árboles, que nos abandonó para irse, espero a un mundo mejor y que si es verdad que existe, seguro que se encuentra presente y saltando como el que más en cada concierto de La Frontera.

Como dije, con este cuarto disco se dieron a conocer al público en general con canciones que sonaron por todas las emisoras españolas, como El Límite, Juan Antonio Cortés o Nacido para Volar, cosechando gran éxito y siendo uno de los grupos punteros del panorama musical de finales de los ochenta y principio de los noventa.

Tras este éxito con el cuarto Lp volvieron en 1991 con Palabras de Fuego, un tema que personalmente no me pareció malo, pero sí me llamó la atención las pocas veces que lo llevaron a sus actuaciones en directo. De este disco sonó Hambre de tu Amor, Solos Tú y Yo y me quedo sin duda y a buen seguro que ellos también con Viento Salvaje. que parece una continuación de la historia que contaron en Cielo del Sur".

Y en 1992 llegó un Lp que les hizo demostrar a todo el público la potencia de sin duda uno de los mejores directo del panorama musical español "Capturados Vivos" donde la voz desgarradora y potente de Javier Andreu se unió a la fuerza en la música acompañada con temas donde la reflexión es importante para entenderlos como Lluvia, Aunque el Tiempo nos Separe y muchos más, que hicieron de este directo una recopilación de lo que había sido La Frontera desde sus inicios, aunque personalmente hubiera introducido temas como La Puerta de Atrás del Paraíso o La Ciudad. Después de esto estuvieron dos años de giras por todo el país ofreciéndonos un espectáculo musical muy difícil de superar por cualquier grupo español de nuestros días, para entonces el ínclito Quino Maqueda ya había abandonado el grupo.

Y fue en 1994 cuando sacaron al mercado su sexto trabajo, La Rueda de las Armas afiladas, que grabaron en Londres y no gozó de la suficiente promoción como para ser un gran disco en lo que a ventas se refiere, como en una entrevista con Javier Andreu el señor Lucki vaticinó, aunque hay temas que son una auténtica joya. En este disco hubo cambios en la banda como fueron Javier Pedreira a la guitarra y Mario Carrión a la batería, y por supuesto siguieron las dos almas del grupo Javier Andreu y Toni Marmota.

Tras este pequeño descalabro volvieron a la fórmula del directo en este caso en forma de básico Siempre Hay Algo que Celebrar, título sacado de una canción del mismo nombre y que incluyen en el nuevo disco. Incluyen 4 temas inéditos de los que destaco Tu Vida en un Papel y Pedro el Gitano, demostrando de nuevo su capacidad para hacer música con el contacto del público.

Tuvieron un parón importante hasta el año 2.000, cuando editaron Nuevas Aventuras, del que destacó la canción de la Pepsi No Vuelvas si Ella, Aleluya y Los Amigos de la Calle, no estando este disco a la altura de los anteriores debido a problemas de productoras que no les dejaron prepararlo como ellos hubiesen querido.

A pesar de no vender lo que ellos hubieran deseado siguieron en contacto con sus fans con la formula del directo, pues hay que dejar bien claro que a pesar de algunos parones y discos en solitario como el Libro de Cuentos de Javier Andreu (1999), La Frontera nunca se ha retirado del panorama musical español.

En 2003 se incorporan a la banda dos nuevos guitarristas procedentes de una banda madrileña que un buen día Javier Andreu fue a verlos en directo y les propuso unirse al nuevo proyecto de La Frontera, el grupo es Garaje Jack y estos dos fenómenos son Oscar Rama y Nico Álvarez, dando un sonido más guitarrero y sureño a La Frontera. A finales de este año ya está a la venta Tú Revolución, donde vuelven al sonido de antaño además de continuar en algunos temas con la línea de sus últimos trabajos. Se le da cierta promoción en cadena 100 y otras emisoras de radio pero sin darle toda la importancia que este trabajo se hubiera merecido. Para entonces ya habían roto con su anterior manager siendo llevados hasta la fecha por Music Bus.

Y llegamos a 2005 y a la espera de su último trabajo de estudio se publica 20 años y un Día, donde se seleccionan 20 temas de toda la carrera del grupo y en los cuales están muy bien resumidos esos 20 años que llevan en la música con sus altibajos, pero demostrando una gran profesionalidad y cariño por la música que hacen y por el público que les respalda. Suerte con este último disco y a subirse de nuevo en ese camión sin ruedas que os lleve directo al éxito.

En febrero de 2011 publican Rivas Creek, excelente trabajo que se compone de once temas y un bonus track, compuesto en su totalidad por el lider del grupo Javier Andreu. Este trabajo supone un regreso definitivo a sus raíces con el típico sonido fronterizo, además de temas muy personales. Y para presentar al disco se lanzan a un gira por toda España, pero por locales pequeños.

2015 marca el 30º Aniversario de La Frontera. Tras la salida de Nico, se incorporan Harry Palmer a la guitarra, Angelo Mancini a la trompeta y Charli Fierro... al piano. El grupo vuelve a Universal Music y el 2 de junio se edita el pack 2CD+DVD 30 Años en el Límite del concierto grabado en la sala El Sol de Madrid en febrero del mismo año. En mayo el grupo comienza una gira de más de 20 conciertos para celebrar sus 30 años en los escenarios.


🎸😎👎💅🥃



Cabalguemos...



Con la inolvidable voz de uno de los mejores dobladores de toda la historia de IBERIA...
Luke yo soy tu padre...
Constantino Romero 🎙️🎚️💣


#94

Mensaje 23 Feb 2021 18:54

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