Música

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Mensaje 05 Nov 2020 10:51

onlineramones77
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ramones77
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Re: Música

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Luce el sol por la mañana, por la tarde continuará, de madrugada habrá que abrigarse bien.
Noviembre, acercándose el invierno, resultados no propicios, y como comentamos en alguna ocasión, el que canta su mal espanta 🍷🎸🎙️
Con ellos empezo todo, años 50, Rock Ibérico con un par de cervezas, en recuerdo de los malos estudiantes ☠️



Buenos días 👍


Hablar de Los Estudiantes es hablar de los orígenes del rock ’n’ roll en España; es hablar, en definitiva, del primer grupo de rock de este país, y ahí es donde radica su importancia: consiguieron adaptar al gusto hispano los nuevos sonidos llegados desde Estados Unidos de gente como Elvis Presley, Chuck Berry o Carl Perkins, entre otros. Los Estudiantes sonaban a novedad, aunque la verdad es que no tocaban muy bien, su inglés dejaba mucho que desear, y ni sus formas de tocar eran muy ortodoxas ni su sonido era muy limpio -esto en parte a los deficientes equipos que se utilizaban en la época-. Pero eso, no es tan importante como el simple hecho de iniciar el camino.

Para encontrar el germen del grupo nos tenemos que trasladar a 1955, a un dúo compuesto por Pepe Barranco y José Fábregas, que eran compañeros en el Colegio de la Sagrada Familia de O’Donell de Madrid; el primero tocaba la guitarra y cantaba y el segundo tocaba la batería. Tiempo después José Fábregas fue sustituido por José Alberto Gosálvez. En 1957, en una fiesta que organizaba la Facultad de Medicina, se les acercó un chico, Rafael Aracil, que les dejó una guitarra eléctrica para que la tocaran en la actuación. Con ella tocaron “Blue suede shoes” de Carl Perkins y “Too much monkey business” de Chuck Berry. Pepe Barranco acabó con los dedos ensangrentados ya que no estaba acostumbrado a tocar las cuerdas de metal, pero como el público estaba entusiasmado, tuvieron que tocar otra más, que fue “Only you” de The Platters. Después del concierto Pepe Barranco aceptó enseñar a tocar la guitarra a Rafael Aracil y este se incorporó a la formación.



En el verano de 1958 se dedicaron a hacer actuaciones de un modo más profesional, tocando durante dos meses todas las noches un pequeño repertorio en el que destacaban las versiones de Elvis Presley y Gene Vincent. Fue en El Palmeral de Alicante y recibían seiscientas pesetas por show. De vuelta a Madrid entra Adolfo Abril, que se hace cargo del contrabajo y cuyo padre ideó el nombre de Los Cuatro Estudiantes. Durante un tiempo este nombre varía en función del número de componentes del grupo, pero al final lo dejaron por el que serían conocidos, Los Estudiantes. Adolfo está poco tiempo en el grupo, aunque lo justo como para participar en la primera película donde aparece la banda, “Pasa la Tuna” (José María Elorrieta, 1960). Poco después de ella lo deja para proseguir con sus estudios.

En 1959 ocurrieron muchos cambios en la formación: primero entra en el grupo Fernando Arbex, que se hizo con la batería en un ensayo cuando al oirle tocar dicho instrumento dijeron al hasta ese momento batería, José Alberto Gosálvez, que se fuera por un café; cuando regresó sólo encontró sin dueño el bajo. Otro cambio fue el de Rafael Aracil, que se fue a Inglaterra durante una temporada, siendo sustituido por Luis Arbex, hermano de Fernando. Para completar la formación también se incorporó José Luis Palacios, cuya guitarra en forma de ancla fue su sello de identidad y por el que todo el mundo le recuerda.


Ese mismo año surgió el contrato con Philips y grabaron su primer EP, que contenía “Ready Teddy”, “La bamba” y las instrumentales “Woo-Hoo” y “Me enamoré de un ángel”. Tuvieron a su favor el impulso de Ángel Álvarez, que era el discjockey de Caravana Musical, y de Ernesto Lacalle, presentador del programa Boîte de Radio Intercontinental. Y, aprovechando el tirón, volvieron a aparecer en la gran pantalla en la película “La Corista” (José María Elorrieta, 1960). Después del rodaje, volvió Rafael Aracil y entró en el grupo Luis Sartorius, sustituyendo a José Luis Palacios y José Alberto Gosálvez respectivamente.

Una fecha clave en el panorama musical español de la época es el 18 de noviembre de 1962, fecha en el que arrancan los míticos festivales del Price. Se celebraban las mañanas del domingo, y en solo dos años pasaron por su escenario los grupos más importantes de la época. De aquí surge su “rivalidad” con Los Pekenikes: en el escenario los dos montaban un duelo tocando, alternativamente, un tema cada uno, y al final Fernando Arbex solía levantarse de la batería y tocaba todo lo que se le ponía al alcance de sus baquetas, con lo que hacía al público enloquecer.

En 1963, grabaron su segundo EP que contenía “It’ll be me” y “Guitarra tango” más dos instrumentales escritos por ellos "Una estrella fugaz" y "Colette"; la salida de este EP les llevo a hacer muchas galas y con lo que sacaron compraron mejores equipos de sonido, por lo que mejoraron sus directos ostensiblemente. Poco después volverían a ser un cuarteto, ya que Luis Sartorious dejó el grupo para convertirse en el director artístico y de promoción de discos del sello Philips.

En 1964 grabaron el tercer EP compuesto por “Don Quijote”, “Pecosa”, “Poncho” y “La pulga”, todas instrumentales, y tres de ellas compuestas por Fernando Árbex. Ese mismo año Luis Sartorius deja Philips y decide montar Novola, que era una división del sello Zafiro destinada a lanzar al mercado la producción de artistas noveles, y, por supuesto, pensó en Los Estudiantes para este nuevo proyecto. Desgraciadamente poco antes de la Semana Santa moría Luis Arbex mientras hacía la mili. El golpe fue demoledor, pero eso no iba a ser todo, al fallecer Luis Sartorius cuando volvía a casa en su Seat 600. Dos duros golpes que noquearon por completo al resto de miembros de la banda.

Y así, el grupo pionero del rock ‘n’ roll español decidió dejarlo.Independientemente de que no lograran ningún tema de reconocido éxito y de no tener la repercusión que tuvieron otras bandas de la época, el tiempo les ha colocado en el sitio donde merecen estar. La suerte de los antiguos estudiantes fue diversa: Fernando Arbex lograría la fama con su siguiente grupo, Los Brincos. Pepe Barranco fue cantante en Los Pekenikes, antes de ser instrumentales, y después estuvo en Los Flecos, mientras Rafael Aracil pasaría por diferentes bandas madrileñas.


Otros dicen que todo empezo con los Pájaros Locos... primera pregunta del día, de dónde eran?
Caliente, caliente 🙈🙉🙊




En febrero de 1960 Los Estudiantes graban su primer EP, en mayo lo harán Los Sonor y en agosto, Los Milos. Sin embargo, Los Pájaros Locos ya habían publicado su primer disco en mayo de 1959, bajo el nombre de Conjunto Woody Walter, compartiendo microsurco con otros grupos y solistas de la época. En abril de 1960 publicarían su primer disco completo ya con su nombre habitual. En 1959 este grupo aparecería en directo en un programa de aquella incipiente televisión española. Es decir, podemos considerar con todas las de la ley a este grupo como uno de los auténticos pioneros de la música española.

La historia empieza bastante antes, justo el día que en la casa de la familia Mayolas, en Premiá de Mar, entra un extraño artilugio totalmente desconocido en España llamado guitarra eléctrica, y eso ocurre hacia 1957. Al año siguiente Salvador (guitarra) y su hermano Antonio (acordeón, vibráfono y órgano) hacen un viaje por Italia y Suiza del que vuelven convencidos de que deben formar un grupo musical a la usanza de los complessos italianos como los de Marino Marini y Renato Carosone. Este conjunto va a cristalizar junto a sus amigos José Cañada (piano), Piero Carando (bajo y cantante) y Lucho Guerrero (batería).



Se presentan al Primer Concurso de Conjuntos Musicales Universitarios y lo ganan, grabando el disco compartido -hoy inencontrable- al que hacíamos referencia al principio de esta biografía. En ese mismo certamen Los Blue Boys alcanzarían un segundo puesto.

Ya en 1960 fichan por el sello madrileño Variety, sucediéndose la grabación de discos, siempre con éxitos procedentes de Italia y Francia, casi siempre cantados en estos idiomas, por lo que muchos creían que se trataba de un grupo de procedencia extranjera afincado en nuestro país. El nombre del grupo se debe al famoso Woody Woodpecker creado por Walter Lantz, que en los albores de la televisión patria se anunciaba como Woody Walter para pasar pronto a denominarse El Pájaro Loco. Como ellos en el parche del bombo de su batería siempre llevaban este dibujo, en seguida el público empezaron a llamarles Los Pájaros Locos, y con ese nombre se quedaron.

Pasarán luego al sello Iberofón para el que harán la mayor parte de sus grabaciones más recordadas. Ésos sus años de esplendor en los que el conjunto actúa regularmente fuera de Cataluña. Así, por ejemplo, en Madrid actúan dos temporadas en Pavillion, una sala enclavada en el Retiro. También son atraccion habitual en las Fallas valencianas e invitados en el Festival del Mediterráneo de 1961.



En 1963 se van a producir varios cambios en la formación del grupo. Primero, entrará fugazmente el batería Ernesto Rodríguez. Luego él y Piero se marcharán del grupo para formar Los Gatos Negros, regresando Lucho a las baquetas.

El año 1964 fue casi un año en blanco debido a los cambios de personal, la mili de alguno y la finalización de las carreras universitarias de otros. Pero en 1965 van a volver a la actividad, pisando fuerte y con una importante campaña en la prensa especializada, ocupando la portada de la prestigiosa revista Fonorama en su número de enero de 1965. El conjunto se ha rehecho con la entrada de Manuel Catalán como cantante y bajo. También han cambiado de sello, pasando ahora a Zafiro.

Otra de las actividades de los Mayolas y su gente fue la creación de un gran taller en el que fabricaban equipos de sonido y amplificadores comercializados bajo la marca Tecnoson, bastante más asequibles que los que venían de fuera, que sirvieron para que muchos incipientes conjuntos dieran sus primeros pasos.

Los Pájaros Locos fueron ante todo unos pioneros. En 1957 ya estrenaron su primera guitarra eléctrica, tal vez la primera de este país. En 1960 editaron su primer disco propio con ritmos modernos. En 1961 subieron por primera vez a un escenario español un bajo eléctrico. En 1962 construyeron ellos mismos su primer eco rudimentario. A partir de 1965 emplearon únicamente equipos e instrumentos construidos en España, muchos de ellos fabricados por ellos mismos. Todos estos avances técnicos nunca se vieron acompañados por una música novedosa y permanecieron anclados en los temas melódicos y en el twist, por lo que pronto serían olvidados por un público joven que demandaba platos más fuertes para su mesa.

En 1985 van a regresar a la actividad, actuando en los siguientes años sobre todo en hoteles catalanes y en algunas galas. Ya en pleno siglo XXI el sello O.K. Records va a recobrar una selección de sus viejas grabaciones, editando un doble CD, que recoge sobre todo los primeros tiempos de este grupo pionero.


El dúo dinámico fue participe de aquellos inicios, mucho más acordé con un régimen que se abría poco a poco al exterior, manteniendo el suelo patrio a salvo de Rockeros 🎸 con muy malas costumbres.
Las bases americanas, sus radios, primeros bares, y juergas posteriores por las ciudades más importantes de Iberia, fueron sus progenitores, incluyendo los valientes pioneros Ibéricos en aquellos años tan oscuros dónde se empezaba a ver un mínimo destello de luz:




Sin movernos de Barcelona iremos avanzando ✊💙❤️
La historia del dúo como artistas, es fascinante y definitivamente atípica. Hijos de familias humildes, (de emigrantes vascos y aragoneses respectivamente), encontraron en su Barcelona natal todo lo necesario para el éxito, que exportaron inmediatamente a toda España y a Sudamérica. También como autores, productores o arregladores, muchas de sus obras han sido grandes éxitos por otros artistas desde Suecia a Australia, o desde Francia a Japón.

Se dice que el Dúo Dinámico debe su nombre a un locutor que se negó a presentar a aquella pareja de imberbes, Ramón Arcusa y Manolo de la Calva, como The Dinamic Boys, que era el nombre que habían venido utilizando hasta llegar a ese estudio radiofónico. Algunos lo atribuyen al desconocimiento del inglés del locutor, otros a su recalcitrante fobia contra los aliados, tan común durante el franquismo (durante muchos años habían estado prohibidos los nombres ingleses). Pero desde entonces y ya para siempre, incluso cuando quisieron adoptar otra imagen con el nombre de Manolo y Ramón, fueron el Dúo Dinámico, y sus admiradoras, enfrentadas a las del ídolo del momento, José Guardiola, fueron conocidas como las "dinámicas".

Manolo de la Calva y Ramón Arcusa fueron los primeros ídolos musicales autóctonos de la juventud española en los inicios de los años sesenta. Despertaron grandes pasiones entre los jóvenes y sus canciones -gracias a la radio- se convirtieron en patrimonio de una generación: 'Mari Carmen', 'Esos ojitos negros', 'Balada gitana', 'No juegues con el amor', 'Perdóname', 'Noches de Moscú', 'Amor misterioso', 'Óyeme', etc. Componían la mayoría de las canciones que cantaban, pero también interpretaron versiones de éxitos americanos, como 'Hello Mary Lou' o 'Adán y Eva'. Fueron protagonistas de películas como 'Botón de ancla' (1960, Miguel Lluch), 'Noches del universo' (1964, Miguel Iglesias; en ella también intervenían los Sírex, uno de los grandes grupos españoles de los sesenta), 'Búsqueme a esa chica' (1964, F. Palacios, junto a otra estrella juvenil, Josefa Flores González) y 'Escala en Tenerife' (1964, León Klimosusky).

El Dúo Dinámico, o Manolo y Ramón como se llamaron durante un cierto período de su carrera, eran la pareja perfecta para encarnar la nueva España que despertaba tras los oscuros años de la posguerra. Eran jóvenes, eran guapos y en sus canciones mezclaban las baladas y el rock and roll americano suave de raíz blanca con las melodías "latinas" tan propias del Festival de San Remo. Un cóctel que incluía todos los sabores necesarios para atraer a los jóvenes sin que los padres pudieran objetar nada a esta extraña combinación de modernidad (calypso, twist y rock and roll) y respeto por el patriotismo folclórico. Los años de sus principales éxitos no eran tiempos de elepés.

En aquella época imperaba el formato EP (en la actualidad prácticamente extinguido): discos del tamaño de un single en el que se incluían cuatro canciones, reproducidas a 45 rpm. Los elepés se empleaban para recopilar las grandes canciones de los artistas de éxito seguro, y de ahí deriva el nombre de "álbumes" con que son conocidos los discos de treinta centímetros. Por ello, la mayoría de los LP del Dúo Dinámico son antologías de sus éxitos periódicamente reeditados durante treinta años. Pero hay que tener en cuenta que fueron los auténticos protagonistas de los primeros guateques de los años sesenta y muchas parejas declararon su amor mientras se arrullaban al son de 'Perdóname'.

Trayectoria musical
Su primer disco se publicó en otoño de 1959. Su popularidad y venta de discos fue en ascenso, alcanzando el número uno de ventas y éxitos con canciones como "Quince años tiene mi amor", "Quisiera ser", "Perdóname", "Bailando el twist", "Mari Carmen", "Esos ojitos negros", "Amor de verano" "Somos jóvenes", "Lolita twist", "Como ayer" o " Resistiré".


Dos X uno, Barna La Nuit🌚👊

Evolucionando 🍻


En junio de 1959 tres chicos que vivían en los aledaños de la Gran Vía de Barcelona forman un conjunto para imitar los éxitos rocanroleros que venían de los Estados Unidos. Son Guillermo Rodríguez Holgado (bajo), Manolo Madruga (guitarra solista) y José Fontseré (guitarra rítmica). Deciden desde el principio denominarse Los Sirex, nombre propuesto por Guillermo, que trabajaba en la fábrica de gafas de su padre y le gustó esta palabra que nombra un hilo de ajuste de los cristales a la montura.

Por el grupo pasa algún batería hasta que se queda como fijo Luis Gomis de Pruneda. En esa época el cantante es Santi Carulla, con el que se presentan al concurso de noveles “El Show de las 2” (Joaquín Soler Serrano) de Radio Barcelona. Quedan segundos tras un grupo instrumental llamado Los Mustang y Santi se va con ellos. Algún tiempo después Sirex y Mustang serían los dos grupos más emblemáticos de la Ciudad Condal y sus respectivos fans rivales a muerte. Buscan un nuevo cantante y se fijan en Antonio Miquel Cerveró (Leslie), que pronto se convertiría en el líder y portavoz del grupo.



En 1961 se presentan en El Pinar, una cita obligada para los conjuntos barceloneses de la época. El Pinar era una especie de explanada semicubierta en la que una autoescuela hacía sus prácticas, pero que los domingos ofrecía actuaciones de grupos musicales a las que asistían en ocasiones más de mil personas. Allí se consagran como ídolos jóvenes y son contratados en varios barrios para amenizar sus fiestas. En esa época Los Sirex visten de cuero, se tiran por el suelo, ponen poses de rockers made in USA, aunque eso vaya en perjuicio del sonido y los guitarristas den una nota por otra, detalle de escasa importancia en este asunto del rock bronca. Sus letras tienen algún problema de censura, su fama les precede y varias casas discográficas rechazan al grupo.

Aparecen en la película “Superespectáculos del Mundo” (Germán Lorente, 1963), que recorre los espectáculos de variedades de la noche barcelonesa. En el poster de esa peli aparecen anunciados como “Los Sirex y sus Guitarras Eléctricas”. En esta cinta interpretan el tema “Muchacha bonita”. Algunos jóvenes van a las tiendas de discos a comprar esa canción, pero el disco no existe. Por fin, Vergara los ficha y a principios de 1964 aparece su primer EP con dicho título como estrella.


Segunda pregunta?
Como se llama el dicharachero cantante de los Sirex?⏲️🍷☝️

Sin movernos de Barcelona continuamos en busca del Monolito 🦴🦴🦴🦴🦴🦴🦴


Los Sirex cambian sus cazadoras de cuero por trajes al puro estilo mod, van abandonando el rockabilly inicial y se adaptan a los gustos beat que imperan en el momento, aunque manteniendo un inconfundible estilo y evitando en lo posible hacer covers de grupos ingleses, aunque en sus inicios no tuvieron más remedio que tragar con la costumbre impuesta por las casas discográficas de versionear en español temas que habían triunfado en los mercados anglosajones. Su potencial reside en su cantante Leslie y tras él, siempre en la sombra, Guillermo Rodríguez, bajista, compositor y arreglista de todos los temas del grupo. Un músico, éste último, de planteamientos instrumentales tan sencillos como efectivos, cuya sorda labor ha sido reconocida y valorada muchos años después por las nuevas generaciones de músicos.

A esa “Muchacha bonita”, siguen otros como el memorable “San Carlos Club”, en el que con la música de “Route 66” de Chuck Berry desarrollan un homenaje al lugar donde actuaban habitualmente. Ésta y otras canciones primerizas colocan al grupo en la primera fila de los grupos nacionales, pero les falta algo. Ese algo se lo va a proporcionar un compositor profesional, Laredo, que presenta, a través de la editora Músicas del Mundo una especie de copla titulada “La escoba”. Al grupo no les gusta nada. Leslie modifica la letra y Guillermo, a regañadientes, acepta hacer un arreglo moderno. El resto ya es conocido: nº 1 absoluto en 1965 y uno de los temas más populares del pop español de todos los tiempos. En la cara B de ese mismo disco, uno de los mejores temas de la banda: “El tren de la costa”. Este EP supera los cien mil ejemplares. En 1965 se calcula que el número de tocadiscos en España debía andar por medio millón o poco más. Así que calculen cómo sería el tamaño del éxito.

Entre 1964 y 1966 la actividad de Los Sirex es frenética. Actúan casi todos los días, con eventos tan importantes como el Festival en el Palacio de los Deportes de Barcelona junto a grupos como los suecos Spotnicks, Los Mustang, Los Diablos Negros y Lone Star. En julio de 1965 telonean a The Beatles en su única actuación en Barcelona. Cómo sería la actividad desplegada por el grupo que, tras esta histórica actuación, no se quedan a escuchar a los cuatro de Liverpool, sino que salen pitando hacia Calella, donde tocan tres horas después. En 1966 actúan en el Palacio de los Deportes de Madrid en el Festival de Ídolos que recoge los que se consideraban cinco grupos más famosos de la época: Los Relámpagos, Los Sirex, Los Mustang, Los Bravos y Los Brincos. También en esa época permanecen actuando casi a diario en Madrid, concretamente en la sala Imperator. Ahí comenzará una especial relación del grupo con la capital de España, a la que muchos años después dedicarían un disco. Por si todo esto fuera poco, se suceden los discos con canciones de éxito como “Que se mueran los feos”, que también alcanzaría el puesto cabecero de las listas, “Que bueno, que bueno” y ya en 1967 “Brindis” y “Faldas cortas, piernas largas”.



A partir de 1968 la estrella Sirex comienza a declinar un tanto, aunque todavía editarán trabajos tan importantes como un single con dos versiones magistrales: “¡Fuego!" y "Soy tremendo”,que de nuevo les auparán a los primeros puestos de éxito y ventas. En 1969 realizarán una larga gira por Sudamérica junto a Joan Manuel Serrat y Marisol. En 1971, en vísperas del nacimiento de la primera hija de Leslie y tras la retirada el año anterior de Luis, el batería del grupo, Los Sirex echan el telón para dedicarse a los negocios.

Pero ocurre que cuando se es un purasangre no hay más remedio que galopar. En 1977, en plena fiebre revival, el productor Gay Mercader reúne en el Palacio de los Deportes, bajo el título de “Hasta Luego, Cocodrilo”, a Los Sirex, Los Mustang, Los Gatos Negros, Los Salvajes y Los Cheyenes. A la cita acuden 18.000 personas. Los Sirex se animan y vuelven a la carretera, con el único cambio sobre el quinteto original del guitarrista Juanjo Calvo en sustitución de Manolo Madruga.

En 1978 Los Sirex, que tras su regreso apenas han actuado unas pocas veces, son invitados a participar en el Festival Canet Rock 78, alternando con la flor y nata de la música progresiva española más grupos como Tequila, Ultravox o Blondie. Su actuación está programada a las 7 de la mañana, hora infame reservada normalmente a grupos catalanes de segunda fila. Cuando Los Sirex arrancan con “El tren de la costa”, miles de jóvenes somnolientos abandonan precipitadamente sus tiendas de campaña, frotándose sus ojos y sus oídos. La leyenda Sirex queda allí escrita y una nueva generación ovaciona a ese grupo que alguna vez oyeron mencionar a sus padres. Después, varios LP en distintos sellos, actuaciones habituales en los veranos catalanes, antologías de su obra que venden miles de ejemplares y otra vez entre los diez primeros de las listas de ventas en 1980 con su single “Maldigo mi destino".

En septiembre de 2012, el primero de estos purasangres, el batería Luis Gomis, nos dejó para siempre. Pocos días después también falleció Manolo Madruga.


Tercera pregunta, a quienes versionan los increíbles Salvajes en esta canción 🛵🛵🛵🛵🛵🛵🛵



En algún momento se les presentó como los Rolling Stones españoles, pero Los Salvajes fueron bastante más que un grupo especialista en covers de hits extranjeros. Su personalidad en escena, su estética radical, su forma de perforar oídos con los amplis siempre a tope y las escasas y muy buenas canciones que ellos mismos compusieron lo presentan como uno de los más interesantes grupos españoles de los 60.

Su debut se remonta a la Nochevieja de 1962. Los siguientes meses son un trajín de cambios de componentes, ensayos cada domingo en casa de uno y ganas de hacerse un nombre entre los cientos de conjuntos catalanes que se dedicaban al rock y otras perversiones sonoras. La primera formación estable es la de Gabriel -Gaby- Alegret(cantante), Andy González y Francisco Miralles (guitarras), Enric Canals (bajo) y Delfín Fernández (batería). En 1964, Enric es sustituido por Sebastián Sospedra. La entrada de este último va a ser decisiva para que Los Salvajes comiencen a ensayar a diario y en serio. Actúan regularmente en el club San Diego, se presentan en el concurso televisivo Salto a la Fama y la casa Marbella, filial de Vergara, les da oportunidad de grabar su primer EP, que pasará con mucha más pena que gloria por las tiendas de discos.



En esa época, finales del verano de 1964, Bernard Schram, un promotor alemán de vacaciones en la Costa Brava, les escucha y les propone ir contratados a Alemania. El batería Delfín Fernández se queda en tierra al tener solo quince años y es durante ese tiempo sustituido por un batería teutón. Se presentan en el Star Palace de Kiel, el 1 de noviembre de 1964, después pasan un tiempo en Colonia, Hamburgo y otras ciudades del norte del país hasta completar ocho meses de duro aprendizaje rockero. Manuel Alegret, hermano de Gaby, les lía para regresar a la patria con un supuesto contrato para EMI, que les hace una prueba y les rechaza por ruidosos. Ya en septiembre de 1965 les surge la oportunidad de telonear a The Moody Blues en el Palacio de los Deportes de Barcelona. En palabras de Gaby: “Despues de aquella actuación entramos directamente en la EMI sin pruebas ni hostias”. Graban su primer EP para Regal, una de las divisiones españolas de la EMI, y la cosa no funciona. El estilo del grupo va dejando atrás el merseybeat y el pop para acercarse día por día al rhythm 'n' blues.


Con el siguiente EP va a cambiar la decoración. Entre los temas incluidos en él figura una gran versión de “Satisfaction”, que los mete de cabeza en todas las emisoras de radio y en el naciente y aún poco fiable hit parade hispano. No se conforman con clonar a los Rolling, sino que Los Salvajes aportan sus propias iniciativas. Tampoco pasan inadvertidas sus patillas, pelos, pantalones ceñidos, casacas coloridas y el aire de bravuconería que derrochan y que les hace quedarse con el respetable en cada actuación.

1966 va a ser el gran año de su carrera con tres EP en el mercado y dos en puestos cabeceros las listas de ventas. El acuerdo entre varias discográficas hispanas de sacar al mercado versiones españolas de los grandes de la música inglesa antes que los discos originales juega a favor de dos de las mejores grabaciones del grupo “La Neurastenia” (Regal, 1966)y “Todo Negro” (Regal, 1966)o lo que es lo mismo, “19th Nervous breakdown” y “Paint it black”. Venden en un primer momento tanto o más que los propios Stones. No solo hacen versiones de los Rolling, otros clientes del nuevo blues inglés, como Spencer Davis Group o The Troggs, también son filtrados por el tamiz macarra y salvaje. Las guitarras a tope, los pedales fuzz y la chulería del cantante ayudan y mucho al propósito de hacer de Los Salvajes uno de los grupos punteros.

Por esa época son vetados por conjuntos más comedidos en escena como Los Brincos o Los Sirex, que no quieren ni oir hablar de tocar en las mismas galas que ellos. En las caras B de estos discos van a aparecer también algunos temas propios, poco apreciados en su momento, que se han revalorizado con el tiempo. Ironía, mala leche y autodefensa a ultranza hacen de “Soy así” y “Es la edad” auténticos himnos que retratan un amplio sector generacional de los 60.

En 1967 publican un LP que recoge sus temas más conocidos junto a alguna novedad de fabricación propia. El grupo es un auténtico crisol de influencias y a finales de ese año se apuntan a la estética Sargento Peppers y, en general, a la sicodelia, publicando dos temas propios, “Las ovejitas” y, ya en 1968, “Los platillos volantes”, con letras y músicas lisérgicas, que son injustamente vapuleados por la crítica a pesar -o tal vez por eso mismo- de la vena innovadora que representan. Seguramente Los Salvajes eran más modernos de lo que la anquilosada sociedad española podía digerir.



Los Salvajes entonces comienzan a publicar una serie de singles para La Voz de su Amo, lo cual no significa cambio alguno, pues se trata de otra filial de EMI. La discográfica se empeña en que hagan las versiones españolas de las canciones que unos primerizos Bee Gees publican en Inglaterra con notable éxito. Son, en su mayoría, discos nutricios que van alejando al grupo cada vez más del estilo y el público que los encumbró, aunque en todos ellos encontramos aportaciones propias de gran calidad, que les hacen distinguirse, casi siempre para mejor, de los originales de partida.

A finales de 1968 va a entrar un sexto salvaje, Fran Mercader, para ocuparse de los teclados y la guitarra. Grabará con ellos sus dos últimos discos sencillos y, de hecho, sustituirá a Andy González, que ha agotado todas sus prórrogas militares. También abandona el grupo Gaby. Ya sin el carismático cantante cumplen los últimos contratos y ponen fin a su carrera en 1970. Sebastián Sospedra pasará a formar parte entonces de otro de los enormes grupos catalanes de siempre, Lone Star.

Ángel Casas en 1978 reúne a parte de Los Salvajes y los presenta en un monográfico del programa televisivo Musical Express. Reinician una carrera dentro del estilo heavy, demostrando la validez del refrán: "Segundas partes nunca fueron buenas". Gaby Alegret reclutará nuevos músicos con los que realizará nuevas grabaciones a principios de los 80 que no encontraron ningún eco y que ni siquiera suelen aparecer mencionadas en las discografías oficiales del grupo. En 1998, por fin, se cumple el sueño de reunir de nuevo a los cinco Salvajes para presentar la edición de su doble CD, en el sello Picap: “Hace 35 Años” (Picap, 1998) con 22 temas del grupo, seleccionados por sus propios componentes y dos canciones que compuso para la ocasión Tino Casal, que hubiera sido el productor del disco si antes no hubiera fallecido.

Hoy, Los Salvajes, son con toda justicia considerados uno de los mejores grupos españoles de los 60 y sus grabaciones, como los buenos vinos, han ganado en sabor y graduación con el paso de los años, hasta el punto que no es exagerado afirmar que son ahora más admirados que lo fueron en su tiempo.





El monolito nos dio respuestas que saben a Relámpagos, Bravos y a días de Capitán Trueno en aquellas escuelas lluviosas en Blanco y Negro.
🛑🚬💣🗡️🛡️
Con unos recuerdos finales...


Sin olvidar un viaje por las estrellas, después de vivir la tormenta ⚡🌦️☔🌃⭐



La revista Fonorama incluía en sus números publicados entre 1963 y 1965 una serie de entrevistas a cantantes y grupos con un cuestionario fijo. Una de las preguntas era: "¿Cuál crees que es el mejor conjunto español?". Más de la mitad de los encuestados contestaban que los mejores eran Los Relámpagos.

La historia de este grupo es la de unos muchachos madrileños entusiastas del rock instrumental en general y del conjunto Johnny and the Hurricanes en particular. La característica distintiva de este grupo norteamericano era que basaban su música en el órgano y el saxo en vez de en la guitarra eléctrica, lo que le confería un particular sonido vibrante. Estos cinco muchachos van a coincidir en 1961 en un concurso de la radio, van a abandonar sus incipientes conjuntos para formar otro llamado Dick y Los Relámpagos, que pronto quedará reducido simplemente a Los Relámpagos. Son Pablo Herrero (órgano), José Luis Armenteros (guitarra solista), Ricardo López (batería) y los hermanos Ignacio Sánchez Campins y Juan José Sánchez Campins (guitarra de ritmo y bajo respectivamente). Juntos van a recorrer toda la década sin más cambios que los coyunturalmente impuestos por alguna mili de sus componentes. Su local de ensayo se encontraba en la calle Empecinado, junto a la vieja fábrica de cerveza El Águila.



El primer contrato lo consiguen en 1962 en el Club Castelló, donde tocan seis horas diarias a cambio de dos vales de consumición por cabeza y las propinas que algún cliente les da. Los domingos por la mañana se les puede ver en actuaciones en colegios de la capital como el Sagrada Familia, el Ramiro de Maeztu, etc. La primera vez que pisan un estudio de grabación es como grupo de acompañamiento de Mike Rios (luego Miguel Ríos) y antes de acabar el año graban su primer EP propio. Su tema instrumental “Los vikingos” es muy bien recibido y será editado también en Portugal, Francia y Alemania. Su fama local se extiende rápido y por esas fechas actúan como plato fuerte en la primera matinal celebrada en el Price madrileño.

Durante 1963 y 1964 graban seis EP más para el sello Philips. Son discos que sin constituir éxitos arrolladores se venden bien y consolidan la fama del grupo en todo el país. Tras el verano de 1964 Luis Sartorius de Los Estudiantes les convence para que fichen por Novola, sello subsidiario de Zafiro en el que se pretendía promocionar la música juvenil. Los Relámpagos ya andan dándole vueltas a la idea de un cambio de estilo que tenga que ver con hacer una música instrumental genuinamente española. Conocen a Maryni Callejo, por entonces productora de Los Brincos, que les ayuda a perfeccionar su idea e incardinarla con el spanish sound, un tipo de música a caballo entre lo cañí y el rock que aparece con los primeros discos de gente como Los Brincos, Los Botines o Los Cheyenes. Claro que todos estos cantan y ahora se trataba de hacer temas instrumentales.



La idea no es ninguna novedad. Un año antes Los 4 Jets, Los Sonor y Los Continentales ya han hecho esporádicas adaptaciones instrumentales de temas populares españoles; sin embargo, Los Relámpagos serán los primeros en abordar el asunto de forma continuada. La idea de la productora y los músicos cuaja en unas sesiones de grabación verdaderamente decisivas realizadas en los estudios de la RCA, en Madrid. De aquellas sesiones en los estudios de la Avenida de América salen dos EP que van a situarse en el top 10, un magnífico LP y el mayor éxito popular del grupo “Nit de llampecs”, que se va a pasar más de cuatro meses entre los discos más vendidos.

El inconfundible estilo de Los Relámpagos se basa en encajar melodías procedentes de la música clásica nacionalista española, de la música folclórica o la copla en estructuras rítmicas y desarrollos musicales típicos de la música moderna de los 60. El órgano y la guitarra de punteo se alternan en el desarrollo de la melodía, mientras que el bajo y la batería forman un todo rítmico indisoluble. En ocasiones, una guitarra acústica o española hace labores de guitarra rítmica. El 19 de mayo de 1966, fecha que algunos consideran la puesta de largo del pop español es uno de los cinco conjuntos seleccionados para participar en el I Festival de Idolos, celebrado en el Palacio de los Deportes de Madrid y patrocinado por el Corte Inglés. Tras ellos, y por este orden, Los Mustang, Los Sirex, Los Bravos y Los Brincos.

Ese mismo año, 1966, Maryni se los lleva a los estudios SAAR, en Milán, de allí regresarán con el material suficiente para completar un par de álbumes que saldrán al mercado en 1966 y principios de 1967 con los títulos "Lo Mejor de Los Relámpagos" (Zafiro, 1966), que también contiene material grabado en España, y "6 Pistas" (Zafiro, 1967). Temas como “Danza del fuego”, “La santa espina” o “El baile del bufón” proceden de esas grabaciones italianas y se aúpan a los primeros lugares del hit parade. Todo este material también se edita con regularidad en Sudamérica y varios países europeos.



Hacia 1968, Los Relámpagos comienzan a perder parte de su brillo y ese mismo año José Luis Armenteros y Pablo Herrero abandonan para dedicarse en exclusiva a su faceta de compositores. El grupo se rehace pasando Juanjo Sánchez Campins a la guitarra solista y su hermano Ignacio al órgano.

Cambian de casa discográfica y recalan en la RCA donde grabarán un excelente e injustamente tratado LP titulado "Páginas Musicales de la Historia de España" (RCA, 1969). Ricardo, Juanjo e Ignacio, junto a distintos músicos seguirán a trancas y barrancas con el proyecto Relámpagos hasta 1972 en que el grupo se deshará oficialmente. Entre tanto, el tándem Pablo Herrero y José Luis Armenteros se ha convertido en la pareja de compositores que más discos venderá en España en la década de los 70. En los años que van de 1969 a 1975 trabajan a destajo escribiendo un éxito tras otro para Nino Bravo, Fórmula V, Rocío Jurado, José Luis Rodríguez El Puma, Braulio y un largo etcétera.

Aún aparecerán tres nuevos larga duración del grupo. El primero es un trabajo casi particular de Pablo y José Luis destinado a una serie de dibujos animados para televisión con motivo del Mundial de Fútbol 82, celebrado en España. El segundo en 1990 es un buen trabajo de los hermanos Sánchez Campins en un intento serio de reflotar el grupo que durante algún tiempo vuelve a la carretera… y a la televisión. El último es un nostálgico trabajo también de los hermanos Sánchez que para Juanjo va a ser su despedida definitiva, pues se marchó para siempre en 2008.

Los Relámpagos han sido como nadie corredores de fondo de la música y lo digo por sus discos reeditados una y otra vez en vinilo, en CD, en copias fieles a los originales, en recopilatorios de éxitos y de mil maneras más, pero siempre con un apreciable número de ventas. Sellos como Zafiro, RCA, Caudal y Rama Lama han puesto casi cada año en el mercado discos y más discos con las grabaciones originales del grupo. Los Relámpagos, en cambio, no han sido grupo de grandes hits, pero al final han acabado vendiendo tanto o más que esos números uno, pues muchos años después de haber sido grabados, sus discos seguían vendiéndose en cantidades apreciables y eso sólo está al alcance de los más grandes de la música y de aquellos que han sabido construir un estilo original y permanecer fieles a él.



Apuntemos finalmente dos detalles pocos conocidos. Los Relámpagos es el único conjunto instrumental español que aparece en las historias universales de la música rock en el apartado de conjuntos instrumentales, compartiendo plano de igualdad con Shadows, Spotncks, Ventures, etc. Un segundo detalle: en Estados Unidos se editó hace unos años un disco titulado “New Word Relámpagos” (Sirena, 2000) en el que jóvenes grupos y solistas instrumentales norteamericanos interpretaban versiones de las más famosas canciones del grupo español.

En 2014, el grupo se rehace con tres componentes históricos: Ignacio Sánchez-Campins, Ricardo López Fuster y Vicente Pastrana, más la incorporación en la guitarra de otro ilustre veterano: José Antonio Soler, procedente de Los Rangers y Los Jets, que va a sustituir a los fallecidos guitarristas: Juanjo Sánchez y José Luis Armenteros. Esta última formación grabará en 2019 un interesante: "Reflejos de Copla" (Rama-Lama).

Otros muchos músicos han pasado por la formación de Los Relámpagos de forma accidental como sustitutos y colaboradores para grabaciones determinadas. Gente como Vicente Pastrana, Juan Camacho, Fernando Mariscal, que en sus años juveniles estuvo en Los Polaris, Victor Gines, de Los Diablos Negros, o los más recientes Juanjo Sánchez Junior, Eduardo Talavera, Vicente Burgos, o el primer bajista del grupo, Paco Romero. No queremos minimizar sus aportaciones, pero en la lista de componentes del grupo es de justicia colocar solo a los cinco relámpagos que se encontraron casi por casualidad en el programa Ruede la Bola de Radio Madrid en 1961 y que desde ahí consolidaron uno de los más respetados, admirados y recordados grupos de la historia del rock español.





El mejor grupo instrumental de los 60.s nada bailarines o embusteros.
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Para empezar, pongámonos en situación. Estamos cabalgando entre los últimos años de la década de los 50 y los primeros 60 en España. Lo que se oye en la radio es, fundamentalmente, copla y canción melódica. Un puñado de chavales, acá y acullá, empiezan a dar sus primeros pasos en la música con un nuevo género que acabará imponiéndose en las preferencias de la juventud, el rock. Habitualmente, de forma tradicional aunque un tanto imprecisa se distinguen dos escenas de germinación: Barcelona, lugar de origen de Los Sirex y Los Mustang, y Madrid, en la que nacen, entre otros, Los Estudiantes, Los 4 Jets y Los Pekenikes.

Los Pekenikes, cuyo nombre derivaba de la juventud de sus componentes (andaban alrededor los 16-18 años), nacen en marzo de 1959 en el instituto Ramiro de Maeztu de la capital española, procedentes de una proto-formación amateur anterior llamada Los Hermanos Sainz y Su Conjunto. Estos “Hermanos Sainz” eran Lucas y Alfonso, guitarra y saxofón respectivamente, siendo fundamentalmente el segundo de ellos, el mayor, el considerado cabeza destacada de la banda por aquellos años. Junto a ellos estaban Ignacio Martín Sequeros, bajo y armónica, procedente del Dúo Marvic y uno de los principales compositores del grupo; José Nieto, batería, y Edilberto “Eddy” Guzmán -no confundir con Eddie Guzmán, miembro de Rare Earth-, cantante. Empezaron dando conciertos en su propio instituto, a los que complementaron diversas apariciones en Radio Intercontinental. Aunque, más o menos, esos serán los miembros que darán forma al combo en esos primeros tiempos, las alteraciones de la formación serán muy habituales, que será igualmente inevitable al paso de los años debido a su dilatada carrera. Primeramente, entra Tony Luz (llegado de Los Tigres, donde también militaba Luis Eduardo Aute) a encargarse de la segunda guitarra, a lo que sigue el momentáneo abandono de Pepe Nieto, haciéndose cargo de la batería el propio Eddy para la grabación de su primer EP, “Madrid / Apache / Ramona / Jinetes en el Cielo”, (Hispavox, 1961). En este 7’’ encontramos los típicos componentes de aquellos primeros discos: versiones de éxitos del rock and roll anglosajón debidamente adaptados al castellano si es necesario -aquí se incluyen dos instrumentales, premonitorios- junto a otras de conocidos temas españoles de la canción popular. Tras su publicación, Eddy dará sus primeros pasos como solista antes de unirse a Los 4 Jets, y Pepe volverá a hacerse con las baquetas del grupo. Habiendo perdido a su vocalista, al mismo tiempo se incorpora al conjunto Antonio Morales “Junior”, procedente de Los Jump -donde también estuvo su hermano Ricky Morales antes de ingresar en Los 4 Jets- y con el que publicarán sus tres siguientes EP. El segundo de ellos, “Madison & Locomotion” (Hispavox, 1962), contiene la primera pieza originalmente compuesta por Los Pekenikes, titulada “Viento inca”.



Por aquella misma época se inician las matinales del Price, de cuya organización se encargaba el propio Pepe junto a su hermano Miguel Ángel Nieto, posteriormente bien conocido como locutor de radio. En la primera sesión, organizada el 18 de noviembre de 1962, actuaron, además de Los Pekenikes, Ontiveros, Dick y Los Relámpagos -luego conocidos simplemente como Los Relámpagos-, Eddy -el mencionado Eddy Guzmán-, Los Tonnys -que ampliarían su nombre a Micky y Los Tonys- y Los Cinco Estudiantes -poco después, Los Estudiantes, germen de Los Brincos-. Fuera de cartel, también actuaron The Diamond Boys, grupo gibraltareño del que formaba parte Albert Hammond. A pesar del enorme éxito que estas matinales cosecharon a lo largo de quince ediciones, las presiones de ciertos grupos sociales acabaron desembocando en su prohibición. Sin embargo, la experiencia fue vital para la juventud de la época, y no solo -aunque sí fundamentalmente- la madrileña: también para los grupos, que ampliaron su público.



Para el año siguiente vuelven a producirse cambios, esta vez más importantes, ya que Pepe se retira definitivamente de la banda, iniciando, al cabo de los años, una exitosa carrera como compositor de sintonías para cine y televisión, galardonada con varios Goya. Su sustituto en Los Pekenikes fue Pablo Argote, pero ahí no queda todo, ya que, como se indicaba algo más arriba, Junior abandonó también la formación y fue reemplazado por Juan Pardo, el cual procedía de Los Teleko, conjunto disuelto poco antes. Si, como se señalaba, “Viento inca” fue la primera composición original de Los Pekenikes, con Juan Pardo firmaron “Eso fue tu amor”, publicado en “Eso Fue Tu Amor / Please, Please Me / Hully Gully / América de West Side Story” (Hispavox, 1964), su primera canción vocal, ya que la anterior era instrumental. Ese mismo año también empiezan a colaborar con Karina como conjunto de acompañamiento, tarea que compartieron con otras bandas, como Los Continentales. Los Pekenikes y Karina ya habían participado juntos en diversos espectáculos en directo, pero su primera grabación fue el flexidisco promocional “Corazón / Dile” (Hispavox, 1964), siendo la última una versión alternativa a la publicada en “Si Fuera una Princesa / Me Voy / Dile / Si mi Almohada Hablara” (Hispavox, 1963). Poco después Tony Luz y Karina iniciaron una relación sentimental, que se destaca por el inminente peso que tuvo en la carrera de ambos. La colaboración de grupo y vocalista se extendió a lo largo de diversas grabaciones y composiciones, incluidas las que la jienense interpretaba para el film “Los Chicos del Preu” (1967) de Pedro Lazaga. Hablando de cine, Los Pekenikes aparecerán, ya en imagen, en "Escuela de Enfermeras" (1965) de Amando de Ossorio, junto a Carlos Larrañaga y Paloma Valdés.

Aunque Los Pekenikes eran ya un grupo reputado, el primer éxito importante les llegó con su siguiente EP, el primero de sus discos producido por Rafael Trabucchelli, “Los Cuatro Muleros / Vete Ya / Mírame / El Soldado de Levita” (Hispavox, 1964), gracias a la adaptación instrumental del popular tema que lo abre. Ese fue además el último disco que Juan Pardo grabó con la formación, tras el cual ingresa en Los Brincos. Su puesto en Los Pekenikes lo ocupó Pepe Barranco, que venía precisamente de Los Estudiantes y al que no había seducido la idea inicial de formar parte del nuevo proyecto de Fernando Arbex. Con él participaron en otro de los grandes eventos musicales del momento: el concierto de The Beatles en Madrid.



The Beatles dieron su primer concierto en España en la plaza de toros de Las Ventas, Madrid, el 2 de julio de 1965, y al día siguiente en Barcelona. El espectáculo, presentado por Torrebruno, se dividió en dos partes, una primera en la que actuaban los teloneros, en cuya parte central tocaron Los Pekenikes, y la segunda exclusivamente para los de Liverpool. Como es de esperar, todas las crónicas del suceso se centran en la actuación de los ingleses y poco se sabe de qué hicieron los madrileños. Sí se sabe que no hubo lleno -el precio de las entradas era altísimo- ni buen sonido, lo que sirvió a algunos para rebajar la importancia del acontecimiento. De todos modos, si haber visto a The Beatles en directo es algo digno de contar a los nietos, no digamos ya haberlos teloneado.

Continuando con la trayectoria de Los Pekenikes, Pepe Barranco solo estuvo con el conjunto por la grabación de tres EP para después pasar a formar Los Flecos. Con él se marchó también Pablo Argote, por lo que de nuevo Los Pekenikes se encontraban sin batería ni cantante. Y, cosas de la vida, fue de nuevo Eddy Guzmán quien se hizo cargo de ambos puestos una vez finiquitados Los 4 Jets. Así publican el que sería su último EP, “La Gitana / No Te Molestes / Estoy Bien / Nadie Como Tú” (Hispavox, 1965).

Sin embargo, los acontecimientos se precipitan. Los Brincos han publicado ya su primer LP y es inminente la edición de un segundo, por lo que Hispavox apremia al grupo para editar el suyo y no rezagarse. Cuando se disponen a ello, Eddy Guzmán se marcha repentinamente a Filipinas, de donde era oriundo, tras la muerte de su padre. El grupo nunca más vuelve a saber de él. Según cuenta Eduardo Bartrina (Los Jets) en sus memorias, Edilberto no regresó y murió en su país hace años. El caso es que los Pekenikes sí consiguen un batería, Jorge Matey, ex-miembro de Los Sonor, pero aún necesitan un nuevo vocalista. Dadas las experiencias anteriores, el grupo decide grabar un álbum enteramente instrumental, y así se produce el gran aporte de Los Pekenikes a la historia musical española.



“Los Pekenikes” (Hispavox, 1966) conjuga magistralmente todo lo que el grupo había ido desgranando en sus discos anteriores, pero más refinado y, desde luego, mejor acabado. Muchas de las canciones que componen el álbum han acabado convirtiéndose en clásicos de los 60, pero probablemente la más popular sea la evocadora “Hilo de seda”. El éxito es enorme y se extiende incluso al extranjero, siendo uno de los primeros grupos españoles en conseguir sonar más allá de nuestras fronteras, editándose en México, Estados Unidos y sonando en emisoras de buena parte de Europa. La nueva orientación del sonido requiere de una mayor sección de vientos, por lo que se incorporan, en principio de manera aún oficiosa y posteriormente ya definitiva, Pedro Luis García y Vicente Gasca. Aparte, Jorge Matey, gran aficionado a las motos, sufre un accidente que le aparta de la ejecución de su instrumento y es sustituido por Félix Arribas, un batería procedente de Los Silvers. Con esta formación se grabará “Los Pekenikes” (Hispavox, 1967), que continúa el camino emprendido en el anterior álbum pero acentuando su lado más rítmico. En este LP, además, encontramos algunas piezas que un tiempo después formaron parte de la banda sonora de la película “La Tonta del Bote” (1970) de Juan de Orduña, cuya sintonía original compuso igualmente Alfonso Sainz.

Llega entonces una época difícil para Los Pekenikes que se extenderá hasta el cambio de década. El primer varapalo no es sino el que sufrieron casi todas las bandas de la época, la incorporación al servicio militar obligatorio de sus componentes. Por aquel entonces la mili duraba bastante tiempo y para muchos grupos supuso la certificación de su defunción; algo así como enfrentarse al mundo real. Los Pekenikes lograron sobrevivir y como buenamente pudieron grabaron su tercer LP, “Alarma” (Hispavox, 1969), sin Lucas, que estaba cumpliendo con la patria, con Antonio Obrador, ex -miembro de Los Continentales, reemplazándole momentáneamente y la breve incorporación de Antonio Brito. En este disco participa Waldo de los Ríos en algunos arreglos y es donde el grupo inicia algunas experimentaciones en su sonido. Sin duda, la más relevante fue la incorporación de dos canciones cantadas, ambas composiciones de Alfonso Sainz, siendo una de ellas, “Cerca de las estrellas”, interpretada por Félix, uno de los techos creativos indiscutibles del grupo, una mención obligatoria al hablarse de Los Pekenikes, en el que introducen elementos psicodélicos a su sonido.

Con todas estas idas y venidas de miembros por causa de su formación militar, algunos deciden crear un proyecto paralelo, Taranto’s, junto a otros tantos miembros de Los Pasos. Este se da de forma un tanto anónima debido a que Los Pekenikes no podían editar con otros sellos debido a que estaban en contrato con Hispavox. Los Pekenikes aportan a Lucas e Ignacio, mientras que Alfonso se encarga de la producción. Por su parte, Tony Luz se encarga del diseño de la portada del álbum, que será editado por el flamante sello de los hermanos Sainz, Guitarra. El álbum, “Opus Pi (3.1416)” (Guitarra, 1969) tendrá una discreta acogida, pero en él se han querido ver indicios del origen del rock andaluz, otorgándole por ello un lugar singular en el devenir de la historia del rock español.



Para rematarlo todo, la incorporación de nuevos componentes provoca una clara escisión en la banda que llega al punto de que durante un breve tiempo hay simultáneamente dos conjuntos llamados Los Pekenikes, lo que creó algo de confusión y favoreció poco al conjunto. Por un lado, Lucas Sainz, Tony Luz y Pedro Luis García, con el auspicio de Alfonso y, especialmente, de Rafael Trabucchelli, publican “Ss.Ss.Ss.Q.E.S.M.” (Hispavox, 1971). En este disco participan además los colombianos Álvaro Serrano, Yamel Uribey Guillermo Acevedo, fogueados en diversas y prestigiosas bandas de su país, más los españoles Rodrigo García, también procedente de Colombia, y Juan Jiménez que, junto a los mencionados Guillermo y Yamel, formó parte del efímero grupo Primer Wagon, que editó un sencillo con Guitarra. Por el otro, el resto de componentes de los que se pretendía prescindir, que ha fichado por Movieplay, editan el sencillo “Nobles Contra Villanos / El Valor de 6 Penikes” (Movieplay, 1971). Finalmente este segundo grupo es el que se lleva el gato al agua y retiene el nombre. Del otro, Lucas se dedica al automovilismo, una de sus grandes pasiones, y deja atrás la música para reaparecer brevemente con un disco en solitario publicado a mediados de los 70. Su hermano Alfonso marcha a Estados Unidos para ejercer su profesión, la ginecología, y años después retoma su trayectoria artística como solista, en Estados Unidos primero y después en España, mientras que Tony da forma a los últimos años de esplendor de la carrera de Karina, tras lo cual funda los grupos Zapatón y Bulldog. Juan Jiménez, que había participado en el último LP de Hispavox, se pasa a Los Pekenikes de Movieplay -ya los únicos Pekenikes-, a los que también se unen José Vicente Losa y Fernando Martínez. Así llegará uno de sus últimos grandes éxitos, por no decir el último, “Palomitas de maíz”, versión del popular “Pop corn” de Gershon Kingsley. La canción se incluyó en el primer LP con su nuevo sello “Los Pekenikes” (Movieplay, 1972), también conocido como “El coche” debido a su espectacular portada desplegable.

Fernando estará poco tiempo en la banda y a su salida se incorpora Manuel Mas. Al fin los Pekenikes encuentran una formación asentada y estable que se mantiene firme; serán raros los cambios a partir de entonces. Sus miembros ya rondan la treintena y compaginan su labor en el grupo con otras actividades profesionales, pero durante el resto de la década siguen editando discos con regularidad. Tras la grabación de “Saltamontes” (Movieplay, 1973), es a José Vicente, el más joven del grupo, al que le toca hacer el servicio militar, y por recomendación suya se incorpora como sustituto temporal Salvador Domínguez, que grabará junto al grupo su último disco en Movieplay, “Cachimba” (Movieplay, 1977). Aún editan un nuevo disco con apenas difusión el año siguiente, pero a partir de entonces la actividad de Los Pekenikes pasa a un segundo plano en los quehaceres de sus componentes -Félix funda su sello Lady Alicia Records, con el que editará material de su banda Félix Arribas Hot Band, así como "Scanner" (Lady Alicia, 1984) de Los Pekenikes- si bien en ningún momento renuncian a la banda, que seguirá adelante fundamentalmente a través de un puñado de conciertos cada año.



Sin embargo, todavía quedan por destacar dos discos. El primero, “Tren a Memphis” (Zafiro, 1986), vuelve a reunir a los miembros activos de Los Pekenikes con los hermanos Sainz. En este disco se hacen nuevas lecturas de algunas de sus viejas canciones junto a otras tres nuevas compuestas por Lucas. El segundo, diez años después, y con la última incorporación de Paco Gómez en los teclados, se titula “Diáspora” (Fonomusic, 1996) y que cuenta con la colaboración de Teddy Bautista, Ex-Canarios, en la versión de la conocida canción de Ray Charles “What’d I say”.

Así se cierra este repaso por la andadura de uno de los grupos indispensables para conocer el origen del rock en España, y uno de los fundamentales de la música de los 60, no sin antes recordar a los que se marcharon para siempre: Alfonso, fallecido en 2014 en Viera (Florida, EE. UU.), mismo año en que también murió Junior; Toni, que nos dejó a finales de 2017 en su Madrid natal a los 74 años, así como Jorge Matey, fallecido ya hace muchos años. A lo largo de los años, sus canciones han aparecido en películas, series, anuncios y programas de televisión, multitud de recopilatorios y se les menciona en libros y artículos sobre la época habitualmente, formando parte del imaginario popular, aun incluso de aquellas personas que desconocen a los autores de esas canciones.



#42

Mensaje 05 Nov 2020 15:35

onlineramones77
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El primer grupo que rompió fronteras, con uno de los mejores cantantes al frente.
Con permiso de los Brincos.
Negro es negro.Con solo oir mencionar a Los Bravos nos viene instantáneamente a la cabeza un ritmo obsesivo marcado por el bajo y la batería y al que poco a poco se van sumando el resto de instrumentos hasta que una voz nos dice aquello de “Black is black / I want my baby back / It's grey, it's grey / since she went away”. Para bien o para mal, Los Bravos siempre serán asociados a una canción, a esta canción. Para nosotros fueron el primer grupo nacional que rompía fronteras y conseguía llegar a los puestos más altos en las, hasta esos momentos, impenetrables listas británicas y estadounidenses; para los ingleses Los Bravos no serían más que el típico grupo One Hit Wonder, ya que su fama mundial solo se debe a esta canción; pero no adelantemos acontecimientos...

Para encontrar los orígenes de Los Bravos hay que situarse en un día de 1965 cuando en la discoteca madrileña Jaima se encuentran el grupo madrileño Los Sonor y el mallorquín Mike & The Runaways. El grupo nace de la fusión de ambas formaciones, así de los antiguos Los Sonor son el guitarrita Antonio Martínez y el teclista Manolo Fernández, y del grupo balear el cantante Michael Volker Kogel, más conocido como Mike Kennedy, el bajista Miguel Vicens y el batería Pablo Sanllehí. En sus primeros bolos juntos siguen conservando el nombre de Los Sonor hasta que en uno de ellos les ve un antiguo componente del grupo; era Manolo Díaz, que en esos momentos trabajaba en el departamento de promoción del sello Columbia. Manolo piensa que con una buena campaña pueden tener posibilidades de éxito y para ello habla con el afamado productor Alain Milhaud. Este les fue a ver en un concierto y automáticamente les quiso contratar; a pesar de algunas reticencias iniciales el grupo acepta. Como Alain Milhaud no quería repetir experiencias pasadas con otros grupos, les hizo firmar un contrato en el que ejercía un poder absoluto en las decisiones del grupo, desde la actividad discográfica, a la indumentaria, pasando por las entrevistas y el empleo del tiempo libre, nada tenía que dejarse al libre albedrío. Antes de poder firmar tenían el problema de que todavía tenían contrato en vigor con el sello Philips, pero estos, al enterarse de la contratación de Mike y del abandono del grupo de los temas instrumentales, rompieron el contrato y el grupo obtuvo la carta de libertad.



La compañía les lanzó como Los Nuevos Sonor, pero sabían que con ese nombre no iban a ningún lado y pronto decidieron cambiarlo. Para ello, a raíz del lanzamiento del que sería su primer single “It’s Not Unusual / No Sé Mi Nombre” (Columbia, 1966), y aprovechando el nombre de la que sería su cara B, organizaron un concurso para que los fans les bautizaran. Hasta aquí todo parece nada más que una campaña publicitaria de lo más normal pero no era así. Antes de todo esto Milhaud había ido con un acetato -un disco que sólo se podía poner unas 4 ó 5 veces antes de que fuese inservible- a la Cadena SER para ponérselo a Tomás García Blanco, director del programa El Gran Musical. A Tomás les gustó y entre ellos decidieron organizar toda la parafernalia correspondiente para hacerles publicidad. En realidad el nombre ya estaba decidido de antemano, Manolo Díaz fue su ideólogo y a todos les gustó; Los Bravos sonaba y se escribía de igual modo en diferentes idiomas. Para que todo fuese “legal”, Manolo mandó la postal para que fuese elegida. Pero esto no era el final sino el principio de toda la operación publicitaria que tenían pensado: para su presentación oficial se decidió hacer una edición especial de El Gran Musical en el Teatro de la Zarzuela en la calle Jovellanos, siendo la primera vez que este teatro se abría a un grupo pop. Y para rematarlo la cadena SER retransmitiría en directo el recital. Fue un gran éxito e hizo que la industria musical se diese cuenta del poder de comunicación de los medios radiofónicos.



Milhaud estaba satisfecho con el impacto inicial que tuvo el grupo pero quería más, veía que el grupo podía ir más allá e intentar el triunfo internacional, pero para intentar semejante locura primero tenía que convencer a los altos directivos de Columbia España. Si bien Enrique Inurrieta era reticente, la amistad que tenía Milhaud con el otro directivo, Augusto Algueró, le valió para emprender la aventura. Así los tres viajaron a Londres para entrevistarse con los mandamases del sello Decca. Estos a su vez les recomiendan que hagan una visita a una mansión situada en Park Lane. Allí estaba situada la sede administrativa de Radio Caroline, radio pirata que transmitía desde un barco en el Canal de la Mancha. Se entrevistaron con Phil Solomon que después de escuchar un poco del acetato que llevaban les dijo que con esos temas no iban a triunfar allí pero que había algo que le convencía y llegaron a un acuerdo. Envió un arreglista a Madrid con algunos temas, se escogieron unos cuantos y viajaron a Londres para grabarlos. Si la producción era buena, nada más y nada menos que Decca los publicaba en el Reino Unido y Radio Caroline los emitía, aunque todos los gastos corrían por cuenta de Columbia.

Poco tiempo después viajó a Madrid Ivor Raymonde, el arreglista prometido con una treintena de temas de los cuales en una primera criba “Black is black” se quedaba fuera, pero Milhaud y Raymonde la incluyeron a pesar de que al grupo no le parecía nada del otro mundo. Viajaron a Londres para grabar los diferentes temas, pero solo grabaron Mike en las voces y el resto del grupo en los coros. Los instrumentos fueron tocados por músicos profesionales del sindicato inglés. Era una práctica habitual en la época, hay que recordar que los primeros en romper con esta práctica fueron Los Brincos. Además que dicho sindicato no permitía que su gente tocara con otros musicos que ellos no consideraban a la altura.

El resultado final fue un éxito total, “Black is black” fue número uno en España durante doce semanas, llegó al número dos en las listas inglesas de singles y al número cuatro en la Billboard estadounidense. Pero lo que parecía el despegue de una impresionante carrera musical internacional no fue más que un leve fogonazo: para su segundo single en el mercado inglés se presionó para que fuera el tema “I don’t care”, canción compuesta por el A&R de Decca y el arreglista Ivor Raymonde que alcanzó el puesto decimosexto más por la inercia del “Black is black” que del tema de por sí. Para Estados Unidos se eligió “Bring a little lovin’”, gran canción compuesta por The Easybeats, pero a pesar de que tuvo un relativo éxito la gira acabó por sepultar todas las esperanzas del grupo; sirva como ejemplo que en Turquía tuvieron que salir escoltados del local debido al lamentable aspecto con el que salió Mike a cantar gracias a ciertas sustancias alucinógenas proporcionadas por un taxista y que en Estados Unidos estuvieron a punto de cancelarla porque Mike no se quería vacunar -algo imprescindible para entrar en el país-. Al final aceptó, pero lo que mal empieza mal acaba, y esta no iba a ser la excepción.



Durante este tiempo en España mantuvieron su fama y popularidad, ya se encargaba Milhaud de que eso fuera así; para ello se hacía valer de cualquier arma a su disposición como para el lanzamiento del single “La Moto / La Primera Amistad” (Columbia, 1966).“La moto” era un tema compuesto por Manolo Díaz que en un principio se lo había cedido a Los Pasos, pero Milhaud presionó para evitar que lo grabaran antes que Los Bravos ya que la legislación vigente en la época permitía al autor impedir la primera publicación de una canción, si bien perdía ese derecho una vez editada por cualquier artista. Al final Los Bravos la lanzaron en primer lugar y se llevaron la batalla editorial ya que el single alcanzó el número uno de las listas de éxitos nacionales. Para completar un ajetreado año lanzaron su primer álbum, el homónimo “Los Bravos” (Columbia, 1966), con los temas que grabaron en las sesiones londinenses del grupo y que contenían la mayoría de éxitos que habían cosechado durante ese mismo año.

Al año siguiente les invitan a participar en el festival de San Remo con la cara A del single “Une Come Noi / Don't Be Left Out in the Cold” (Columbia, 1966), pero en un festival predominantemente vocal un grupo poco tiene que hacer y se quedan fuera de la final. Pero ese año, aparte de intentar ganar festivales, también se dedicaron al cine, y es que el segundo disco de Los Bravos “Los Chicos con las Chicas” (Columbia, 1967) fue ideado para ser la banda sonora de su primera película “Los Chicos con las Chicas” (Javier Aguirre, 1967) y que fue rodada en los estudios de los hermano Moro. A pesar de que la película no destacara por su calidad fílmica, la misma fue un éxito en taquilla ya que ofrecía lo que querían los seguidores del grupo; eso, sumado al lanzamiento de su tercer EP, “Los Chicos con las Chicas” (Columbia, 1967), les mantuvo en la cima de popularidad ya que la canción que daba nombre tanto al disco como a la película fue su último número uno en las listas de éxitos españolas.



Esta no sería la única incursión en el mundo del celuloide de la banda, ya que al año siguiente rodarían “Dame un Poco de Amooor...!” (José María Forqué, 1968), película de aventuras con secuestros, chinos y un malvado que quiere dominar el mundo. Las canciones de la película fueron incluidas en el tercer álbum del grupo, “Dame un Poco de Amor" (Columbia, 1968). Eran tiempos felices para el grupo pero ese año, 1968, empezaría el principio del fin. En marzo de ese mismo año el teclista Manolo Fernández se casa con Lotty Rey y pocos meses después es Miguel Vicens el que contrae matrimonio. Tras esta celebración Manolo tiene un accidente de tráfico en el que fallece su mujer. Esto hace que entre en una profunda depresión de la que no saldrá ya que poco tiempo después se suicida.

Este suceso evitó que se hiciera una tercera película que ya estaba apalabrada, e incluso se había llegado a hablar con Manuel Summers para la dirección. La causa de su no realización fue una cláusula introducida por el propio Milhaud que el contrato quedaba rescindido en caso de separación voluntaria de uno de los miembros del grupo. Fue objeto de pleito judicial que desestimó la demanda del grupo ya que consideró el suicidio como acto voluntario de separación. Pero ese no fue su único paso por los juzgados ya que con el lanzamiento del single “Just Holding On / We'll Make It Together" (Columbia, 1968) también tuvieron problemas judiciales debido al uso de las medallas para confeccionar la portada.

Para sustituir a Manolo Fernández a los teclados encuentran a Peter Solley, joven británico que había tocado con Chris Farlowe y The Thunderbirds o Terry Reid. Para intentar desviar la atención de la prensa sobre la muerte de Manolo, a Milhaud se le ocurrió organizar un concurso para averiguar el nombre del nuevo componente del grupo al estilo del que se montó para poner nombre al grupo. Para que todo funcione en las actuaciones de la banda aparece encapuchado para que nadie lo reconociese, pero aquí la jugada no salió nada bien. La prensa empezó a especular con que era el mismo Manolo el que tocaba los teclados y que en realidad todo lo de su suicidio era un montaje del sello. Esto hizo que mucha gente de las más altas instancias se cabreara, ya que en una España donde la Iglesia Católica mandaba -y mucho- el suicidio era algo innombrable y que se banalizara con ello peor aún. Al final se mostró quién era el joven debajo de la capucha y toda la campaña no hizo más que deteriorar la imagen de un grupo que no pasaba por sus mejores momentos. Peter fue despedido pocos meses después y se contrataría a Jesús Glück para sustituirlo.

En 1969 lanzan el que sería su cuarto álbum, “Ilustrísimos Bravos” (Columbia, 1969). Poco después de su lanzamiento Mike Kennedy abandona el grupo para intentar triunfar como solista. Para sustituirlo iniciaron un casting y apostando por la vía continuista eligieron al británico Robert Wright que no fue capaz de integrarse en el grupo: apenas duró seis meses y sólo grabo el single “Individuality / Viva la Vida” (Columbia, 1969). Robert sería sustituido por Andy Anderson, hermano de Jon Anderson, cantante del grupo Yes. Con su incorporación el grupo toma un camino musical diferente, dejan de lado el pop-rock para adolescentes y abrazan otros estilos como el funky o el rock progresivo que en esos momentos estaba teniendo auge en el underground español. Graban varios sencillos pero, a pesar de la calidad de algunos de sus temas, no consiguen convencer al sello para sacar un quinto álbum. De esta etapa destaca el single “People Talking Around / Every Dog Has His Day" (Columbia, 1970), con el que consiguen el primer puesto en el festival Barbarella mallorquín.

Tras la marcha de Andy del grupo, éste fue sustituído por Pedro Chaklat con el que Los Bravos grabarían un único single, "Welcome to Mars / Better Be You, Better than Me" (Columbia, 1973). Volverían a la carga con otro nuevo cantante, esta vez el elegido fue Henry Seür. Con el grabarían dos trabajos más, siendo el más destacable "Ma Marimba / Down" (Columbia, 1974), cuya canción titular es un tema vibrante y donde consiguen sonar frescos. Pero las ventas no son muy altas y el grupo decide disolverse.

Pero esta disolución tuvo un pequeño epílogo. Ya que poco después intentan relanzar el grupo con el single “Never, Never, Never / Hey Mama" (Columbia, 1976) bajo el nombre de Mike Kennedy y Los Bravos, pero no sirvió para nada más que para certificar la defunción del grupo.

El grupo posteriormente se ha reunido en multitud de ocasiones, para realizar giras, promocionar diferentes recopilatorios, etc. Se intentaron diferentes reunificaciones pero ninguna tuvo mucho éxito. Ya en el siglo XXI, ve la luz “The Return of the Midnight Storm" (Zyx, 2004), un disco con temas nuevos más diferentes versiones de su clásico “Black is black”, porque a pesar de que pasen los años hasta ellos mismo lo saben: siempre serán conocidos, para bien o para mal, por esa canción: “What can I do? 'cause I'm feelin' blue”.


Loco YO😎 Tururú, ni flamenco, ni borracho...






Hay cosas en esta vida que un melómano debería saber, como por ejemplo que The Beach Boys son algo más que un grupo que hacía canciones surferas, que cuando alguien cite las palabras “muro de sonido” inmediatamente le venga a la cabeza el nombre de Phil Spector, o si se ve escrito "Madchester" se sepa que puede no ser precisamente una falta de ortografía. Pues dentro del ámbito musical español, añado yo, se debería recitar de carrerilla la formación inicial de Los Brincos, grupo de referencia y cuya influencia es innegable en la historia de la música española. Poseían la imagen, inconfundibles en su etapa inicial con sus capas y los zapatos con cascabeles, y la actitud para lograr ser una banda revolucionaria, además de unas magníficas canciones. Una banda que marcó un antes y un después en el devenir de la música moderna hispana.

En 1964, tras la muerte de Luis Arbex, Los Estudiantes estaban en un momento de incertidumbre, no sabían si continuar la aventura o finiquitarla definitivamente. Se convocaban ensayos con la misma rapidez que se suspendían, y al final el grupo casi nunca lo hacía. Al mismo tiempo, Luis Sartorius, antiguo componente de esta formación y en ese momento director artístico de Philips, le estaba dando vueltas a una idea que tenía en mente: quería desarrollar un grupo que fuera parecido a The Beatles, una formación en el que la autoría musical fuese propia sin hacer versiones de grupos foráneos, que tuvieran un nivel alto tanto en lo instrumental como en lo vocal y con una imagen castiza, que indicara sin equívocos que eran de aquí. Luis se lo comenta a sus ex-compañeros Fernando Arbex y José Barranco, que ya habían levantado acta de defunción de Los Estudiantes por aquel entonces. A Fernando le entusiasma la idea, pero a José Barranco no le hacía mucha gracia, ya que prefería hacer unos bolos en verano para conseguir dinero y en invierno estudiar para sacarse la carrera.



En una fiesta en una discoteca madrileña, Fernando Arbex conoce a Juan Pardo, que había sido cantante de Los Pekenikes, y le cuenta la idea del nuevo proyecto, e inmediatamente le convence. La siguiente elección fue Antonio Morales, Junior, cuya voz era comparada con la de Cliff Richard, y que también había sido cantante de Los Pekenikes. Al principio muestra reticencias, pero al final se une; solo falta el bajista y lo encuentran en la figura de Manuel González, que había tocado en The Blue Shadows, un grupo especializado en hacer versiones de, cómo no, The Shadows, y que también había sido probado como posible sustituto de Luis Arbex en Los Estudiantes. Así la formación estaba al completo.

Luis Sartorius era el encargado de gestionar todo lo relacionado con las discográficas, y en un principio parecía que iban a firmar por Decca, que en España estaba representada por el sello Columbia, pero al final optaron por Novola, una división de Zafiro recién creada y orientada para el lanzamiento de nuevos valores. Luis contagió su entusiasmo a la discográfica, que adelantó 300.000 pesetas para la compra de material de sonido, una muestra de fe absolutamente inusual para la época. Pero una noche, después de una fiesta con unos amigos, Luis tiene un accidente de coche y fallece en el acto. Este fatal suceso hará que nunca vea lo acertado de su idea.



Con la formación completa, faltaba el nombre. Tenían claro que no debía de ser extranjero y que pudiera ser fácilmente recordado, bien por el significado, bien por lo sonoro del mismo. Una tarde los cuatro se pusieron a llenar hojas con posibles nombres, y en un principio les llamó la atención “Las Ovejas Negras”, ya que eran hijos de familias bien posicionadas, las cuales veían con malos ojos que derrocharan su vida haciendo música en lugar de hacer una carrera para convertirse en verdaderos hombres de provecho. Pero antes de adoptarlo entró Rosa, la hermana de Fernando, con una lista donde figuraba Los Brincos, que fue finalmente elegido por unanimidad. En otoño de 1964 ya tenían nombre y componentes.

Los Brincos fueron pioneros en todo lo que tenía que ver con la organización del proyecto, ya que tenían voz y voto en las decisiones de casi todos los asuntos relacionados con el grupo, como la composición, la grabación, la elección de temas o los arreglos. En este punto hace falta hablar de una persona clave, como fue Maryní Callejo. Trabajaba como directora artística y arreglista en Zafiro y desde la muerte de Luis Sartorius fue ella la que se ocupó de los primeros pasos en la carrera musical de Los Brincos. Se convirtió en su productora, supervisaba todas las grabaciones de las canciones, hacía los arreglos para teclado que los componentes del grupo querían incluir y pasaba al pentagrama las canciones, ya que ninguno de los chicos tenía conocimientos académicos previos, y este era un hecho indispensable para poder registrarlas en la Sociedad de Autores. Su opinión siempre fue muy tenida en cuenta por todos los miembros del grupo. Se podría decir que fue el quinto Brinco.

Para su primer trabajo se puso en funcionamiento toda la artillería disponible. La imagen de los muchachos estaba estudiada hasta el más mínimo detalle. Tenían que ser modernos, pero no extravagantes, para ello lucían flequillos en vez de la melena típica de todos los grupos británicos. Tenían que parecer internacionales pero con un toque patrio, y esto se consiguió con las famosas capas y los zapatos con cascabeles. Y tenían que ser un todo, y por ello firman como grupo todas las composiciones. Para su primer trabajo se sirvieron de todas las técnicas de sonido más avanzadas del país y, como innovación, no utilizaron a los músicos de estudio para grabar las canciones, algo habitual en la época, sino que ellos mismos graban sus propias canciones -de este punto hay mucho de leyenda, pero la verdad es que sí que tocaban ellos mismos los instrumentos en las grabaciones-. Por si esto fuera poco, se realizó una promoción absolutamente vanguardista para como se trabajaba en aquellos años: tuvieron hasta un reportaje en TVE, "Así se Forma un Conjunto", en el que se mostraban las enseñanzas aprendidas de Brian Epstein y su trabajo con The Beatles.



Novola, para completar todo el circo, prepara de forma minuciosa el lanzamiento del grupo lanzando de forma sucesiva un par de sencillos y otro par de EP que contenían temas como “Flamenco” o “Dance the Pulga”. El mayor éxito fue “Flamenco”, que llego a estar el número uno en la lista de éxitos de la época. Finalmente a finales del año lanzan “Los Brincos” (Novola, 1964), que recogía, entre otros, todos los temas que habían sido lanzados en formato corto, consiguiendo ser el primer grupo español en obtener grandes beneficios para su sello, punto importante este, porque desde ese momento las compañías discográficas nacionales decidieron apostar sin reticencias por los grupos de la nueva ola. También la mercadotecnia pasa a ocupar un lugar importante, al igual que la imagen, que se explota de manera más clara.

Para grabar su segundo disco viajan a Milán a los estudios que tenía la SAAR en esa ciudad, ya que a pesar del esfuerzo económico de Novola, los equipos tampoco eran los mejores del continente. El sello realiza idéntica campaña publicitaria para el lanzamiento de este disco, el impacto es mayor. Temas como “Borracho” o “Mejor” demuestran que el grupo no es flor de un día y que han aumentado la calidad de sus composiciones; ambas llegan a ser nº1. Con el lanzamiento de “Los Brincos II” (Novola, 1966) intentan la primera incursión en serio en los mercados musicales extranjeros, pero con escasa fortuna. Alguna actuación televisiva, alguna reseña en revistas especializadas y poco más. La verdad es que esta sería la tónica general, ya que por mucho que lo intentaron nunca tuvieron la repercusión que tuvieron otros grupos españoles como Los Bravos. Como mucho lograron lanzar alguna edición especial de algunos de sus singles. Ese mismo año cosecharon otro éxito más con el tema "Con un sorbito de champagne", que fue una de las canciones de aquel verano.

En esos momentos Novola cree que la llamada brincosis ha llegado a su nivel cumbre. Pero aunque los temas del grupo copan las listas de éxitos, no logran despertar las enormes pasiones que otros grupos sí despertaban. Además solían mantener un palpable distanciamiento frente a su público, y como en este país asumimos muy mal el éxito ajeno, se empiezan a disparar los rumores. Y se pueden leer cosas como que no suelen ensayar, que sus actuaciones son decepcionantes, que prefieren tocar en fiestas aristocráticas antes que delante de sus habituales seguidores, etc, etc.



Pero como dice el dicho, "Si algo va mal, siempre puede ir a peor". Y eso ocurrió. Fueron invitados al festival de Benidorm consiguiendo un sonoro fracaso. Las crónicas dijeron cosas como: “...un grupo que canta muy bien, pero que molestó al público a causa de sus potentes ingenios de fabricar ruido. El estruendo que organizaron era demasiado para tímpanos de personas normalmente configuradas...”. Entonces Juan Pardo y Junior intentan aprovecharse de la coyuntura para alzarse con el control absoluto del grupo, desplazando a Fernando de la formación. Al ver que no iban a conseguir echarle, deciden por una nueva estrategia, disolver el grupo. Pero aquí entra en juego Rocío Dúrcal. No, no es un lío de faldas ni nada parecido. La verdad es que ella directamente no tuvo culpa, sino su película, “Más Bonita Que Ninguna” (1965) de Luis César Amadori, que contaba con la canción “Borracho”, y cuya inclusión provocó que no pudiese desaparecer el nombre de "Los Brincos”, por lo que Juan y Junior se vieron forzados a ceder el nombre a los otros dos componentes, Fernando Árbex y Manolo González. Cuando se aclara todo, Juan y Junior están fuera del grupo, pero no de la música, ya que juntos forman un dúo de corta vida. Fernando Arbex los reemplaza por Vicente Jesús Martínez y Ricky Morales, hermano de Junior que formaban parte de Los Shakers (los españoles, no confundir con el grupo sudamericano del mismo nombre). Este movimiento de fichas es de gran importancia, no solo porque deja a Fernando como único líder, sino porque se el sonido se recrudece con la incorporación de estos componentes.

Ello es palpable al año siguiente, cuando viajan hasta Londres a los estudios de la PYE que tenía en Marble Arch para grabar su tercer disco, “Contrabando” (Novola, 1968), cuya producción corrió a cargo de Larry Page, que anteriormente había trabajado para The Kinks o The Troggs. El primer sencillo producto de las sesiones londinenses fue la maravillosa “El pasaporte”, pero la canción que tuvo más éxito fue “Lola”, que llegó a ser número uno durante ocho semanas, su último gran éxito.

Después del lanzamiento de su tercer álbum, lanzaron algunos singles donde alternaban canciones brillantes como “Érase una vez” y “Oh mamá!”, con otras bastante mediocres, como “Amiga mía”, donde Fernando parece que pretende demostrar que puede hacer canciones como en el inicio de la carrera del grupo, o “Las alegres chicas de San Diego”, muy por debajo de su nivel.

En 1969, Vicente deja la formación para cumplir el servicio militar, y es sustituido por Miguel Morales, hermano de Ricky y Junior. La última formación de Los Brincos decidió decantarse por la psicodelia y el rock progresivo, que en aquellos años estaba desbancando de las preferencias juveniles al beat. Para ello deciden incorporar a un teclista, Óscar Lasprilla, ex-miembro de Los Ampex, Los Speakers y Time Machine. Con todo preparado vuelven a viajar a Londres para grabar, lo que sería su cuarto álbum “Mundo, Demonio y Carne” (Novola, 1970). Fernando estaba tan convencido de lo que hacía, y de que sería un bombazo, que grabaron dos ediciones, una para el mercado nacional y otra para el anglosajón que llamaron “World, Devil & Body” (Novola, 1970). Sin embargo, los problemas empezaron desde la elección de la foto para la portada del disco. La censura franquista no dejó que saliera adelante la idea original, ya que aparecían los componentes del grupo con el torso desnudo, y finalmente esta portada vio la luz muchos años más tarde en una posterior reedición. Se cambió por un cerebro en descomposición. Fueron tan grandes las esperanzas depositadas en el disco, como el batacazo que se pegó: un rotundo fracaso. Tanto, que decidieron dar por finiquitada la aventura.

El porqué del batacazo se puede atribuir a que mucha gente percibiera que la idea original se había desvirtuado, pero la verdad es que Los Brincos lo que intentaban era dar un paso hacia delante, evolucionar, lo mismo que habían hecho aquellos grupos que durante toda su etapa habían sido sus referentes, The Beatles, The Kinks o The Who. A estas formaciones las dejaron hacerlo, pero aquí no, lo intentaron, pero no les dejaron. Esta pretensión de hacer un nuevo tipo de música, Fernando y Óscar lo consiguieron con Alacrán, y posteriormente después de la disolución del grupo, Árbex lo volverá a intentar con Barrabás, donde se volvería a juntar con Ricky y Miguel Morales.

Durante bastante tiempo se intentaron diferentes reuniones con los miembros originales del grupo, pero por una cosa u otra nunca ocurrió. Sin embargo, a las puertas del siglo XXI, Los Brincos volvieron con un nuevo trabajo "Eterna Juventud" (BMG, 2000), aunque con sólo la mitad de sus componentes. Un álbum con diez nuevas canciones compuestas por Fernando Arbex y Miguel Morales que les llevó a recorrer una gira por diversas ciudades españolas.

Además, en 2001 Fernando consiguió que BMG reeditase los álbumes de Los Brincos en formato CD, añadiendo muchos aportes extra como los singles que lanzaron al mercado y que no se incluyeron en ningún disco. Pero el 5 de julio de 2003 muere Fernando Arbex por culpa de una larga enfermedad, poniendo así fin a la carrera de una de las figuras más grandes de la música española. También nos dejaría Junior el 15 de abril de 2014.





Otro de los grandes con una canción inolvidable, que recuerda y nos acerca a las sensaciones de aquellos tiempos.
✨⚡🌟Otro día más, con grupos que se quedaron en el tintero, con ecos de grupos progresivos nacionales.
Próxima semana aquellos tiempos de Nuevos Románticos y Tecno-Pop.
Siguiente...si llegamos, 14 Hits del Pop-Rock de todos los tiempos.
Finales Noviembre, grupos y cantantes de Rock, solo para chicas.
Inicio de Diciembre, Rock Progresivo Hispano, si estamos vivos.✊
Ahora cuatro retoques evolutivos...
Días de escuela 👁️👁️👁️👁️👁️👁️👁️





Bien abrigado llegaba al colegio
Mil novecientos sesenta, hace poco tiempo
Formados frente a una cruz y a ciertos retratos
Entre bostezo y bostezo gloriosos himnos pesados
Despertamos en pupitres de dos en dos
Aún recuerdo el estrecho bigote de Don Ramón
Y la estufa de carbón frente al profesor
La dichosa estufa que no calienta ni a Dios
Suena el timbre, al fin
Bocadillo, recreo, evasión
Una tortura más antes del juego
La leche en polvo y el queso americano
Sales tú y el gordo después
Te cambio los cromos, te juego al tacón
Sales tú, la aligo yo
Apuremos el tiempo
Que ya nos meten dentro
Dos horas de catecismo
Y en Mayo la comunión
La letra con sangre entra, otro capón
Tarea para mañana, y puesto el abrigo
Otra copla a los del cuadro
Y hasta mañana Don Ramón
Y ahora tu, ¿qué pensarás?
Si cuanto más me oprimían
Más amé la libertad
Y es a ti a quien canto hoy
Enseña a tu hijo, enseña a tu hijo
A amar la libertad🌟✊🌟


Todo comienza en 1970 cuando José Luis Jiménez forma el grupo Tickets y graba dos canciones para el sello Columbia, "El rigor de las desdichas" y "Someone like you", la primera compuesta por Vainica Doble a quien acompañaban en algunas ocasiones. Sus componentes por aquel entonces eran José Luis Jiménez (bajo y voz), Pancho Company (batería y voz) y Mario del Olmo (guitarra y voz). En 1972 el trío abandona el sello, que estaba poco acostumbrado a los grupos de rock y del que no recibían ningún apoyo, y se ven obligados a cambiar de nombre. Este es el comienzo de Asfalto.

Pasan a Discos Acción, distribuido por Zafiro, de la mano de Pepe Nieto y Manolo Díaz donde graban dos sencillos en 1972 "Jenny / Razones" (Acción, 1972) y "Quiero / The First Dance" (Acción, 1972), ambos producidos por Manolo Díaz y con la colaboración de Lele Laína y Terry Barrios, que serian futuros compañeros en Asfalto y en Topo. Debido a desavenencias musicales y personales, el trío pronto se convirtió en cuarteto con Félix García a la batería y Armando de Castro (futuro Barón Rojo) a la guitarra. En 1974 José Luis Jiménez deshace el grupo y comienza de nuevo con Chema Arrillaga y dos miembros del grupo Handicap, Julio Castejón y Enrique Cajide, pero enseguida se marcha Chema y es sustituido por Lele Laína que venía de Los Zurdos.



Estamos en 1975 y Asfalto está dispuesto a comenzar de nuevo con José Luis Jiménez (bajo y voz), Lele Laína (guitarra y voz), Julio Castejón (guitarra y voz) y Enrique Cajide (batería). Con esta formación grabaron un álbum, publicado solo en cassette, en 1976 titulado "Homenaje a Los Beatles" (Percasa, 1976) con doce temas de los de Liverpool que les sirvió para hacer rodaje antes de pasar a ser el primer grupo en grabar para el nuevo sello Chapa Discos (dependiente de Zafiro) y dirigido por Vicente -Mariscal- Romero. Así, en 1978 sale a la calle su primer álbum "Asfalto" (Chapa, 1978), un disco con algunas de sus más recordadas canciones como "Capitán Trueno", "Días de escuela" o "Rocinante". Un disco mítico para muchos aficionados y recordado como uno de los mejores de la época, aunque el resultado no debió dejar satisfecho a todos, ya que José Luis Jiménez y Lele Laína abandonaron el grupo para dar vida a Topo, una decisión que no comprendió casi nadie.

Esto parecía el fin de Asfalto pero con la incorporación de José Ramón -Guny- Pérez al bajo y sobre todo de Jorge García Banegas a los teclados, el grupo resurgió con más fuerza. El tándem Julio Castejón-Jorge García Banegas empezó a producir canciones de gran calidad que tenían la capacidad de emocionar hablando de temas cotidianos. Así, en diciembre apareció su segundo álbum "Al Otro Lado" (Chapa, 1978) grabado en Londres donde fueron el primer grupo español en actuar en el Marque Club. Del disco podemos destacar "El viejo" y "Mujer de plástico", aparte del magnífico tema que da nombre al disco, pero lo cierto es que todos los temas rayaban a gran altura. El estilo de Asfalto había pasado del rock urbano de su primer álbum a algo más parecido al rock sinfónico o progresivo, pero la banda siempre fue difícil de clasificar. Debido a su heterodoxia y amplitud de miras Asfalto navegaban en aguas turbulentas que nunca les dejaron salir a flote y ser reconocidos en toda su valía.



Al año siguiente publicaron "¡¡Ahora!!" (Chapa, 1979), que seguía en la línea del anterior, menos sinfónico pero con excelente canciones como "Nada" o "La otra María", y a continuación "Lo Mejor" (Chapa, 1980) el primer recopilatorio de un grupo de rock español, aunque con una selección algo discutible. También fueron los pioneros cuando al año siguiente salió a la calle "Déjalo Así" (Chapa, 1981), el primer disco doble de una banda española y producido por ellos mismos con un buen número de canciones, si bien de calidad desigual y en el que no están tan inspirados como en los anteriores. Este fue su último disco para Chapa ya que por desavenencias con el sello no tuvo la repercusión debida y crearon su propia firma, Discos Snif.

Con Snif comenzó una época de gran auge de la banda. Entró como vocalista Miguel Oñate que les da otro aire más duro. Grabaron con esta formación dos magníficos discos "Más que una Intención" (Snif, 1983), publicado como video-disco con canciones como la que da título al disco, "La Paz es verde" o "El hijo de Lindbergh" y "Cronophobia" (Snif, 1984), del que cabe destacar "Es nuestro momento" o "Desaparecido". La banda estaba en un gran momento creativo y triunfaba allá donde iba, pero como en otras ocasiones llegan los problemas.

Miguel Oñate deja la formación para dedicarse a su carrera en solitario. Le sustituyó Ricardo -Richi- Benítez, con el que grabarían un solo disco, "Corredor de Fondo" (Snif, 1986) con canciones como "No es solo amor" o "Prisionera enmarcada", pero al final de la gira Richi dejo la banda ya que no se adaptaba a la vida en Madrid y volvió a su Mallorca natal.

Así las cosas al año siguiente se reunieron todos los antiguos miembros de Asfalto excepto Oñate para celebrar su decimoquinto aniversario y volver a grabar sus éxitos más el inédito "El teatro de la vida" en el disco "1972-1987. 15 Años de Música" (Snif, 1987) que marcó el fin de su etapa más gloriosa. Al año siguiente y en plena inactividad vería la luz otra recopilación "Los Singles" (Snif, 1986).



El grupo se reorganizo ya que Enrique Cajide dejó la batería para dar entrada a Terry Barrios, antiguo colaborador de la banda y ex de Topo. Por otro lado, volvieron los también antiguos socios y ex de Topo José Luis Jiménez y Lele Laína, que tras un intento fracasado de hacer versiones en inglés de los clásicos del rock con el nombre de La Rockorquesta volvieron a la denominación de Asfalto para grabar el disco "Solo por Dinero" (Libélula, 1990), que no fue muy bien acogido entre sus seguidores debido, seguramente, al cambio radical que habían experimentado estilísticamente y no ser lo esperado. Aún así, había buenas canciones como "El lado oscuro de la calle" o "Lo que el viento no se llevó". Dos años más tarde, tras la trágica muerte de Terry Barrios, vuelve a la batería Enrique Cajide juntándose así de nuevo los integrantes de aquel añorado primer LP para grabar "El Planeta de los Locos" (Libélula, 1994), un disco de gran nivel con excelentes canciones como la que le da título o "Espera en el cielo", "Al otro lado del espejo" y "Carpanta", pero que tampoco tuvo la repercusión esperada, produciéndose al año siguiente la disolución del grupo.

Todos los miembros de Asfalto siguen de alguna manera activos en el mundo de la música excepto Enrique Cajide. Julio Castejón publica dos discos en solitario con Los Trípodes como grupo de acompañamiento.

Pero aunque pudiera parecerlo, este no es el fin de la historia. En 2006 Julio Castejón decide resucitar la banda y junto a Carlos Parra (teclados), Raúl Santamaría (guitarra), Viti Ilarraza (batería) y Juanvi García (bajo) vuelven a los escenarios y graban "Utopía" (Leyenda, 2008), su último disco de estudio. Un disco excelente en el que la banda vuelve a resucitar ese rock progresivo que abandonaron hace treinta años con temas como la suite "Utopía", además de otros de primer nivel como "Transparencias", "Lusitania Express", "El último vuelo" o "El pescador de sueños", y que hace pensar que tenemos Asfalto para rato. Otras dos canciones más amables y que sorprenden agradablemente son "Gente como tú" y "Nunca está de más". Tras la grabación del disco Juanvi García deja el grupo y entra Alejandro -Pollo- Ollero al bajo. Tan sólo al año siguiente sale su primer directo en disco y DVD ¡Al Fin Vivos! (Leyenda, 2009), grabado en el auditorio Pilar Bardem de Rivas-Vaciamadrid el 3 de julio de 2009 con una selección de temas de siempre y algunos de los nuevos.

En 2011 deja la batería Viti Illarraza tomando su puesto Marcos Parra, experimentado batería. Con esta formación grabarían el EP "Music Was My First Love" (The Fish Factory, 2011). Ese mismo año se edita el recopilatorio "Inédito" (Lazsound, 2011).

Sumidos en problemas económicos, en junio del 2012 y en plena Gira 40 aniversario, Raúl Santana y Carlos Parra dejan la banda y regresando a ella Jorge García Banegas tras 25 años de ausencia. El puesto de Raúl lo cubre uno de los hijos de Julio, Paul Castejón. Con esta nueva formación la banda recupera al fantástico teclista y compositor que es Jorge y pierde la portentosa voz de Raúl que -de momento- no parece tener sustituto. Debutan el 14 de julio en el Festival Rock Circus de Leganes (Madrid).

En diciembre del 2012 dejan también la banda Alejandro Ollero y Marcos Parra, ambos excelentes músicos y los dos que quedaban de la última formación más o menos estable. Ocupan sus puestos Pablo Ruiz (bajo) y Tony Mangas (batería) que debutan el 20 de diciembre en la sala La Trinchera de Málaga en una gira que les llevaría también a Sevilla y Cádiz. Con estos últimos cambios se cierra la etapa que comenzó en 2008 con el disco "Utopía" y se abre un gran interrogante sobre su futuro. ¿Será Asfalto capaz de resurgir de sus cenizas una vez más? Lo veremos.





Antecesoras inigualables ( sabor a Franco Battiato) en la mezcla de recuerdos, vivencias y letras de canciones de grupos y solistas de siempre.
Sensibilidad absoluta, voces de ángeles, ganas de vivir 👏👏👏👏👏👏👏






#43

Mensaje 05 Nov 2020 16:44

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VIII Festival de la Canción Española de Benidorm. Una edición que como novedad permite que las propias casas discográficas aporten los intérpretes y posteriormente unos jurados regionales votarán ante notario el ganador. Esa edición será el año de la victoria de Alicia Granados con "Nocturno" y en el que críticos de prensa, radio y televisión otorgaron un nuevo premio del evento al Dúo Dinámico. Ese mismo año Gloria van Aerssen (Dos Hermanas, 1934) viendo las actuaciones de este evento, que a ella le parecieron mediocres no tanto por los artistas sino por los temas elegidos para la ocasión, llama a Carmen Santonja (Madrid, 1934) para proponerla componer canciones. De este modo nacerá Vainica Doble.

Gloria y Carmen se conocen por casualidad en la Ciudad Universitaria de Madrid. Según contaron años más tarde los hijos de Gloria la anécdota fue así: "Todo empezó cuando conoció a la tía Mari Carmen en una parada de autobús. Estaba silbando Tannhäuser y nuestra madre se acercó y se unió a ella silbando una segunda voz, y a partir de ese momento se hicieron inseparables…". En aquel momento Gloria estudiaba Bellas Artes mientras que Carmen acudía al conservatorio para estudiar piano, unos estudios que abandonaría cuando está en quinto curso. Según contaba ella misma: "Mis estudios musicales se desarrollaron primero en casa y luego en el conservatorio. Siniestro lugar el conservatorio madrileño de aquellos años, yo lo recuerdo lleno de gente vieja, niños feísimos y personal de tropa cuya meta era la banda de su regimiento". Por lo cual no es raro que abandonara los estudios de piano debido a la rigidez del aprendizaje clásico, un encorsetamiento que como se reflejaría en sus futuras composiciones no iba nada con ella. Después de esto empezó a ser autodidacta de la guitarra.



Al dejar el Conservatorio Carmen trabaja como pianista de acompañamiento en los ensayos de ballet de la bailarina Marianela de Montijo, pero ésta poco después se traslada a México por lo que Carmen pasa a trabajar en la academia de Miss Karen Taft. Cuando ahorra un poco de dinero se dedica a viajar por Europa junto a su amiga, y futura actriz, Chus Lampreave. El viaje le abre la mente y decide que sólo quiere ser libre y dedicarse a la pintura, pero en realidad lo que le daba para vivir era la música. Toca el piano en una orquesta, da clases de guitarra a niños y tiene pequeños papeles de cine y televisión "Yo intervenía como actriz en los primeros programas de Jaime de Armiñán, unos infantiles en directo, todavía en Paseo de la Habana. Salía disfrazada de perro, con una melena... En uno de los programas, Chus Lampreave y yo teníamos que hacer de leones y como no había disfraces, nos pusieron unas caras de perro y unas melenas de estropajo... asquerosas" hasta que recibe la llamada de Gloria.



Gloria Eliza van Aerssen Beijeren van Voshol era hija de un diplomático neerlandés y hermana del bailarín y coreógrafo Alberto Lorca. Nacida en la localidad sevillana de Dos Hermanas a los diez años su familia se traslada a la capital y con catorce se matricula en Bellas Artes. Gracias a su hermano consigue formar parte durante dos años de la compañía Ballet Español de Pilar López llegando a girar por Londres. Poco después se encarga de la sección de moda del semanario "Don José". Gloria se casa con el pintor y dibujante Juan Ignacio de Cárdenas con el que publicará el libro "Mil Canciones Españolas" (Sección Femenina, 1966).

Gloria, Carmen, la hermana de esta, Elena Santonja, y Chus Lampreave formaban un cuarteto que se dedicaba a hacer números cómico-musicales en fiestas y guateques. A pesar de las grandes diferencias de personalidad entre ambas, Carmen era tímida y tranquila mientras que Gloria era más vehemente, había un común denominador que las unía y era la educación liberal recibida por ambas. Además Gloria es la que introduce a Carmen en el rock and roll con grupos como The Beatles, The Rolling Stones o The Who.

Lo que sería en el futuro un continuo en su vida musical, sus primeros pasos los dieron gracias al apoyo de un mecenas. Fue el ejecutivo de RTVE Enrique de las Casas el que las echa una mano presentándolas a un grupo llamado Music Son al que representaba. Les componen dos temas "El marinero de Mozambique" y "Lágrimas de cocodrilo" que muchos años más tarde acabará siendo "Por un más y por un menos" en el LP "Carbono 14" (Mercury, 1997), pero el grupo se disuelve antes de que consiga editar nada.

El siguiente será Jaime de Armiñán que era el cuñado de Carmen. Se maravilla por algunos de los temas que componen aunque él mismo comentó más de una vez "Cuando hablan de ellas mismas parecen tontas". Jaime empezó a mover sus hilos por RTVE para poder introducirlas en el mundillo pero a ellas eso de salir en televisión no les hacía mucha gracia. Para Jaime compondrán las sintonías de "Tiempo y Hora" (RTVE) –donde hacían una versión de un tema jazz donde tocaban el xilofón-, "Del Dicho al Hecho" (RTVE), "Las 12 Caras de Eva" (RTVE), "Tres Eran Tres" (RTVE) y, sobre todo, "Fábulas" (RTVE). "Si era una fábula real, de verdad digamos, pues te obligaba a tener que meterla por completo o casi; lo que a veces era prácticamente imposible, porque las letras de Hartzenbusch o Samaniego a veces no tenían sentido, hoy día, y teníamos que cambiarlas un poco".



Cuando comienzan a componer temas se dan cuenta de que no pueden presentarlos a ningún festival por lo que elaboran una maqueta con dichas composiciones. "El resultado de aquella primera intentona fue la elaboración de una cinta con unos cuantos temas musicalmente pasables, ilustrados con unas letras cursilísimas de mi invención que, en aquel momento, me parecieron comerciales" comentaba Carmen. Esa cinta la escucha el arreglista Pepe Nieto (Los Pekenikes) y ofrece lanzarlas como grupo. Ellas se niegan de primeras por lo que les presenta a una nueva formación llamada Nuevos Horizontes con los que trabajan en sus tres primeros sencillos. Componen para ellos los dos temas de su primer single, "El Afinador de Cítaras / Cuatro Estaciones" (Columbia, 1969) y las caras A de los dos siguientes "Mi Mosca Favorita" (Columbia, 1970) y "Mi Churumbel / Por un Poco de Amistad" (Columbia, 1970).

Ese mismo año hacen la sintonía de la serie "Carola de Día, Carola de Noche" (RTVE) y lo que es más importante la música incidental de la película "Un, Dos, Tres... al Escondite Inglés" (1970) de Iván Zulueta. Esa será la primera relación profesional con el donostiarra que posteriormente se encargaría del diseño de la portada de la mayoría de sus discos, del mismo modo el director vasco las introducirá en la música de Frank Zappa o The Incredible String Band. Tras la insistencia de Pepe Nieto y con la aquiescencia del sello Columbia las Vainica Doble graban su primer trabajo, el sobresaliente sencillo "La Bruja / Un Metro Cuadrado" (Columbia, 1970) que además contará con la producción de Manolo Díaz (Los Sonor, Los Polaris). Así mismo componen el tema "El rigor de las desdichas" para un grupo iniciático llamado Tickets, que más tarde serán Asfalto. El porqué del nombre de Vainica Doble lo explicaba Carmen de esta manera "Cuando nos decidimos a grabar el primer single, nos íbamos todas las tardes a casa de Iván Zulueta a pensar qué nombre ponernos: que si Las Alegres Comadres de Aravaca, que si Pastel de Fresa, Pastel de Manzana, Helado de... hasta que llegamos a las labores... Y zas, sale Vainica Doble, que nos pareció el nombre idóneo".



El sencillo fue comercialmente un fracaso, y la crítica no fue más benevolente. Los progres las tildaron de reaccionarias por culpa del tema "Un metro cuadrado" mientras que los medios conservadores simplemente destrozaron el microsurco. Con este panorama Columbia decide no editar más trabajos de las Vainica, pero tampoco las quiere liberar de su contrato. Por culpa de esto no pueden fichar por CBS y el primer contacto con el nuevo sello de Manolo Díaz también fracasa. Al final, grabados el sencillo de Tickets y todas las sintonías para "Fábulas" deciden darlas la carta de libertad.

Tras su tormentoso paso por el sello Columbia Gloria y Carmen firman con el sello Ópalo, que había creado hacía poco tiempo Manolo Díaz, para grabar su primer largo el homónimo "Vainica Doble" (Ópalo, 1971). Manolo ejerce de productor repitiendo Pepe Nieto como director musical. Durante su grabación tienen problemas con la censura franquista por culpa del tema "¿Quién le pone el cascabel al gato?", ya que el censor pensaba que el gato representaba la dictadura. Ello hizo que las unieran con los cantautores protesta cuando en realidad ellas eran un universo aparte, como dijo Gloria "A mí lo que me subleva es hablar de opresión en nuestra generación cuando resulta que todas hemos estudiado carreras, nos hemos acostado más tarde que nadie y hemos hecho lo que nos ha dado la gana".

Parecía que el siguiente paso iba a ser CBS, pero finalmente este sello elige a Cecilia en lugar de las Vainica. Una elección que pasado el tiempo poco se les puede reprochar. Entonces aparece el poeta jerezano José Manuel Caballero Bonald que propone a las Vainica continuar su carrera discográfica en el sello Ariola. José Manuel trabaja como cazatalentos sin limitación en este sello, ya que su sola presencia hacía sentir orgullo a la casa discográfica. Las ficha únicamente para un LP, las impone un ritmo de trabajo estable y un equipo de músicos profesionales, además después de las mil batallas que tuvieron con los arreglos del anterior disco, en éste dejan todo el trabajo a Pepe Nieto. De este modo ve la luz una de sus obras cumbre, el excelso "Heliotropo" (Ariola, 1973).

En julio de ese mismo año debutan en directo en la sala madrileña Morocco, que por entonces era un cabaret. Años después José Manuel escribiría sobre ese día esto: "A las Vainica Doble las oí cantar por primera vez hace unos ocho o nueve años, en un cabaret llamado Morocco, por los alrededores de la calla de San Bernardo. El recital lo había organizado un viejo amigo –Antonio Gades- y aquello estaba lleno de viejos amigos: una parroquia de lo más desacostumbrada. Morocco debió abrirse con toda probabilidad en los años 40, para solaz de sindicalistas verticales. Se podía adivinar que por allí habían pasado muchos jerarcas de provincias. La furtiva decoración moruna debía estimularles el apetito carnal y el consumo del coñac con sifón. Lo de Antonio Gades fue una idea magnífica: ningún escenario más propicio para la práctica del contraste. Los temas más frecuentados por Gloria y Mari Carmen encontraban en Morocco como un contrapunto encantador, a medio camino entre la promiscuidad más edificante y la más patética y divertida nostalgia. O sea, que las Vainica me dejaron absolutamente convencido."



Después de la grabación de "Heliotropo" deciden no seguir trabajando juntos. Ellas odiaban trabajar con la rigidez que les exigió Caballero Bonald, no querían tener un ritmo marcado de antemano y de tener trabajo de despachos. Ese mismo año participan en los coros del LP "Vidas Ejemplares" (Explosion, 1973) del grupo Desde Santurce a Bilbao Blues Band de los cuales eran amigos.

En 1974 componen la música para el filme "Furtivos" (1975) de José Luis Borau cuyo papel principal lo interpreta el cantante Ovidi Montllor. De este trabajo las Vainica salen con sentimientos encontrados, ya que Gloria consideraba que era lo mejor que habían hecho hasta la fecha y en la película la música sale bastante mutilada, mientras que Carmen fue más comprensiva con el proceso de montaje del director.

En 1975 se plantean participar en su primer festival apuntándose para defender "Déjame vivir con alegría" en el VI Festival Internacional de la Canción de Almería que a la postre sería su última edición. Entre el listado de canciones apuntadas podíamos encontrarnos con "Vengo de un sueño de amor" de Jeanette, "En un lugar" de Tartesos, "Let me cry" de Los H.H., "Nuevo día" de Lole y Manuel y la ganadora "El solitario" de Nubes Grises. Finalmente las Vainica no acudieron, ya que una de las componentes tuvo hepatitis. Se intentó que Ana María Drack interpretara la canción pero adujo que por falta de tiempo no hubiera podido defenderla en la mejor de las condiciones.

En 1976 firman por cinco años con el sello Movieplay –finalmente sólo cumplirán uno- y a instancias de Moncho Alpuente (Las Madres del Cordero, Moncho Alpuente y los Kwai) contactan con Gonzalo García Pelayo, que dirigía la serie Gong dentro de ese mismo sello, para que ejerza de productor. Según contó Gonzalo la cosa fue así: "Fueron ellas las que me contactaron y yo estaba encantado. Me buscaron para dar un ambiente más roquero. Trajeron el disco ya preparado, con las canciones arregladas por un guitarrista de Huelva llamado Rafa Gálvez. Querían que colaborasen algunos artistas del sello Gong como Hilario Camacho o Gualberto. En discos como el de Vainica, yo me pongo muy pocos méritos: mi función era facilitarles la entrada en la compañía, el estudio, las dietas de comida".

"Contracorriente" (Movieplay, 1976) es el disco rockero de las Vainica Doble y también el más contestatario de su carrera. En él prescinden de la figura del arreglista y dejan que esa responsabilidad caiga tanto en ellas como en los músicos que las acompañaban que en esos momentos era un grupo estable que contaba con su plena confianza. Les bautizaron como la Limón Express –el primer tren turístico de España- y eran Rafael Gálvez, Pancho Company (Aguaviva, Asfalto, Tickets) y Francisco Cervera. El álbum fue recibido con disparidad de criterios. El público más joven y que acababa de conocerlas lo rebició con los brazos abiertos al encontrarse con algo que sonaba moderno y actual. Pero para los seguidores de sus inicios les echaban para atrás lo que ellos consideraban unos arreglos excesivos y demasiado guitarreros para un dúo folk.



De Movieplay también salen rebotadas. Gloria se traslada definitivamente a vivir a Altea y piensa en la retirada definitiva, mientras Carmen va realizando algún trabajo de encargo como las bandas sonoras de "Climax" (1977) de Francisco Lara Polop o "Al Servicio de la Mujer Española" (1978) de Jaime de Armiñan.

Los 80 suponen un gran cambio para las Vainica. Deciden ser más profesionales en el sentido de conceder actos promocionales y hacer muchos más directos. Pero tampoco les dura mucho, ya que pasado este primer lustro nos encontramos con un continúo en las hojas de prensa cada vez que tocaban en directo y era la palabra regreso. El periodista musical Manolo Domínguez contacta con ellas para fichar por el sello Guimbarda, creado por Manolo tras su ruptura con Movieplay. Era un sello orientado, sobre todo, al folk tanto internacional como nacional encontrándose en sus filas gente como Bibiano, Benedicto o Suburbano. Estos últimos acompañarán a las Vainica en la grabación de "El Eslabón Perdido" (Guimbarda, 1980). La idea inicial del dúo era la de hacer un doble LP conceptual sobre el ecologismo, pero al ponerse de moda desechan la idea.

Al año siguiente graban su segundo trabajo para Guimbarda, único sello que puede contar con el privilegio de tener dos discos de las Vainica en su catálogo. A mediados de 1981 el dúo ya estaba preparado para grabarlo pero la no disponibilidad de José Manuel Yanes hizo que se retrasara hasta pasado el verano. Un golpe de suerte, ya que durante esos meses las Vainica compusieron el tema que daría nombre al disco. Con "El Tigre del Guadarrama" (Guimbarda, 1981) el presentador Ángel Casas consigue que actúen en directo en el programa "Musical Express" (RTVE). Fue más por consideración con Ángel que había sido fan suyo desde el principio que por gusto, eso sí, por expreso deseo de las Vainica no se realizaron planos cortos. Aunque en realidad su debut en televisión había ocurrido varios años antes, a finales de los 60, en el programa "Antena Infantil" (RTVE).

En 1983 Carmen compone el tema "Oxford street" para el grupo Fama, proyecto del transformista Fernando Telletxea excomponente del grupo Greta. Ese mismo año aparece el libro "Vainica Doble" (Júcar, 1983) de Fernando Márquez, El Zurdo, el cual sentía una gran admiración por el dúo. En una entrevista con Jesús Ordovás las calificó como "Son como los Beatles de nuestro país, el grupo por excelencia del pop español. Son geniales". Años después dedicará a Carmen Santonja el tema "La bella durmiente" en el LP "Los Fantasmas del Paraíso" (Spicnic, 2002).

Al año siguiente editan el doble álbum "Taquicardia" (Nuevos Medios, 1984), siendo éste el trabajo más experimental del dúo gracias a la ayuda del productor Mario Pacheco y los arreglos musicales de Ángel Muñoz Alonso, el Reverendo, (Wyoming & Reverendo) cuya labor hay que destacar, ya que consigue que las armonías vocales de las Vainica brillen más que nunca. "Taquicardia" es un trabajo ambicioso y maduro, sin que esto suene malo, sino que ofrece una mirada introspectiva y femenina sobre la edad adulta. Nos cuentan los miedos a los que te enfrentas cuando eres madre, a la soledad del hogar ante la indiferencia, a la negación ante una relación ya rota o el deseo por lo prohibido.

Ese mismo año graban los coros para el tema "Sueño 84" de La Mode, "Seguidillas" de Mosaico en un disco homenaje a Agapito Marazuela, y "Vámonos que nos vamos" en un sencillo editado por la Concejalía de la Juventud del ayuntamiento de Madrid donde también participan cantantes tan variopintos como Fortu (Obús), Carmen (Los Bólidos), Hilario Camacho o Víctor Aparicio (Los Coyotes) entre otros. Tras esto el dúo decide tomarse un largo descanso en el que Gloria se dedica de lleno a la pintura y al dibujo ilustrando varios libros de cuentos, ya que era la actividad con la que de verdad ganaba dinero. Mientras que Carmen escribe algunos cuentos, compone canciones para otros artistas y graba sintonías para series y programas de televisión.

Durante la segunda mitad de los 80 Carmen compone temas para Luis Pastor, Azúcar Moreno, Sergio y Estíbaliz, y, sobre todo, Luz Casal que tendrá algunos de sus primeros éxitos con estos temas donde nos podemos encontrar con "Rufino" o "Lo eres todo" con el que ganó el premio Ondas. Y también sintonías para programas de televisión como "Cuentos Imposibles" (RTVE), "Juncal" (RTVE), "Una Gloria Nacional" (RTVE), "Celia" (RTVE) y la que todo el mundo recuerda "Con las Manos en la Masa" (RTVE).

Los años 90 comienzan con Gloria poniendo coros a un disco de Pepe de Lucía, para dar paso a un nuevo trabajo de las Vainica. Pero no era un disco con nuevas composiciones sino uno de regrabaciones de temas antiguos con el pretexto de que los másters originales se habían perdido. De esta manera ve la luz "1970" (RTVE, 1991) cuyo mayor problema es que años más tarde se demostró que era falso esa supuesta pérdida, ya que se editaron sendos recopilatorios "Todas Sus Grabaciones Para Ópalo" (RamaLama, 1997) y "Coser y Cantar" (BMG, 1997) con ellos precisamente.

En 1994 Gloria graba una versión de "La llorona" de Chavela Vargas para la película "Al Otro Lado del Túnel" (1994) de Jaime de Armiñan, y ya como dúo participan en la versión de "La funcionaria" que Carlos Berlanga incorpora a su sobresaliente "Indicios" (Compadres, 1994). Un par de años más tarde Gloria participa en el tema "Aguas vertientes" del LP de debut de Juan Matute.

Debido al gran éxito que tuvieron las sintonías para televisión que había compuesto Carmen el productor Miguel Ángel Arenas les propone grabar un nuevo trabajo bajo el paraguas de una multinacional. La primera idea de Mercury era la de recoger todos estos temas que habían compuesto y volver a regrabarlos, una idea que a Carmen y Gloria les aburría soberanamente. Durante las sesiones de grabación de "Carbono 14" (Mercury, 1997) las Vainica tuvieron algunos enfrentamientos con el sello por cómo debería de sonar el álbum. Algo que tampoco era una novedad, porque al dúo ya le había pasado otras veces. Pero lo que nunca les había pasado era que el sello retocara los arreglos y la producción final del disco. En un intento para hacerlas sonar en las radiofórmulas el sonido se simplifica y se eliminan acordes y cambios de ritmo. El álbum es de los que más venden en su carrera, pero también es, sin lugar a duda, el peor.

A finales de los 90 Paco Clavel organiza un homenaje en forma de exposición en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. El sello Elefant se encarga de la edición de un catálogo/recuerdo de la exposición en forma de EP, que contenía el tema inédito "Coplillas de la mitómana", llamado "Miss Labores" (Elefant, 1999). Gracias a este trabajo empiezan a hablar de la posibilidad de publicar un álbum con nuevas composiciones, y de esta manera se edita "En Familia" (Elefant, 2000).

El nombre del disco le va como anillo al dedo, ya que las Vainica se rodearon de su entorno más cercano para poder grabar con una comodidad que hacía años que no tenían. Aparte de ser productor y arreglista, Álvaro de Cárdenas también toca la guitarra, los teclados y el bajo, Laura de Cárdenas puso coros, cello y compuso el tema "El museo", Diego de Cárdenas puso música y coros en "El paisaje" mientras que el coro de "Nana en re" está compuesto por las nietas de Gloria y las sobrinas de Carmen.

Durante su grabación Carmen cae gravemente enferma y fallece antes de la finalización del disco. Las composiciones estaban terminadas y la voz de Gloria también había sido grabada, pero de Carmen sólo tenían las voces de referencia por lo que tuvieron que trabajar mucho en las mezclas.

Posteriormente Gloria participa puntualmente en algunos álbumes como en el caso del homenaje que hizo Sisa con Suburbano al dúo, o en el tema "Vuela palomita" del disco "Ella…" (PAI, 2006) de Magín Blanco.

Gloria van Aerssen fallece el 22 de octubre de 2015 a la edad de 83 años, en el epitafio que sus hijos escribieron para El País (22 de octubre de 2015) decían: "Siempre nos dijo que quería morir comida por un oso polar, tal y como hacían los esquimales en Los dientes del diablo. No hemos conseguido encontrar un oso, pero sí un hospital en medio de un bosque en Cercedilla, donde ha sido tratada con mucho cariño, y la han ayudado a morir sin sufrimiento".

A pesar de lo esquivas que siempre fueron Vainica Doble, su alergia a hacer diferentes actos promocionales e incluso a tocar en directo no hizo más que ir en su contra para ser más reconocidas en su momento, la formación es uno de los grupos más influyentes en la historia de la música española. Su rastro se puede encontrar en los cancioneros de gente tan dispar como Jaume Sisa, músicos de la nueva ola ochentera como Carlos Berlanga, Fernando Márquez, El Zurdo, o Germán Coppini, el pop llegado de San Sebastián con Family o Le Mans a la cabeza hasta grupos de nuestros días como La Buena Vida, Nosoträsh, Pauline en la Playa. Single o Grupo de Expertos Solynieve.


Noviembre melancólico:
El eterno femenino.
🐾



Siempre Ilegales 🏴☠️🚬🍷🎸



Malos tiempos en compañía de la Santa Compaña...ya no vale coleccionar moscas para regalarlas en la fiesta de los maniquíes, no los toques por favor...
Aquellas cenas recalentadas...



La Mode, grupo heredero de Paraíso, La Mode se formó a iniciativa del líder de aquel, Fernando Márquez El Zurdo, subiendo por primera vez a un escenario en la Escuela de Caminos de Madrid el 12 de diciembre de 1981. Pocos meses después grabaron su primera maqueta que incluyó los títulos Cita en Hawaii y Aquella chica.


Antonio Zancajo.
Mario Gil.
Daniel Ballester.


Eterno Femenino, una de las principales obras maestras en vinilo del Pop de los 80,s.
Fernando Simón se hizo amante de la enfermera de noche.


“¿Qué es el rock and roll, sino un ejercicio de arrogancia?”. Con estas palabras termina Jorge Martínez, guitarrista, cantante y líder absoluto de Ilegales, su saludo inicial en el concierto de celebración de los veinte años de la banda asturiana, que tuvo lugar en la plaza de la Catedral de Oviedo el 9 de septiembre de 2002. Y es que, además de su música, en cuanto a actitud Ilegales destilan rock and roll por los cuatro costados, tal y como lo entiende este grupo: energía, rapidez, insolencia, provocación, incorrección política y, en resumen, chulería.

Además de la actitud, reflejada en sus declaraciones, conciertos y, sobre todo, en sus canciones, no les falta, ni mucho menos, calidad como músicos. Jorge Martínez se ha fabricado un personaje y una leyenda para su banda en la que ya es difícil saber, a estas alturas, qué es verdad y qué es mito. Lo que no ofrece dudas es que estamos hablando de un excelente guitarrista, de un músico con una gran cultura musical, tremendamente perfeccionista con el sonido y que sabe en todo momento qué música quiere hacer. Sus canciones están muy trabajadas, tanto su sonido como los textos, y elige concienzudamente a los músicos que pasan por su banda. Tiene una peculiar forma de componer las letras, buscando frases contundentes y lapidarias y, de forma general, prescinde casi por completo de la rima en sus canciones, que reflejan una mirada dura y ácida sobre el mundo marginal, callejero y la supervivencia en la jungla urbana; la fatalidad sobre los personajes, seres antisociales, incapaces de escapar del mal, y la violencia en un mundo donde los débiles terminan mal, alternan con letras surrealistas, presididas por el cinismo y el humor negro, e incluso directamente la provocación.



Jorge María Martínez García nació en Avilés, creció en Gijón y vive en Oviedo, donde había cursado sus estudios universitarios en los años 70, en la Facultad de Derecho. Es un apasionado de las guitarras, instrumento del que es gran conocedor y coleccionista: posee más de cuarenta. También colecciona soldaditos de plomo y, aparte de la música, le gusta el buceo y los peces tropicales. En 1977, después de militar en varios grupos que, según sus palabras “lo que pasó es que me echaron o se disolvieron violentamente”, junto con su hermano Juan Carlos y el batería David Alonso forman el trío Madson, que dos años más tarde cambiaría su nombre a Los Metálicos. Tras el abandono de Juan Carlos Martínez y la entrada en el grupo del bajista Íñigo Ayestarán, la banda se rebautiza de nuevo y es así como, en 1981, nacen los Ilegales.

Por iniciativa de David Alonso, graban una maqueta y la presentan al concurso pop-rock Villa de Oviedo, que ganan. Este premio les da derecho a participar en un disco colectivo, titulado “Primera Muestra de Pop Rock en Asturias” (Sociedad Fonográfica Asturiana, 1981), junto con otros tres grupos asturianos, Sombrero de Copa, Rimmel y Squizo, de los que no se ha vuelto a saber nada. Cada uno de los grupos tenía derecho a incluir dos canciones en el citado recopilatorio, pero Ilegales consiguen incluir tres: "Europa ha muerto", "La fiesta" y "Princesa equivocada".



La discográfica independiente Arrebato!, viendo el potencial mostrado en esas canciones, les ofrece grabar un single. El grupo acepta y, de esta manera, se edita “Revuelta Juvenil en Mongolia / La Pasta en la Mano” (Arrebato!, 1982). Además, los propietarios de los estudios Norte, en los que se registraron las canciones del citado disco colectivo, Pedro Bastarrica y Rene de Copedeaud, les ofrecen grabar un álbum completo con la idea de vendérselo luego a una discográfica. Paco Martín, entonces en Ariola, compra la producción de este disco, que se edita por la discográfica creada al efecto, con el título de “Ilegales” (Hi-Fi Electrónica, 1982) , utilizando los canales del sello.

Nada más salir a la calle el debut, Íñigo deja el grupo, siendo sustituido por Willy Vijande, que venía de tocar el bajo en el grupo punk asturiano Suybalen y Terlenca. Tras una campaña de promoción en la que, según Jorge Martínez, es decisivo el locutor de Radio3 Jesús Ordovás, (“Me pasó todas las direcciones de todos los programas a los que tenía que ir, de toda la gente que tenía que ver para hacer una campaña de promoción”), Ilegales se recorrerá toda España, tocando en cualquier ciudad o pueblo donde les es posible, y ganándose al público con un directo más que convincente, repleto de energía y de insolencia. Mucho más salvaje que sus discos y que se hace famoso tanto por su manera de interpretar las canciones y su presencia en el escenario, como por las proclamas de Jorge Martínez, en la línea de sus letras, desafiantes y provocativas. Se logrando hacer con un público fiel, por tanto, de forma que el disco, con portada de la fotógrafa Ouka Lele, se vende muy bien. Tanto como que se agota y acabaría reeditándose en 1984 por Epic.

Al año siguiente, la Sociedad Fonográfica Asturiana les edita un single con dos de los temas anteriormente registrados para el citado recopilatorio, “Europa ha Muerto” (Sociedad Fonográfica Asturiana, 1983). Ese mismo año entran de nuevo en un estudio para grabar su segundo larga duración, “Agotados de Esperar el fin” (Epic, 1984), pasando a una discográfica más grande gracias a la mediación del cantautor asturiano Víctor Manuel, quien compra los derechos de la Sociedad Fonográfica Asturiana y la integra en EPIC-CBS, de la que era accionista. Esto les garantiza tener la adecuada distribución y promoción, en un momento especialmente importante para la banda, que estaba en la cima de su popularidad, vendiendo grandes cantidades de copias para un grupo de su estilo y características.

En este momento, Willy Vijande abandona el grupo debido a discrepancias con Jorge del camino a seguir, y es sustituido en principio por Alejandro Felgueroso y posteriormente por Rafa Kas, conocido como Nenuco, que es quien participa en la grabación de su siguiente disco, continuando en la misma línea: “(A la Luz o a la Sombra) Todo Está Permitido” (Hispavox, 1990). Después de este disco Jorge Martínez decide tomarse un año sabático, momento que aprovechan Rafa Kas y Alfonso Lantero para continuar su carrera como músicos, integrándose en los Desperados. De modo que, para el siguiente disco, se incorpora un nuevo batería, Jaime Belaústegui, y regresa al bajo Willy Vijande.

Con esa formación el grupo graba “Regreso al Sexo Químicamente Puro” (Hispavox, 1992). El último para Hispavox, en una línea parecida a los anteriores, da ciertos síntomas de agotamiento lo que, unido a que los tiempos, en el mercado y en los gustos discográficos, empiezan a cambiar, hace que los Ilegales dejen de tener tanta repercusión y pasen a un segundo plano aunque, eso sí, manteniendo una base fiel de incondicionales tanto en España como, sobre todo, en Latinoamérica. Al terminar la gira de este disco y aprovechando el paréntesis que vendría después, Willy deja definitivamente el grupo, formando, junto con Rafa Kas, los Electric Playboys. “El momento de Ilegales ya había pasado, y era todo muy difícil” diría años después el bajista.

Es sustituido por Alejandro Blanco, con el que graban “El Corazón es un Animal Extraño” (Avispa, 1995), un disco más oscuro, con introducción de sonidos soul y hasta funk, para el que Jorge decide prescindir también de los teclados, quedando la formación reducida a cuarteto. Formación de cuarteto que repetirían, con un cambio de batería, entrando Rubén Mol, para la grabación de su siguiente entrega, una vuelta al rock salvaje y básico de sus inicios, “El Apostol de la Lujuria” (Avispa, 1998). Después de esta entrega, el grupo desaparece del mapa, momento que aprovecha Jorge Martínez para realizar otras actividades, como aparecer, con su habitual espíritu provocativo y polémico, en tertulias y programas de debate televisivos, en Canal Sur o en la cadena privada Telecinco, en el programa Moros y Cristianos.

Casi cinco años después, Ilegales se vuelven a reunir volviendo al formato de trío: Jorge Martínez, Alejandro Blanco y Jaime Belaústegui, quienes, para celebrar sus veinte años de vida, el 9 de septiembre de 2002 celebran un concierto en la Plaza de la Catedral de Oviedo, que sería grabado para editar un doble CD y un DVD. Para ello fueron invitados a subir al escenario la práctica totalidad de los músicos que pasaron por la banda: los bajistas Willy Vijande, Rafa Nenuco y Alejandro Felgeroso, los baterías Alfonso Lantero y Rubén Mol, el saxofonista Juan Flores y el teclista Antolín de la Fuente. El concierto se editaría con el título de “El Día que Cumplimos Veinte Años” (Santo Grial, 2002).


Es sustituido por Alejandro Blanco, con el que graban “El Corazón es un Animal Extraño” (Avispa, 1995), un disco más oscuro, con introducción de sonidos soul y hasta funk, para el que Jorge decide prescindir también de los teclados, quedando la formación reducida a cuarteto. Formación de cuarteto que repetirían, con un cambio de batería, entrando Rubén Mol, para la grabación de su siguiente entrega, una vuelta al rock salvaje y básico de sus inicios, “El Apostol de la Lujuria” (Avispa, 1998). Después de esta entrega, el grupo desaparece del mapa, momento que aprovecha Jorge Martínez para realizar otras actividades, como aparecer, con su habitual espíritu provocativo y polémico, en tertulias y programas de debate televisivos, en Canal Sur o en la cadena privada Telecinco, en el programa Moros y Cristianos.

Casi cinco años después, Ilegales se vuelven a reunir volviendo al formato de trío: Jorge Martínez, Alejandro Blanco y Jaime Belaústegui, quienes, para celebrar sus veinte años de vida, el 9 de septiembre de 2002 celebran un concierto en la Plaza de la Catedral de Oviedo, que sería grabado para editar un doble CD y un DVD. Para ello fueron invitados a subir al escenario la práctica totalidad de los músicos que pasaron por la banda: los bajistas Willy Vijande, Rafa Nenuco y Alejandro Felgeroso, los baterías Alfonso Lantero y Rubén Mol, el saxofonista Juan Flores y el teclista Antolín de la Fuente. El concierto se editaría con el título de “El Día que Cumplimos Veinte Años” (Santo Grial, 2002).

Tras la publicación de este disco, se embarcan en una nueva gira por Sudamérica, y crean su propio sello discográfico, La Casa del Misterio. En este sello editan un nuevo disco, “Si la Muerte me Mira de Frente, me Pongo de Lao” (La Casa del Misterio, 2003), un disco en el que siguiendo la línea del anterior, recuperan la fuerza de antaño: contundente, rabioso y salvaje. Además, este sello está tratando de recuperar sus primeros discos, que llevan tiempo descatalogados, con el fin de reeditarlos remasterizados y con extras. De momento, el año 2005, ya lo han hecho con su primer disco, “Ilegales”, añadiéndole sus primeros singles.

Finalmente, y a través de su alianza con el sello Pop Up, surge la oportunidad de reeditar, por fin, todos los discos de la banda. En vez de hacerlo poco a poco deciden editar toda la discografía de un solo golpe, incluyendo alguna maqueta inédita y temas grabados para la ocasión: el resultado son nueve compactos envueltos en una caja de cartón, a la que añaden un libreto con información, anécdotas y la historia de cada disco, y que titulan “126 Canciones Ilegales” (2010, Pop Up).

Como todo no van a ser buenas noticias para los fans, este lanzamiento se hace, coincidir con la despedida de los Ilegales para dar paso al nuevo proyecto, Jorge Ilegal y los Magníficos, en el que los miembros de Ilegales, acompañados por otros músicos, van a dedicarse a recuperar sonidos añejos, como si de una orquesta de los años 40 se tratara, incluyendo, claro está, la recuperación de instrumentos de época, algunos de ellos auténticas piezas de museo.



Es esta formación la que graba la última canción de Ilegales, que haría el número 127. Aunque no estaba previsto grabar nada más con el nombre de Ilegales, Acordes por la Paz les solicita participar en un recopilatorio a beneficio de Médicos Sin Fronteras. En él, multitud de bandas de diferentes procedencias rinden homenaje a los Beatles por su 50 aniversario. Esta versión finalmente es la de “I should have known better” y, según el propio Jorge Martínez “puede ser la última canción grabada por Ilegales o la primera grabada por Los Magníficos, según se mire, y la cantamos en un inglés igual de malo que el español con el que los Beatles cantaron el 'Bésame mucho'.”

Como despedida, en la primavera del año 2010 los Ilegales se integran en una gira que, el título de “Adiós Amiguitos” y con inicio en el festival Wanted de Zaragoza, les iba a llevar por siete ciudades españolas e iba a tener como colofón un concierto en el Festival Internacional de Benicàssim, el 16 de julio, con un repertorio elegido por sus fans a través de Internet.

Finalmente, y debido a la fuerte demanda generada, la gira se extiende hasta bien entrado 2011. Se despiden de Madrid con un concierto en la Sala Penélope el 11 de diciembre, que fue grabado por Radio 3 y emitido el 4 de marzo de 2011.

“Adiós Amiguitos” finaliza ya en el mes de febrero con un concierto en la Sala Camelot de Santa Pola, en la que Ilegales se despiden de los escenarios españoles, aunque no de su público, ya que, a través de la página de la revista Rolling Stone, la banda se despide el 13 de marzo con un mini set de seis canciones, elegido por los fans, grabado en sus propios estudios: La Casa del Misterio.

La trayectoria de Ilegales se cierra con una serie de conciertos en América, en lugares como Quito o Guayaquil.

Golpes Bajos.


La introversión de Germán Coppini, cuyas letras de calado llegaban hasta lo más hondo, era amortiguada por tres músicos de empaque que le daban a todo, del funk a la electrónica: en plena movida, sabían tocar, del mismo modo que los textos del cantante sorprendían por su madurez —o, acaso, habría que llamarlo desconsuelo, pesimismo o desesperanza—, porque no basta con ser un ávido lector para tener pluma, una de tantas virtudes del santanderino adoptado por la movida viguesa.

Ceesepe, el pintor de lo canalla.
Golpes Bajos parecían sonar bajo un cielo plomizo. Tal vez Vigo era así cuando dos compañeros de colegio, raritos en gustos y aficiones, decidieron juntarse para concebir unas canciones que parecían hijas de un orvallo perseverante y una bruma opaca, aunque musicalmente la luz se abría paso entre la oscuridad. Era el faro del teclista Teo Cardalda, que se encaramaría años después a las listas de ventas con el dúo Cómplices, para lo que debió soltar el lastre existencialista de los versos de Coppini, ya maldito a los veintiuno.



Sumaron al bajista Luis García y al guitarrista Pablo Novoa, un virtuoso de las cuerdas que, con el paso de los años, se convertiría en un polivalente instrumentista de campanillas. Ejerció como uno más de la banda —La Marabunta y Mastretta, el grupo de Nacho—, como escudero de lujo —Los Enemigos, Julieta Venegas, Josele Santiago o Bebe— y como solista, cruzando el Atlántico en solitario o recalando en Barbate, donde contagió de electricidad la guitarra acústica de Nono García.


Tres discos en tres años —Golpes Bajos, A santa compaña y Devocionario—, aunque habría que precisar que dos eran minielepés y el larga duración apenas regalaba a los oídos media hora de música. Había tanto en tan poco: No mires a los ojos de la gente, Malos tiempos para la lírica y Cena recalentada son imperecederas, si bien en su testamento también figura Desconocido, ese impotente canto la desamistad, palabro que indicaría pérdida y no enfrentamiento —o sea, enemistad—, del mismo modo que el desamor no es sinónimo del odio.



Volvieron de aquella manera, sin alcanzar el esplendor del brillante trienio. El remedo —sin Pablo ni Luis— no remendó lo descosido: la banda había implosionado y sus causantes corrieron distinta suerte. Carrera errática la de Coppini, meteórica la de Cardalda. El cantante, quien había salido por patas de los primeros Siniestro Total, fue reivindicado por Maga hace una década. En el ínterin, sus proyectos no cuajaron, desubicado en una industria a la que no le interesaban los tiempos del frontman.

Eran propios de un artesano: sus ciclos no cuadraban con los de quienes lo rodeaban. Él precisaba madurar su enésimo proyecto, el reloj se le echaba encima y sus colaboradores se desesperaban. Una forma imprecisa de explicar que cuando había montado una banda, le sobrevenía otra nueva, aunque ninguna coagulaba. Germán era como un ebanista paciente y dubitativo atrapado en el Ikea durante un concurso de montaje acelerado de estanterías Billy. Esa deriva —en soledad o en compañía de otros: Nacho Cano, Anónimos o Lemuripop— indicaba que, efectivamente, los malos tiempos para su lírica habían llegado. En 2013, tras grabar un disco y cuando se disponía a defenderlo en directo con Néctar, un cáncer de hígado se lo llevó por delante a los 52 años.


Es ahora, décadas después, cuando Golpes Bajos es reivindicado por quienes cayeron hipnotizados por ellos. No resultaba un grupo fácil y hasta podía resultar indigesto para muchos —obviamente, su propuesta no era comercial—, pero provocó adicción entre los que osaron a adentrarse en su halo de misterio. ¿Era la voz de Coppini un gancho o un lastre para ganar adeptos? ¿A qué sonaría la música de Cardalda sin las letras de Germán? Cuando ambos se enemistaron, todo se fue al traste, por lo que cabe pensar que en Golpes Bajos uno no podía existir sin el otro. Los fans decían adiós a una banda de leyenda.




Xavier Valiño forma parte de los que se engancharon a ella y no pudieron quitarse. Tras hablar con vivos y muertos, transcribió horas y horas de conversaciones con los miembros del grupo y sus satélites. El resultado es el libro Escenas olvidadas. La historia oral de Golpes Bajos, editado por Efe Eme y prologado por Iván Ferreiro, quien también los ha homenajeado en el disco de versiones Cena recalentada, editado por Warner y producido por Novoa. “Fue un grupo que me marcó y mi intención es tanto darlo a conocer a las nuevas generaciones, como recordárselo a quienes lo disfrutaron en su momento”, explica el periodista y escritor.

Su intención, más allá de lo conocido, es descubrir la vida subterránea de Golpes Bajos, antes incluso de su formación. La historia oculta detrás de cuatro músicos y, sobre todo, el interlineado humano de la banda. Para ello, cede la voz a sus protagonistas, sin meter mano en el relato: “Si lo narrase yo, correría el riesgo de entrometerme, por lo que preferí que ellos contaran directamente su vida y su trayectoria. Además de resultar un formato menos gastado, quizás así le llegue más a los lectores que con mis propias palabras”.

Xavier Valiño —quien ya había publicado una biografía sobre Elvis Costello e investigado sobre las portadas de discos censuradas por el franquismo— deja claro que el libro no es un ejercicio nostálgico, por lo que les habría dedicado igualmente su tiempo si hubiesen irrumpido en la escena de los setenta o de los noventa. “Golpes Bajos es un grupo que te llega o no te llega, pero si lo hace te caes rendido ante él. No es una formación que ames u odies, sino que entra o no en tus coordenadas musicales. Del mismo modo que hay voces que te encantan o te repelen, la de Coppini no restó, sino que fue un atractivo”.

Xavier Valiño, autor del libro 'Escenas olvidadas. La historia oral de Golpes Bajos'. / EVA VALIÑO.

El crítico y autor de Escenas olvidadas desmenuza a continuación la claves del grupo vigués, vigilado de cerca por el guitarrista Pablo Novoa. Sus respuestas llegan desde el plató del programa de Buenafuente, Late motiv, cuya banda dirige con la batuta del mástil de su guitarra. Al igual que ha hecho Valiño con su libro, estructurado por conceptos, a partir de ahora la voz recae en el biógrafo y en el portavoz de los biografiados.

Vigencia.

Pablo Novoa: En la época se nos valoró bastante, pero luego emprendimos una travesía por el desierto, hasta el punto de que hubo cierto olvido. Tal vez se debió a que el camino que tomó cada uno no dio indicios de alcanzar el nivel de la estela que habíamos dejado. Ahora, gracias al libro y al disco de Iván Ferreiro, llega el reconocimiento, que ha alcanzado a las nuevas generaciones.


Xavier Valiño: El valor que tuvieron en su momento se debió al pasado que tenían Luis, Pablo y Teo como músicos, pues habían tocado en otros grupos y aportaron una experiencia de la que carecían otras bandas de la movida. En ese sentido, ellos sólo veían esa destreza en Radio Futura. La calidad de las letras de Coppini no tenía parangón, producto de sus lecturas, lo que le llevó a introducir en los textos nuevos giros y un léxico diferente. Sólo admite la comparación Santiago Auserón y su alter ego, Juan Perro. Hoy, Golpes Bajos sigue siendo un grupo moderno, pues sus canciones no han envejecido nada.

Singularidad.

Pablo Novoa: La banda era un contrapunto continuo entre piezas muy bailables y letras muy duras; entre un punk de guitarras agresivas y voces cercanas al canto gregoriano. En resumen, lo singular fue una mezcla de ingredientes que contrastaban entre ellos.

Golpes Bajos.


Xavier Valiño: Como bien ha entendido Pablo Novoa y así me lo comenta en el libro, su punto fuerte era el equilibrio. Si le quitas los textos, el grupo sería un poco ñoño. Pero si le quitas esas melodías bailables, sería una banda densa y amarga.

Calado.

Pablo Novoa: Fuimos muy intensos, aunque en la movida hubo otras propuestas musicales con muchísima fuerza. Nosotros aportamos letras ácidas y armonías potentes, textos duros y acordes suaves. Alguna melodía no parece compleja, sin embargo el ritmo es muy elaborado.

Xavier Valiño: Contaron las cosas de otro modo, un elemento consustancial al grupo y que aporta un extra de calidad que no tenían otros. Ahora bien, eso mismo —su alergia a lo superficial— pudo provocar que no llegasen más lejos. Alaska, con los Pegamoides y con Dinarama, tuvo un éxito superior con unos textos no tan elaborados, por poner un ejemplo. Ahora bien, la crítica siempre apreció a Golpes Bajos, si bien su repercusión no se tradujo en ventas. Resulta curioso que Teo Caldarda, tras disolver la banda y fundar Cómplices, llegase a un público mayor con unas letras más sencillas.

Coppini.

Pablo Novoa: Después de Golpes Bajos, Germán fue un tío incomprendido. Era muy intenso y no se le entendió en el universo de la música mainstream. Cuando las discográficas vieron que no tenía mucho éxito en solitario, dejaron de hacerle caso. Todos hemos cometido errores en nuestra carrera y Germán no fue una excepción. Hay cosas que hizo hizo bien y otras, en cambio, no.

Necesitaba un buen compositor y dio demasiados tumbos. Él quería hacer las cosas con sumo cuidado y no terminó de encontrar a una persona con la que poder trabajar un disco tranquilamente. Tenía otro ritmo y nadie le aguantaba una trayectoria larga, de ahí que enlazase un proyecto tras de otro.

Por otra parte, se aventuró en proyectos muy arriesgados y se movía en un terreno underground, lo que hacía difícil que llamase la atención de la industria. No obstante, siempre tuvo energía, intentaba montar nuevos proyectos y algunas iniciativas tienen mucho mérito.




Xavier Valiño: Coppini fue el primer solista de un grupo exitoso que se lanzó en solitario, como luego harían Ariel Rot, Jaime Urrutia, Santiago Auserón o Andrés Calamaro. Él abrió el camino, pero a principios de los noventa se encontró con que las bandas de la década anterior habían sido ignoradas o incluso repudiadas por los nuevos músicos. Como ha sucedido en tantas ocasiones, mataron a la generación anterior. Al mismo tiempo, la industria, al ver que Germán no conseguía la misma repercusión que Golpes Bajos, dejó de apoyarlo.

Solo, Coppini no pudo reproducir la química de Golpes Bajos, porque no contaba con las armonías de Teo y de Pablo. Y, por su parte, Teo tampoco contaba con las letras amargas de Germán. Sin embargo, eso hace que Cómplices alcance el éxito, pues los textos eran menos ácidos y las melodías, más asequibles. Digamos que al dulcificar la fórmula de Golpes Bajos, logra llegar a un público mayoritario, porque no hay que olvidar que Cardalda es un excelente melodista.

Pacheco

Pablo Novoa [declaraciones extraídas del libro de Xavier Valiño]: El que creía desde un principio en nosotros era Mario Pacheco, pero en poco tiempo el grupo creció mucho, se comentaba nuestra carrera y fuimos incrementando nuestro caché muy rápido.

De la canción Colecciono moscas tiene mucha culpa. Él nos pasaba casetes de música de distintos estilos: flamenco, jazz, new age y mucha salsa, entre ellos Willie Colón, la Fania All Stars, Copito de Nieve... Así que Germán me encargó que compusiera algo en esa línea, dado que yo tocaba bossa nova, boleros, y me iban ese tipo de ritmos [...]. También tuvo su influencia en La reclusa, en nuestro intento de hacer punk latino o un sonido afterpunk desmarcándonos de lo anglosajón.

Mario hacía lo que podía con los medios que tenía [...]. Para nosotros fue como un padre musical. Era un tipo que sabía mucho de música, alguien con una visión amplia de las cosas, con una gran sensibilidad. En lo que a mí respecta, fue una persona muy importante en mi trayectoria: me daba cuenta de que estaba hablando con un hombre muy culto, con una persona que poseía una gran visión artística y conceptual de las cosas, que entendía los discos como una obra en su conjunto [...]. De su mano entramos en contacto con Ceesepe y empezamos a saber quiénes eran El Hortelano, Ouka Leele, etcétera.

Golpes Bajos: Teo Cardalda, Luis García, Germán Coppini y Pablo Novoa.

Xavier Valiño: No sé si el director de Nuevos Medios era la persona más adecuada para ellos, porque no tenía artistas pop en su catálogo. Sin embargo, escuchó a Golpes Bajos, se quedó alucinado y grabó el primer disco con pasión. Pacheco también ejerció de mentor musical cuando les descubrió la salsa y otros sones, que incorporaron a su repertorio alentados por sus recomendaciones.

No cabe duda de que Nuevos Medios —que luego ficharía a La Mode— fue el mejor sello para Golpes Bajos. Con una multinacional, podrían no haber corrido la misma suerte. Fueron tentados y, de hecho, llegaron a comer en Casa Lucio con gente de EMI, pero decidieron seguir con Mario. Una buena decisión, porque el último minielepé no hubiese sido aceptado por una compañía grande, pues Devocionario era más difícil que los anteriores. Además, Pacheco les dio la idea de ilustrar la portada de su debut con una ilustración de Ceesepe, por no hablar de las imágenes promocionales de la banda, pues Mario era muy buen fotógrafo. Ahora que lo pienso, casi nadie lo hubiera hecho como él.

Fugacidad.

Pablo Novoa: Nos convertimos en una banda mítica probablemente porque no nos dio tiempo a cometer grandes errores. Aplaudo las carreras largas, como la de Radio Futura, que pese a los altibajos tuvo una evolución magnífica. Nosotros fuimos efímeros y sacamos de la chistera los mejores conejos. Eso podría haberse desarrollado maravillosamente o convertido en algo artísticamente más flojo. Golpes Bajos mantenía su intensidad o perdía la esencia. Como fuimos tan fugaces, no nos convertimos en unos horteras, pero tampoco en unos grandes de la música española.

Xavier Valiño: No hubo tiempo para editar más discos, por lo que sus canciones nunca llegaron a mostrar signos de decadencia. Su nivel, cuando desapareció la banda, estaba en lo más alto. Eso les ayudó a convertirse en un grupo de culto, aunque quizás nos privó a los fans de otras excelentes canciones. ¿Lo bueno si breve...? Su obra fue tan exigua que puede resumirse en setenta minutos de música, diecinueve canciones y un prólogo. Hasta el único álbum que publicaron era brevísimo, pues apenas duraba 31 minutos, cuando se daba por hecho que un elepé debía superar los treinta minutos. ¡Solo regalaron un minuto más! Y, para ello, tuvieron que incluir una versión de Come Prima, de Tony Dallara.



Pablo Novoa: El planteamiento fue muy audaz: toda la discografía de Golpes Bajos, cantada por una sola persona. Eso responde a la decisión artística de alguien consciente de que debe hacer algo de valor, mas el resultado tal vez no guste a los oyentes que tenían mitificada a la banda. Ahora bien, no puedes hacer algo en función del público y el disco de Iván artísticamente es irreprochable.

No fue un trabajo fácil. Había que revisar la música y, en ese sentido, anduvimos con pies de plomo. Mantuvimos la esencia, pero sin las ataduras de ese respeto hacia la canción original tan propia de principios del siglo XX. Hoy la gente ve razonable los cambios en una versión, por lo que no buscamos actualizar el repertorio. Sin alejarse del original, jugamos a un nuevo mundo creado por Ferreiro a partir de canciones de Golpes Bajos.




Xavier Valiño: El disco me parece magnífico, porque Pablo está detrás como productor. Iván ha hecho un esfuerzo por llevar esas canciones a un público nuevo, independientemente de que a la gente le guste su voz o considere un sacrilegio ponerse en el lugar de Coppini.

Ruptura

Pablo Novoa: Nos separamos porque estábamos exhaustos. En sólo tres años habían ocurrido demasiadas cosas. Al principio, con sólo cinco canciones, teníamos que dar conciertos de una hora. Luego, preparar un elepé a toda prisa para asentar al grupo. Estábamos continuamente trabajando, éramos unos chavales sin gran madurez y eso provocó roces.

Teo y Germán se cansaron, porque sus percepciones musicales empezaron a ser diferentes y terminaron yendo por caminos distintos. Cuando les ofrecieron otras oportunidades, dejaron de romperse la cabeza con el grupo y montaron proyectos por su cuenta.

'Cena recalentada', de Iván Ferreiro, y 'Escenas olvidadas', de Xavier Valiño rinden tributo a Golpes Bajos.

Xavier Valiño: Hubo varias razones, según los miembros del grupo. Luis y Pablo se quedaron viviendo en Vigo y se sintieron descolocados en el último disco, que fue compuesto en Madrid sólo por Germán y Teo. Entonces, por consejo de Mario Pacheco, Cardalda empezó a trabajar en otras bandas y Coppini se tomó a mal que no se centrase en Golpes Bajos.

Germán le echó la culpa a mánagers, discográficas y terceras personas. Traducido: la gente que estaba a su alrededor les decía que si grababan en solitario iban a tener el mismo éxito. Como había un conflicto personal entre ambos, ¿por qué soportarlo? La salida era que cada uno tomase su propio camino, les comentaban. Durante una temporada, Germán y Teo trabajaron en colaboración y amistad, pero en un momento dado Coppini tenía una novia y Teo se casó. Al entrar en juego más personas, tenían ya también otras opiniones. Aunque convendría matizar: no es que sus parejas influyesen tanto en sus decisiones, sino que ya no eran ellos escuchándose sólo el uno al otro

En realidad, Coppini y Cardalda, más que grandes amigos, estaban muy centrados el uno en el otro y se apoyaban mutuamente. Al comienzo de su carrera todo iba bien, mas a partir del segundo y, sobre todo, del tercer disco terminaron enemistándose. Hasta el punto de que, cuando iban de gira, llegaron a tener camerinos separados en los conciertos.



Escenas olvidadas, repetidas tantas veces como aquella calle, era mi calle de tantos recuerdos y sombras.
Ojalá la melancolía se convierta en alegría con el equipo, mal vamos si no hay resurrección con el Betis ✊📢
Bonus Track con Lone Star.
Hasta jueves próximo 🏴☠️





Lone Star fue un grupo barcelonés de jazz y rock formado en 1958 por Pere Gené (voz y líder del grupo), Enric Fusté (piano), Fernando González Aribayos (batería) y Josep María Lizandra (contrabajo). Es una de las bandas más antiguas de rock y jazz de España.[
👁️💀🦴


#44

Mensaje 10 Nov 2020 06:59

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Marcos78
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Una entrada muy interesante y larga. Estare leyendo


#45

Mensaje 10 Nov 2020 08:57

onlineramones77
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ramones77
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Marcos78 escribió:
10 Nov 2020 06:59
Una entrada muy interesante y larga. Estare leyendo.

El jueves más 👍


Un adelanto del repaso a los nuevos románticos y tecno-pop del jueves.

👆


#46

Mensaje 10 Nov 2020 16:56

offlineToniKukoc
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ToniKukoc
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Vamos con una dosis de temazos...

Una de las que más me gusta de los de Liverpool...






Otra de The Beatles...






Uffff... qué decir de la siguiente... Sí, soy un carca nostálgico :mrgreen:



La siguiente no es tan popular como las anteriores...



Otro supertemazo de los Héroes...




Exitoso clásico ochentero (bueno, de esos tengo muchos)...



Una de estos grandes que fueron los Bee Gees...



Clasicazo de los Beach Boys...




A los que seáis talluditos como yo :mrgreen: , ¿a qué programa os recuerda la siguiente?







Sí, "Documentos TV". Hasta hace poco no sabía que era un tema de la película Blade Runner. Conocía el tema por aquel mítico programa


Otro clasicazo...




Otro éxito ochentero, esta vez en la lengua de Cervantes...



Los Pet Shop Boys. Casi na...



Un poquito más de alegría que estoy muy ñoño ... :mrgreen:




Y para terminar algo bailabley algo más "moderno" (nótese las comillas :mrgreen: )...




Esto es to, esto es to, esto es todo amigos. Otro día más, amiguetes


#47

Mensaje 10 Nov 2020 20:28

offlineToniKukoc
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ToniKukoc
Dios supremo
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Venga va, vamos con otra ración...



Otro temazo ochentero. Nostalgia...




La siguiente siempre la conocí por Nirvana, pero me enteré muchos años después que era una versión de la original de David Bowie. ¡¡Ay, las versiones!! Anda que no me he ido enterando a lo largo de los años de que muchas canciones que conocía eran versiones de otra más antiguas. Mucha gente, sobre todo joven, se sorprendería al saber que muchas canciones que le flipan y dan por hecho que son compuestas por cierto intérprete, en realidad son versiones de otras más antiguas. O versiones de versiones. O versiones de versiones de.... Y si les dices te voy a poner una canción del año catapún, te dicen quita quita... y a lo mejor es la "misma" que esa que tanto le flipa, pero en una versión más antigua :mrgreen:





La siguiente... uffff... Cuando volví a escuchar esta canción después de un montón de años (¡¡¡gracias internet!!!) me llevé un alegrón. Tarareé esta canción unas pocas veces de niño. Gilbert O´Sullivan molaba



Preciosa canción de el Último de la fila. Bueno, como casi todo lo que hicieron...



Otra de estos monstruos que fueron los Héroes..








Esta no recuerdo si ya la puse otro día, pero bueno, es tan buena que me lo perdonaréis :mrgreen:




Que pena que un loco nos dejó sin este genio..,




La siguiente es de un grupo sesentero que he redescubierto hace relativamente poco. Sólo tenía un par de canciones de ellos, pero me puse a buscar por ahí y su música me parece bestial. Es lo más parecido que he escuchado del nivel de los Beatles



Otra de The Beatles...



Otra más de un ex-beatle, Ringo Starr, en solitario. Ringo no sé si apenas compuso un tema cuando era parte de la mítica banda. Aunque después hizo carrera en solitario como los otros tres



Un poquito de rock (casi) patrio




Y para terminar, este preciosísimo tema de los Bee Gees


#48

Mensaje 11 Nov 2020 09:51

onlineramones77
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ramones77
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😎👁️👆👍
Good Morning Blaugranassssssssss, buenas tardes adelantadas, y lo mejor para las noches de toque de queda... si es posible en buena compañía, bien de ánimos y sin malassombras alrededor...
🤭





Fueron los primeros Nuevos Románticos


junto al resto de los Chiripitifláuticos👏👏👏👏👏👏👏
Que tiempos aquellos...
Años después en London City🎡🛬


Pistas para la primera pregunta:

Quienes eran los dueños en Londres del mejor club de Nuevos Románticos???

50 años de su lanzamiento, recordando su tercer álbum The Man Who Sold The World (Mercury, 1970).


" Love Is the Drug " es un sencillo de 1975 del quinto álbum de???


Los anteriores nombrados se podrían considerar padres putativos del amplio movimiento junto a lo mejor del Glam Rock y los inicios de la música electrónica a principios de los 70.s que otro día repasaremos; generando derivados como el Tecno Pop en inicio.

Fashion al más alto nivel ( homenaje a David Bowie, Brian Eno, Brian Ferry, Roxy Music) imagen más bien barroca, muy rococó... ropa neo clásica llena de toques modernistas, horas de maquillaje y peluqueria...

Sonido electrico con ciertos toque funk, con baterías electrónicas, cajas de ritmo, computadoras, vocoders, sintetizadores y extensas producciones.

Así empezó todo🤖

El origen del género tuvo lugar en gran parte dentro de clubs como Billy`s en Dean Street, Londres, que dirigieron David Bowie y Roxy Music, y se desarrolló en el sumamente exitoso y elitista Blitz Club en Great Queen Street, que contaba con Steve Strange " Visage" como portero y con Boy George "Culture Club" como dependiente del guardarropa. El club produjo cientos de derivados similares dentro y alrededor de Londres, entre los cuales estaban Croc's en Rayleigh, Essex, y The Regency en Chadwell Heath, donde Depeche Mode y Culture Club hicieron sus actuaciones debuts como nuevas propuestas.

Spandau Ballet junto a Visage sin olvidar Ultravox fueron sus iniciadores 🕶️🚬💄





El soldado esta girando
Verlo a través de la luz blanca
Corriendo de extraños
Nos vemos en el valle

Guerra contra guerra
Calor a calor
En pocas palabras

He perdido mi mente

Sentado en un banco del parque
Años de luchar
En pocas palabras
He perdido mi mente

Parado en la oscuridad
Oh, estaba esperando que el hombre viniera
Soy hermosa y limpia
Y muy muy joven
Estar parado en la calle
Ser tomado por alguien

Parado en la oscuridad
Oh, estaba esperando que el hombre viniera
Soy hermosa y limpia
Y muy muy joven
Estar parado en la calle
Ser tomado por alguien

Preguntas, preguntas
No me respondas
Eso es todo lo que siempre me dan
Preguntas, preguntas

Oh, mira al chico extraño
Le resulta difícil existir
En pocas palabras
He perdido mi mente

En pocas palabras
I lost my-
Mind


El grupo británico Spandau Ballet surge a finales de los setenta, cuando en Inglaterra está en apogeo lo que se denominaba el nuevo romanticismo, una corriente musical contrapuesta al punk. Mientras la estética punk era desaliñada, la estética de los nuevos románticos era cuidada en extremo, tanto en el vestir como en sus peinados.

En este caldo de cultivo, 5 jóvenes amigos de un barrio obrero de Londres, (Islington), deciden formar una banda que, con el transcurso del tiempo, sería uno de los máximos exponentes de ese nuevo romanticismo, junto a grupos como Duran Duran o Visage. El nombre de ese grupo era Spandau Ballet.

Todo comenzó un poco antes, cuando Gary Kemp (guitarra), Tony Hadley (cantante), Steve Norman (saxo), John Keeble (batería) y Richard Miller (bajo) forman un grupo llamado The Makers. The Makers ofrecían pequeños conciertos en locales y pubs de Londres. Tras la entrada de Martin Kemp y la salida de Richard Miller, el grupo estaba preparado para dar un salto adelante. Lo primero fue cambiar el nombre a la banda, que pasó a llamarse Spandau Ballet, nombre tomado de un cartel de la prisión alemana de Spandau, en Berlín, ciudad que visitaron en un corto viaje a Alemania.

A finales de 1979, los Spandau Ballet ofrecieron un miniconcierto de presentación ante 50 seguidores de la banda. A partir de ese momento, la fama de Spandau Ballet aumentó en la ciudad de Londres, y el grupo comenzó a ofrecer conciertos en los locales de moda, convirtiéndose asimismo en los representantes de la nueva corriente romantica.

Tras varias ofertas, Spandau Ballet firma un contrato con la discográfica "Chrysalis", que les facilita la grabación de un disco a cambio de que el grupo pueda mantener su propio estilo de manera independiente.





Devenir gris

One man on a lonely platform
One case sitting by his side
Two eyes staring cold and silent
Show fear as he turns to hide

Aaah, we fade to grey (fade to grey)
Aaah, we fade to grey (fade to grey)

Un homme dans une gare isolée
Une valise a ses cotés
Des yeux fixes et froids
Montre de la peur lorsqu'il
Se tourne pour se cacher

Aaah, we fade to grey (fade to grey)
Aaah, we fade to grey (fade to grey)

Sent la pluie comme un été Anglais
Entends les notes d'une chanson lointaine
Sortant de derriere d'un poster
Espérant que la vie ne fut aussi longue

Aaah, we fade to grey (fade to grey)
Aaah, we fade to grey (fade to grey)

Feel the rain like an English summer
Hear the notes from a distant song
Stepping out from a back shop poster
Wishing life wouldn't be so long

Devenir gris

Aaah, we fade to grey (fade to grey)
Aaah, we fade to grey (fade to grey)
Aaah, we fade to grey (fade to grey)
Devenir gris

Aaah, we fade to grey (fade to grey)
Devenir gris

Aaah, we fade to grey (fade to grey)
Aaah, we fade to grey (fade to grey)
Devenir gris

Aaah, we fade to grey (fade to grey)
Aaah, we fade to grey (fade to grey)

Devenir gris

Un hombre en un solitario andén
Una maleta sentada a su lado
Dos ojos observando fríos y silenciosos
Muestra miedo mientras se gira para ocultarse

Aaah, nos volvemos grises (volvemos grises)
Aaah, nos volvemos grises (volvemos grises)

Un hombre en una solitaria estación
Una maleta a su lado
Dos ojos fijos y fríos
Muestra el miedo mientras
se gira para ocultarse

Aaah, nos volvemos grises (volvemos grises)
Aaah, nos volvemos grises (volvemos


grises)

Siente la lluvia como en un verano inglés
Escucha las notas de una canción distante
Saliendo de un póster
Esperando que la vida no sea tan larga

Aaah, nos volvemos grises (volvemos grises)
Aaah, nos volvemos grises (volvemos grises)

Siente la lluvia como en un verano inglés
Escucha las notas de una canción distante
Saliendo del póster de una trastienda
Deseando que la vida no dure tanto

Devenir gris

Aaah, nos volvemos grises (volvemos grises)
Aaah, nos volvemos grises (volvemos grises)
Aaah, nos volvemos grises (volvemos grises)
Devenir gris

Aaah, nos volvemos grises (volvemos grises)
Devenir gris

Aaah, nos volvemos grises (volvemos grises)
Aaah, nos volvemos grises (volvemos grises)
Devenir gris

Aaah, nos volvemos grises (volvemos grises)
Aaah, nos volvemos grises (volvemos grises)


Barry Adamson (1979 – 1984)
Billy Currie
Chris Payne
Dave Formula
Gary Barnacle

Visage fue un conjunto musical representativo dentro del estilo "New Romantic" originado a fines de la década de 1970 con el motivo inicial de proveer música para ser reproducida en el club nocturno londinense Billy's, perteneciente a Steve Strange y Rusty Egan.

En sus inicios, el conjunto estaba compuesto por Steve Strange, Rusty Egan y Midge Ure. Ure e Egan iniciaron su trabajo musical con Strange después de la ruptura del grupo "Rich Kids". El trio grabó una demostración que incluía su versión del hit del dúo estadounidense Zager y Evans "In the Year 2525". Tras la inclusión del músico Billy Currie de la banda Ultravox y tres de los miembros de la banda de post-punk Magazine (el guitarrista John McGeoch, el bajista Barry Adamson y el pianista Dave Formula), Visage firma con Radar Records y lanza el sencillo "Tar" en septiembre de 1979. Durante el año siguiente se lanzó al mercado su primera producción discográfica, que resultó ser todo un éxito en ventas y en críticas gracias a una excelente composición y arreglos musicales pero sobre todo y mayormente al sencillo "Fade to Grey" que se transformó rápidamente en uno de los temas musicales representativos de la escena musical "New Romantic", para la cual este primer álbum se transformó en una especie de banda sonora.

Luego del lanzamiento de los hits "Mind of a Toy" y "Visage" Strange tuvo que esperar a sus compañeros de conjunto, sumergidos en los compromisos de sus respectivas bandas (Ure y Currie con Ultravox, Fórmula y Adamson en Magazine y McGeoch junto a Siouxsie and the Banshees) para grabar la segunda producción; no fue sino hacia fines de 1981 que todos los músicos salvo McGeoch regresaron al estudio y grabaron "The Anvil". Las seis semanas de grabación de este álbum fueron tensas y llenas de controversias entre Strange y Ure, ya que no se ponían de acuerdo en cuanto a la dirección musical que el conjunto tomaría, resultando "The Anvil" en un excelente, aunque poco uniforme álbum. Este álbum fue lanzado en marzo de 1982 con mucha menos fanfarria que el primero. Midge Ure abandonó su colaboración con Visage debido a las diferencias con Strange y los crecientes compromisos con Ultravox, su banda principal. El conjunto, ya sin la colaboración de Ure y Adamson y con la incorporación del bajista Steve Barnacle se grabó el sencillo "Pleasure Boys", que salió al mercado en octubre de ese año. El último álbum del conjunto, ya con integrantes permanentes grabó 'Beat Boy", entre 1982 y 1983, álbum que salió a fines de 1984 y cuyo éxito en nada se pareció al de las dos grabaciones anteriores, marcando el fin de la banda.





Las luces se apagaron (El fusible pasado explotó).
Los relojes de todos los detenidos (que no puede ser verdad).
El programa está mal (¿Qué podemos hacer?).
La impresión está bloqueado (Se basó en ti).

La turbina de una carcajada.
Los edificios se congeló.
El sistema de nudo en la garganta.
¿Qué podemos hacer?

Por favor, recuerde que me menciona,
En las cintas que dejas atrás.

Coro:

Nos quedamos quietos.
Todos se detuvieron.
Sin embargo se detuvo.
Estamos de pie.

La pantalla de apagado (no hay respuesta).
Los ascensores de toda la caída (A los gritos de sirena).
Y se desvanece radar (Un piloto suspira).
A medida que el puesto de cuenta atrás (La lectura de mentiras).

Las turbinas de una carcajada.
Los edificios se congeló.
El sistema de nudo en la garganta.
¿Qué podemos hacer?

Por favor, recuerde que me menciona,
En las cintas que dejas atrás.

(Coro)

El cuadro negro no (Los códigos se cruzaron).
Y las cárceles decaído (Las claves se perdieron).
Todo el mundo dio un beso (Respiramos de escape).
En la galería nueva (del Holocausto).

La turbina de una carcajada.
Los edificios se congeló.
El sistema arriba.
¿Qué podemos hacer?

Recuerdo que me menciona,
En las cintas se puede dejar atrás.


Ultravox fue una banda londinense aparecida en la época de la new wave.
Fue creada a mediados de los años 70 por el cantante John Foxx (nacido el 26 de septiembre de 1947), el guitarista Steve Shears, el bajista Chris Cross (nacido el 14 de julio de 1952), el batería Warren Cann (nacido el 20 de mayo de 1950) y el teclista Billy Currie (nacido el 1 de abril de 1950).

Influenciados por la sofisticación de Roxy Music o David Bowie, y las innovaciones electrónicas de Kraftwerk (tres nombres con una ascendencia directa en la new wave en su corriente de pop de sintetizadores), el grupo debutó en el año 1977 con los discos “Ultravox” (1977), producido por Brian Eno y Steve Lillywhite; y “Ha! Ha! Ha!” (1977), dos trabajos tecno pop que pasaron bastante inadvertidos a pesar de ser de lo mejor que han grabado en su carrera.
Uno de los temas más populares de estos inicios, que significaba a las claras las mentadas influencias, fue “Hiroshima Mon Amour”.

Su tercer álbum en Island Records fue “Systems Of Romance” (1978), otro meritorio LP.
Contó con la producción de Conrad Plank, el legendario técnico del krautrock y productor de Kraftwerk.
Tampoco obtuvo repercusión popular y esto provocó la descomposición del conjunto y la salida del sello discográfico.
Algunos de los cortes de “Systems Of Romance” son “Slow Motion” o “Quiet Men”.






ultravox-discografiaJohn Foxx, Steve Shears y Robin Simon, que había sustituido al propio Shears, dejaron un proyecto que se vio relanzado con la llegada del cantante y guitarrista Midge Ure (nacido el 10 de octubre de 1953), quien había pasado por los Rich Kids y Visage, llegando a tocar en vivo con los Thin Lizzy de Phil Lynott.

En Chrysalis alcanzaron el éxito con “Vienna” (1980), LP que contiene el atmosférico single homónimo producido, como todo el álbum, por Plank.
Singles como “Sleepwalk”, “All Stood Still” y “Passing Strangers” también ayudaron a convertir al LP en uno de los más comerciales del momento en Gran Bretaña.
Una de sus piezas más interesantes es el instrumental que abre el disco, “Astradyne”.

Conrad Plank también les produjo “Rage In Eden” (1981), mientras que George Martin, el productor de los Beatles, les ayudó a grabar “Quartet” (1982).
Fueron discos con aciertos parciales pero con composiciones genéricas, convencionales e inferiores a “Vienna”.

Con “Lament” (1984) y el single “Dancing With Tears in My Eyes” brillaron en las radiofórmulas FM.
Después de este disco, Cann dejó las baquetas y fue reemplazado por Mark Brzezicki para grabar “U-Vox” (1986), álbum sin excesiva miga que provocó la marcha de su líder, Midge Ure, quien ya había iniciado su carrera como solista en el año 1982 al grabar una versión del “No Regrets” de los Walker Brothers.


Continuamos viajando por aquellos principios de los 80.s de radios F.M.


Walkmam, conciertos, revistas musicales, discoplay, tiendas de discos, madrugadas escuchando Radio 3, pubs y discotecas...
Incluyendo golpes de estado 💩🚽🧻😷🤧
En Palma en New Babels en la Plaza del vapor, sonaba a todo volumen este tema, mientras bailábamos a lo nuevo romántico en un local de "grutas" al estilo Ibicenco antes, durante o después de Abraxas.
Descarga de electricidad para el cuerpo y una buena copa⚡💥





Paul Humphreys (coros y sintetizadores) y Andy McCluskey (voz y bajo) fundaron en 1978 Orchestral Manoeuvres in the Dark o lo que es lo mismo OMD. Muy pronto se conviertieron en uno de los puntales de la escena techno-pop, junto a grupos como Depeche Mode o Erasure. En un momento en el que el rock se llevaba todos los titulares, y sus estrellas los grandes contratos, estos dos británicos comenzaron a factura hits, en discos de principios de los ochenta como Architecture & Morality o Dazzle Ships, que escalaron hasta lo más alto de las listas de ventas (sí, porque entonces las listas tenían mucha importancia) y que se mantienen como referencias para los fans de la música electrónica.


Con " o sin " ya no me quieres BABY🤭???
Estaba enamorado de las cantantes de Human League en aquella época, que morbazo tenían y siguen teniendo las inglesas...este tema junto al que viene a continuación prendieron mecha dentro del Tecno-Pop, dos clásicazos de bandera🏴☠️ 🎲🎰
Sonaban en los recreativos 🎲🎰👾🕹️








Actualmente con el Covid 19😷🤧☣️no podríamos tocar o acercanos a los inigualables Marc Almond "extraordinario cantante y letrista" junto a Dave Ball con su maravilloso teclado y sintetizador, carismáticos y geniales.


El grupo musical "The Human League", se formó en el año 1977, en el Reino Unido, siendo uno de los pioneros en editar sus canciones en género synth-pop, estilo musical desconocido hasta aquel entonces.

En principio, la banda se llamaba "The Future", y fue creada por los músicos Ian Craig y Martyn Ware, los cuales componían y elaboraban música de estilo pop.

A estos integrantes se unió Adi Newton, aunque muy pronto este decidiría abandonar el grupo para formar otro llamado "Clock DVA", con lo que dejaba al grupo sin una voz que pudiera interpretar sus canciones.

Gracias a la amistad que tenía Ware con antiguos compañeros del colegio, consiguió contactar con Philip Oakey, que en esos momentos trabajaba como conserje en un hospital. Al mismo tiempo, el grupo decidió cambiar el nombre de la banda por el de "The Human League".

Se adoptó ese nombre debido a un videojuego de ciencia-ficción que versaba sobre sociedades interplanetarias, un estilo parecido al de las novelas de Isaac Asimov.

En el año 1978, el grupo musical lanza su EP "Being Boiled" y acto seguido editan el segundo con el nombre de "The Dignity Of Labour". La banda lanza después un álbum al que denominan "Travelogue", el cual no alcanza las expectativas del grupo y esto provoca que Marsh y Ware se desvinculen de la formación para crear otro grupo nuevo llamado "Heaven".

Sólo quedaba ahora en la banda Oakey, mientras corrian la década de los 80. Decidió entonces contratar a dos voces femeninas para el grupo, que fueron las de Susan Ann Sulley y Joanne Catherall, mientras que también incorpora a Ian Burden, el cual se encargaría de tocar el bajo.

El ahora cuarteto lanza en el año 1981 su primer sencillo, al que llamarían "The Sound of the Crowd", y que tuvo una gran acogida entre la critica musical de la época.

Seguidamente, un nuevo integrante se une a la banda. Se trata de Jo Callis , el cual se iba a hacer cargo de tocar la guitarra. Todos juntos editan un álbum llamado "Dare", el cual obtiene un gran éxito, colocándose en las principales listas musicales, y además la crítica especializada le da un "espaldarazo", con sus buenos comentarios.

Gracias a títulos como "Don't You Want Me", el grupo consigue situarse en el primer lugar de las superventas del Reino Unido, así como en los Estados Unidos.

En el año 1982, la banda obtiene el Premio Brit Awards, a la "Mejor Actuación Revelación".

Los sencillos "Mirror Man" y "Fascination", alcanzaron el numero 2 de las principales listas musicales del Reino Unido en los años 1982 y 1983, respectivamente.

El éxito que había conseguido la banda era difícil de igualar, y los miembros del grupo lo sabían, por lo que intentaron trabajar muy duro para conseguir que su siguiente lanzamiento estuviera a la altura del anterior, y así, en el año 1984, lanzan una nueva publicación con el nombre de "Hysteria".

Este álbum no deja indiferente a nadie por diversas cuestiones. En primer lugar, el género musical del contenido del mismo cambia un poco, lo que hace que los fans se dividan a la hora de evaluar el mismo y la prensa musical hace más o menos lo mismo, a pesar del buen contenido de la publicación.

En las navidades de ese año, Oakey edita un nuevo trabajo que seria llevado a la banda sonora de la película "Electric Dream", con un marcado éxito.

Corría el año 1986 y el compositor del grupo Jo Calling abandona la formación, siendo suplido por Jim Russell, que además se ocuparía de tocar la batería.

Pronto se pondrian a trabajar en un nuevo álbum, el cual salió al mercado con el nombre de "Crash", pero que, sin embargo, volvió a fallar a la banda, que habían puesto en él unas expectativas mucho mejores.

Comienza la década de los 90 y se edita el título "Romantic?", que coincide con diversos cambios en la formación. Entre las incorporaciones al mismo se puede nombrar a Neil Sutton, que sería el encargado de tocar los teclados y de componer algunas de las canciones del grupo.


Soft Cell se formó en 1977 y su disco debut llegó años después, en 1981 bajo el nombre de Non-Stop Erotic Cabaret, seguido por The Art Of Falling Apart y This Las Night In Sodom, después se separaron y volvieron en 2001, un año más tarde sacaron otro disco Cruelty Without Beauty.


No nos podemos olvidar de Depeche Mode, cuando llegamos a la mitad de nuestro largo viaje.
Indiscutiblemente alma mater de la música electrónica británica a lo largo de su larga historia 🎤🎧🎚️🎛️🎹


Del originario pop electrónico minimalista y bailable de raíces Kraftwerk de Vince Clarke al tecno pop de atmósferas góticas de Martin Gore, las composiciones de Depeche Mode siempre se han significado por ofrecer algunas de las propuestas más interesantes y sugestivas de los sonidos electrónicos surgidos en el Reino Unido a comienzos de los años 80.

La historia del grupo se remonta a mediados de la década de los 70, cuando en el año 1976 dos muchachos de la localidad inglesa de Basildon formaron un dúo llamado No Romance in China en el que ambos tocaban la guitarra.
Sus nombres eran Vince Clarke (nacido el 3 de julio de 1960) y Andrew Fletcher (nacido el 8 de julio de 1961).
Tras la ruptura del dúo, Vince conoció a Martin Lee Gore (nacido el 23 de julio de 1961), guitarrista del conjunto Norman and The Worms en el que Gore compartía escenario con Philip Burdett.
En el año 1979 crearon The French Look, la primera formación en la que comenzaron a utilizar sintetizadores.
Vince llamó a su amigo Andrew y se rebautizaron como Composition Of Sound.


En ese momento, y con el dominio en la composición de Clarke, Composition Of Sound amalgamaron en su música influencias de Kraftwerk, David Bowie, Human League o Roxy Music para crear un rítmico pop electrónico de pegadizas melodías con Vince, a su pesar, como vocalista principal.
Un año después, y debido a su fobia a cantar, Vince Clarke propuso que el grupo incorporara a un nuevo cantante.
En el año 1980, Composition of Sound añadió a la banda a David Gahan (nacido el 9 de mayo de 1962) y poco después cambiaron su nombre al de Depeche Mode, derivado de una revista de modas francesa.

El grupo obtuvo un importante seguimiento en los clubes londinenses y grabó el single “Photographic”, que fue editado en una pequeña compañía independiente llamada Some Bizarre.
Poco después llamaron la atención de David Miller, el propietario del sello Mute Records y editaron su primer sencillo con Miller, “Dreaming Of Me”.
Esta canción alcanzó el número 1 en las listas independientes de Gran Bretaña a comienzos del año 1981 y sacó del anonimato a la banda.

El mismo año publicaron su primer LP, “Speak and Spell” (1981).
Con Vince Clarke como alma del grupo, este subestimado disco, con un sonido muy alejado de sus posteriores trabajos, está plagado de contagiosas, inocentes, dinámicas, bailables, alegres piezas de pop de sintetizadores con brillantes melodías de espíritu naif.
El segundo single del álbum fue “New Life”, uno de los mejores cortes del álbum que fue continuado por “Just Can’t Get Enough”, la canción que les convirtió en estrellas a ambos lados del Atlántico.
El LP también contenía dos de las primeras composiciones escritas por Martin Gore, “Tora! Tora! Tora!” y la instrumental “Big Muff”, cortes inferiores a las diez canciones de Clarke.

Este sonido pegadizo, colorista, optimista de Vince cesó cuando el compositor decidió abandonar el grupo tras “Speak And Spell” para formar primero Yazoo junto a Alison Moyet y después Erasure con Andy Bell.

La prensa británica, y los propios fans de Depeche Mode, prácticamente daban por finiquitado el conjunto con la marcha de su líder.
Se equivocaron. Fue en ese momento cuando Martin Gore cogió las riendas de la composición y los temas de la banda comenzaron a oscurecerse, sus propuestas líricas eran más amargas y las atmósferas más sombrías.
A pesar de la tendencia oscura de Gore éste todavía está influenciado por la escritura de Clarke, apreciable en todo el siguiente álbum y en “See You”, el primer single de su nuevo disco, “A Broken Fame” (1982).
“A Broken Fame” fue un estupendo segundo disco con canciones como “Leave In Silence”, “The Meaning Of Love”, “The Sun And The Rainfall”, “A Photograph Of You”, el instrumental “Nothing To Fear” o la citada “See Rou”.
Varios temas de este disco fueron recuperados de composiciones antiguas que Gore había escrito en sus años de adolescente.

Para las actuaciones en directo, Depeche Mode requirieron la presencia de un experto en sintetizadores incluyendo en el Melody Maker un anuncio.
El elegido fue Alan Wilder (nacido el 1 de junio de 1959), quien en principio solamente acompañaba al grupo de gira hasta su inclusión como miembro oficial en su tercer LP, “Construction Time Again” (1983), disco con unas letras más comprometidas aunque sin la vivacidad pop de sus inicios, siendo el tema más importante de este irregular álbum el clásico “Everything Counts”, canción en la que Gore ataca la codicia del exceso afán capitalista.

Mucho mejor fue “Some Great Reward” (1984), magistral LP grabado en Berlín y publicado tras el single “Get The Balance Right”. Con un sonido industrial, el disco está significado por grandes composiciones y espinosas letras, con materias como el sadomasoquismo en “Master And Servant”, el suicidio y un miramiento irónico a la religión en “Blasphemour Rumours” o la igualdad racial y cultural en “People Are People”.
También Gore tuvo tiempo para escribir una de las mejores baladas románticas en la historia del grupo, “Somebody”, con base de piano e interpretación vocal del propio Martin.

“Black Celebration” (1986), publicado tras un recopilatorio de singles, subrayó su enfoque gótico, reflexivo, taciturno, y volvió a alimentar el catálogo de clásicos de la banda con “A Question Of Time”, “A Question Of Lust”, “Stripped” o el título homónimo.

El excelente disco “Music For The Masses” (1987), producido por primera vez por David Bascombe, reforzó su posicionamiento comercial y con tres memorables singles, “Strangelove”, “Never Let Me Down Again” y “Behind The Wheel”, Depeche Mode se convirtieron en ídolos de la radiofórmula.
Este triunfo fue corroborado con el éxito del directo “101” (1989), doble álbum grabado en el Pasadena Rose Bowl que fue acompañado por un video dirigido por D. A. Pennebaker, conocido por su colaboración con Bob Dylan.
Ese mismo año, Martin Gore publicó su primer disco en solitario, el EP de versiones “Counterfeit” (1989).

Depeche Mode volvieron a las tiendas de discos con “Violator” (1990), uno de sus mejores LPs en el que incorporaron elementos rock.
“Personal Jesus”, “Enjoy The Silence”, “Policy Of True” o “World In My Eyes” son algunos de los temás más importantes de un álbum co-producido por Flood, quien previamente había trabajado con U2, Erasure o Nick Cave.

Flood y un sonido más agresivo continuaron en “Songs Of Faith And Devotion” (1993), ecléctico disco tecno rock con cambio de imagen para David Gahan, quien se convierte en un adicto a la heroína y a lucir melena influenciado por el contexto grunge de su nueva residencia americana.
Con temas como “I Feel You”, “Walking In My Shoes”, “Condemnation” o “In My Room”, el disco alcanzó los puestos más altos en las principales listas mundiales a pesar de ser recibido por sus seguidores con cierto desencanto.

A partir de mediados de la década de los 90 el grupo comenzó a dispersarse.
David Gahan continuó enganchado a la heroína e intentó suicidarse tras ser abandonado por su esposa. Martin Gore se marchó a los Estados Unidos con su mujer Suzanne Boisvert, con la que contrajo matrimonio en 1994.
Alan Wilder no se mostraba contento con el nuevo sonido y abandonó el grupo para proseguir con su proyecto electrónico Recoil, proyecto que había iniciado a finales de los años 80.
En el año 1996, con David Gahan rehabilitado de sus problemas con las drogas, Depeche Mode, ahora convertidos en trío, comienzan a grabar en Nueva York su nuevo disco, “Ultra” (1997), un trabajo menor producido por Tim Simenon que contiene temas como “Barrel Of A Gun”, “It’s No Good” o “Home”.
Tras unos años de ausencia en el panorama discográfico, el grupo británico retornó con “Exciter” (2001), un LP recibido con disparidad de opiniones en el que contaron con la colaboración del productor Mark Bell, conocido por sus discos con la cantante islandesa Björk.


En el año 2003, Martin Gore publicó el LP “Counterfeit 2” (2003), una nueva recopilación de versiones con covers de gente como John Lennon, Lou Reed, Julee Cruise, Nick Cave, Brian Eno o Iggy Pop. David Gahan también grabó en solitario su debut “Paper Monsters” (2003), en donde el cantante formaba equipo compositivo con Knox Chandler.

Dos años después Depeche Mode editaron “Playing the Angel” (2005), álbum producido por Ben Hillier, quien previamente había colaborado con Blur, U2, Echobelly o Duran Duran.
En el año 2007, Gahan volvió a publicar un disco como solista con “Hourglass” (2007). Más tarde colaboró con los Soulsavers para grabar “Angels & Ghosts” (2015).
“Sounds Of The Universe” (2009), disco presentado con el single “Wrong”, y “Delta Machine” (2013), son sus últimos álbums.

Martin Gore publicó como solista el disco instrumental electrónico “MG” (2015).
Dos años después apareció un nuevo disco de Depeche Mode titulado “Spirit” (2017), con singles como “Where’s The Revolution” o “Going Backwards”.
En el año 2017 también sonó su canción “Everything Counts” en el recopilatorio “Just Say 50: Sire Records 50Th Aniversary Box”. Previamente, en el 2016, se editó el DVD “Video Singles Collection”.

En el año 2018 sonó su canción “It’s No Good” en la película “Aquaman” (2018).
El mismo año se escuchó “New Life” en la banda sonora del film “Black Mirror” (2018).
En el año 2020 ingresaron en el Rock And Roll Hall Of Fame.


Que jovencitos 👍🤔
Vivir en silencio 🕶️🥃





No perdemos comba con otro grupo contundente de aquel movimiento, abanderados de la libertad sexual, sobre todo sonora junto a muchos otros 👬👭🏳️‍🌈





B.P. Hurding
Mik Sweeney
Sal Solo (1979 – 1985)
La banda, se forma en Inglaterra, allá por el año de 1979; a partir de la ruptura del grupo punk X-Ray Spex, en donde los dos miembros de esta banda ( Jak Airport y BP Hurding ), colocan un aviso en una tienda, en búsqueda de un vocalista para el nuevo proyecto que tenían en mente.

Es así como Sal Solo,un cantante con mucha carisma escénica responde al anuncio.Finalmente el grupo tenia como miembros a Sal Solo-voz,Mike Sweeney-bajo, Gary Steadman -guitarra y Paul Hurding -batería . En 1982 Gary Steadman ha sido sustituido por Juko Tutani Sumen, ademas han añadido a Stephen Paul Wilson -teclados.

Su estilo e imagen, hicieron que rápidamente se les asociara con las bandas de corte “New Romantic”, como Ultravox, Spandau Ballet, The Human League, entre otros. La discográfica “EMI” se interesa por ellos y es así como en 1980, editan el single “Robots Dance”.

Pero sería en 1981 cuando la banda edita su primer álbum titulado “Night People”, en donde se encontraba el single “Guilty”, que los llevaría a la fama mundial. Ya luego seguirían discos como “La verité” (1982), “Secret” (1983), que fueron de mayor éxito que su disco debut y que los llevaría a extensas giras europeas.Lo curioso es que nunca fueron muy populares en las islas,sin embargo en Europa tenían muchos seguidores

El alma del grupo, continuó hasta hoy su carrera de dj compatibilizandolo con otras actividades.
Culpable???
👄👁️👀








Caminaba a lo largo de la avenida‍ ‍ ‍‍ ‍
Nunca pensé que conocería una chica como tú
Conocer una chica como tú

Con cabello castaño y ojos rojizos
Ese tipo de ojos que me hipnotizan completamente‍ ‍ ‍‍ ‍
Que me hipnotizan completamente‍ ‍ ‍‍ ‍
Y corrí, corrí muy lejos‍ ‍ ‍‍ ‍

Solo corrí, corrí toda la noche y día
No pude escapar‍ ‍ ‍‍ ‍

Una nube aparece sobre tu cabeza
Un rayo de luz baja brillando sobre ti
Baja brillando sobre ti

La nube se mueve cerca
Auroras Boreales se dejan ver
Auroras se dejan ver
Y corrí, corrí muy lejos‍ ‍ ‍‍ ‍
Solo corrí, corrí toda la noche y día
No pude escapar‍ ‍ ‍‍ ‍

Levanté mi mano para tocar tu cara
Te desapareces lentamente de mi vista
Apareciendo en mi vista

Saco mi mano para intentarlo de nuevo
Estoy flotando en un rayo de luz contigo
Un rayo de luz contigo
Y corrí, corrí muy lejos‍ ‍ ‍‍ ‍
Solo corrí, corrí toda la noche y día
Y corrí, corrí muy lejos‍ ‍ ‍‍ ‍
Solo corrí, no pude alejarme


El grupo tomó el nombre de una frase de la canción “Toiler on the Sea" de The Stranglers. “A Flock of Seagulls” fueron notables en la década de los 80 por su video MTV por la canción "I Ran (So Far Away)."

Trayectoria.
Su lanzamiento al estrellato internacional vino de la mano de la cadena de televisión musical MTV, con el video musical "I Ran (So Far Away) 1982, este tema está incluido en el videojuego Guitar Hero Encore: Rocks the 80s, para PlayStation 2 , (2007), esta canción que identifica perfectamente el estilo musical y estético de la banda, una fantasía de cabellos gigantescos y hombres perfectamente manicurados estilo que pasaría a la historia como new romantic.

Datos de la Banda.
A Flock of Seagulls ganó el premio Grammy en 1983 a la Mejor Rock Instrumental (de ADN).
Su nombre se deriva de "Jonathan Livingston Seagull", de Richard Bach.
Utilizan para ensayar una habitación encima de peluquería de Mike en Whitechapel, en el centro de Liverpool.
Ed Berner, tocando con la banda desde 1988 a 1997, ocupó el puesto como el mayor guitarrista de funcionamiento de A Flock of Seagulls.
Joe Rodríguez, cuando realizó su décimo año con la banda en 2008, se hizo cargo de ese papel, y sigue llevando a cabo con la banda hasta la fecha.
Aparte de Mike Score, que apareció en el single Tontrix en 1979, sólo hay otros dos miembros de A Flock of Seagulls que aparecen en los álbumes fuera del grupo: Joe Rodríguez aparece en su propio álbum llamado ANTARES: LA Grandesign, y el baterista Alberto Cruz aparece en las producciones derivadas de la banda que ahora realiza con Bandees llamada.


De una bandada de gaviotas a Yazoo🧙





Hay situaciones que cambian con el tiempo, otras se perpetúan eternamente 👉🤦👈


Si bien Erasure como banda surgió oficialmente en 1986 con el álbum Wonderland, mucho antes de que esto ocurriera, Vince Clarke ya tenía una trayectoria muy interesante con proyectos y músicos de las que ahora son reconocidas bandas en la historia de la música en géneros como el synthpop, el rock y la electrónica.

A los 16 años formó su primer grupo llamado No Romance in China, donde se encargaba de voz y guitarra, el bajista era su amigo Andy Fletcher. Tres años después formaría The Plan, junto con Robert Marlow y Perry Bamonti quien después se convertiría en bajista de The Cure para grabar Wish y cuatro discos más. Ya en 1980 al lado de Martin Gore formarían el grupo French Look al que se sumaría Fletcher y que se convertiría en Composition of Sound donde Vince Clarke era el vocalista hasta la llegada de Dave Gahan que además marcaría el nombre definitivo de esa agrupación: Depeche Mode.

En Speak & Spell el álbum debut lanzado en 1981 por la ahora legendaria banda, Vince Clarke fue el compositor de los sencillos “Dreaming of Me”, “New Life”, y “Just Can’t Get Enough”. A pesar de la buena recepción por parte de la crítica de ese disco Vince Clarke abandonó la banda poco después de su lanzamiento. En una entrevista para Bruce Tantum de Vice en 2016 reveló que el motivo por el que decidió irse es que eran demasiado jóvenes y que él éxito los tomó por sorpresa muy temprano, que simplemente no se estaban llevando muy bien, en un momento estaba cobrando un seguro de desempleo y de pronto ya estaban dando shows en París.

Después de su salida de Depeche Mode Vince formó el dúo Yazoo (Yaz en EUA) junto con la cantante Alison Moyet que tuvo sencillos muy exitosos como “Situation” y “Don’t go”. Pero también tuvo una muy corta carrera pues decidió terminar el proyecto de manera repentina en 1983.

Andy Bell, el primero de seis hijos no tenía una trayectoria en la música y apenas había tenido un intento infructuoso de formar una banda con un bajista amigo suyo que no resultó. En 1985, mientras vivía en Londres y trabajaba en una tienda vendiendo zapatos para mujer, vio un anuncio en la revista Melody Maker: “Compositor busca cantante”, se trataba de Vince Clarke. Después de esperar un par de días tuvo la audición y fue elegido y así como comenzó la historia de Erasure.

Los sencillos de su primer disco no tuvieron demasiado impacto, salvo el tercero “Oh l’amour” que fue bien recibido en Francia y Alemania. Vince reveló que pensaba que si ese disco no funcionaba tendría que dedicarse a otra cosa pero unos meses después hacia finales del 1986, el sencillo “Sometimes” que ya pertenecía a su segunda producción The Circus, llegó al número 2 de la listas en el Reino Unido y dio inicio a una serie de exitosos sencillos.

Desde 1986 a 2007, Erasure logró tener 32 sencillos de forma consecutiva dentro del top 40 del Reino Unido y hasta la fecha ha lanzado 16 discos de estudio. Algunos de sus más grandes éxitos además de los ya mencionados son “A little respect” “Always” “Love to hate you” “Take a Chance on Me” por mencionar unos cuanto que seguramente estarán en el repertorio de la gira que darán por nuestro país en Tijuana, Monterrey y la Ciudad de México. Una excelente oportunidad para ser testigos de la genialidad de este gran músico y compositor.


El nombre de Duran Duran fue tomado del personaje que interpretaba Milo O'Shea en la película de ciencia-ficción Barbarella, protagonizada por Jane Fonda. En 1979, Colley y Duffy son sustituídos por el cantante Andy Wicket y el batería Roger Taylor. ... En 1981 aparece el primer sencillo de Duran Duran, "Planet Earth".





Tercera pregunta y última... de dónde era el grupo español "nuevo romántico" Glamour???


Ebullición del post-punk y explosión new wave.
En esta época inspirada en los sonidos espontáneos e inmediatos que había asentado en el panorama musical el desabrimiento punk con el retorno al formato single y la recuperación de un festivo escenario para la música pop, surgieron Duran Duran, banda británica influenciada por gente tan ecléctica como David Bowie, Roxy Music, Japan, The Damned, Blondie o Chic, con resonancias pop, funk, art-rock y disco.

Duran Duran se convirtieron en figuras clave del movimiento conocido como nuevos románticos, una facción de la new wave que enfatizaba el estilo y el glamour y que sus propios miembros, casi todos ellos antiguos componentes de bandas punk, definían como una mezcla entre el post-punk y el glam rock, amalgamando pop de ritmos bailables, texturas electrónicas y ramalazos de guitarra rock.

Quizá su estilosa y glamourosa imagen, que ellos mismos fueron abandonando con el tiempo en pos de desertar de la etiqueta que emplearon para lanzarse a la popularidad, perjudicó la estimación de su infravalorado talento interpretativo y compositivo, el aspecto lúdico y provocador de sus primeras propuestas, su sofisticada imagen y la habilidad para robustecer sus singles con llamativos videoclips, que convirtieron a la banda británica en uno de los grupos de mayor éxito en la década de los 80.


Duran Duran, nombre tomado de una película de ciencia-ficción dirigida por Roger Vadim y protagonizada por Jane Fonda, llamada “Barbarella”, se formaron en el año 1978, cuando en la ciudad inglesa de Birmingham dos amigos de instituto, el bajista excomponente de los grupos punk Crucified Toad y Dada, John Taylor (nacido el 20 de junio de 1960 en Solihull, Warwickshire), y el teclista Nick Rhodes (nacido el 8 de junio de 1962 en Moseley, Birmingham, con el nombre real de Nicholas Bates), decidieron formar un grupo musical junto al cantante y guitarrista Stephen Duffy y el bajista y clarinetista Simon Colley.

Tras actuar en diversos locales de Birmingham, entre ellos uno llamado Barbarella, y grabar varias demos con Bob Lamb, Duffy y Colley, abandonaron el proyecto para formar Subterranean Hawks y fueron reemplazados por el guitarrista Andy Taylor (nacido el 16 de febrero de 1961 en Cullercoats, Tyne And Wear), ex componente de la banda Motorway que sustituyó a Alan Curtis tras responder a un anuncio en el Melody Maker, el batería Roger Taylor (nacido el 26 de abril de 1960 en Nechells, Birmingham), que había pasado por varios grupos punk y el vocalista Simon Le Bon (nacido el 27 de octubre de 1958 en Bushey, Hertfordshire), que sustituyó a los reemplazos de Duffy, Andy Wickett (T. V. Eye) y Geoff Thomas.
LeBon había sido el frontman de varios grupos punk y pub rock, entre ellos Dog Days.
Además había estudiado Interpretación en la Universidad de Birmingham, aprovechando su instrucción para dotar de teatralidad sus ejecuciones musicales.

Representados por Paul y Michael Berrow, propietarios del Rum Runner Club, local en donde Duran Duran solían actuar regularmente, el grupo logró ser contratado para actuar como teloneros de la cantante Hazel O’Connor.
Su creciente popularidad les llevó a firmar con EMI y grabar su primer sencillo, el excelente “Planet Earth”, en donde se combina su rítmico pop de raíces electrónicas, un cierto sentido “arty” y la energía inherente a la nueva ola.
El tema llegó al número 12 en las listas británicas, mejor resultado que el logrado con “Careless Memories”, que solamente consiguió alcanzar el puesto número 37.
El single incluyó una versión del “Fame” de David Bowie, una de sus referencias sonoras más importantes.

Un tema antiguo de la banda, “Girls On Film”, fue elegido como tercer single.
La canción les llevó al éxito (número 5), apoyada hábilmente por un vídeo censurado por la BBC, filmado por Godley & Creme, músicos exmiembros de 10 C. C., en el que los componentes del grupo aparecían rodeados de hermosas modelos del Penthouse.

Su primer LP, “Duran Duran” (1981), uno de sus mejores trabajos en disco grande producido por Colin Thurston (ingeniero de Bowie o Iggy Pop y productor de Magazine y Human League), ejemplificaba bien el aspecto estético del movimiento.

Llamativos ropajes, maquillajes, fotogénica imagen, con peinados de la novia de Andy Taylor, Tracey Wilson, conformaban una provocadora y sugerente apariencia de reminiscencias glam.
Su estética fue recibida con entusiasmo por el “mainstream” británico, convirtiéndose en ídolos de jovencitas aunque su escritura no estaba enfocada para esa audiencia a pesar de la apariencia doméstica de unas canciones significadas por el aporte compositivo del teclista Nick Rhodes.
Ellos mantuvieron una relación ambigua con las revistas de adolescentes, ya que pensaban que aunque era una fenomenal manera de promocionarse, dañaban su credibilidad como músicos.

Su LP debut, con temas como “Planet Earth”, “Anyone Out There”, “Sound of Thunder” o “Girls On Film”, llegó hasta el puesto 3 en las listas de ventas británicas y cosechó importantes resultados comerciales en Europa, Japón y Australia. En reediciones en CD se incluyó su primer número 1, el single “Is There Something I Should Know?”, publicado en el año 1983.

“Rio” (1982), producido de nuevo por Thurston, consiguió el número 2 en LPs gracias a canciones como “Hungry Like The Wolf”, “The Chauffer”, “Rio” o “Save a Prayer”.
La heterogenidad del pop de sintetizadores, funk y música de baile comenzó a conquistar los Estados Unidos a raíz de este álbum, llevándolos a girar en el país norteamericano como teloneros de Blondie.
Un año después de triunfar en Europa, el LP “Rio”, propulsado por la promoción del video de “Hungry Like The Wolf” en la MTV, consiguió el triunfo en los Estados Unidos, alcanzando el puesto 6 en el Billboard.



Tras el número 1 en Inglaterra y 4 en Estados Unidos con “Is There Something I Should Know?”, Duran Duran publicaron su tercer disco, “Seven and The Ragged Tiger” (1983), que les volvió a llevar al éxito con “Union Of The Snake”, “New Moon On Monday” y “The Reflex”, su primer número 1 en los Estados Unidos y su segundo en Gran Bretaña.

En el año 1984 publicaron el single “Wild Boys”, un tema producido por el miembro de Chic, Nile Rodgers, que posee una atmósfera casi gótica en sus bases de pop electrónico.
La canción fue promocionado con un espectacular videoclip, y el LP en directo “Arena” (1984) se convirtió en uno de sus trabajos de mejor resultado comercial.
Al mismo tiempo, varios componentes sentaron la cabeza y contrajeron matrimonio ese mismo año.
Nick Rhodes con la joven millonaria Julie Anne Friedman y Roger Taylor con la bailarina Giovanna Cantone.
Andy se había casado previamente con Tracey, Simon LeBon conoció a la modelo Yasmin Parveneh, con quien se casó en 1985, y John Taylor continuaba ligando a tutiplén con actrices y modelos.



Un año después grabaron para la película de James Bond “Panorama Para Matar”, el tema “A View To a Kill”, una de las mejores canciones realizadas para la serie dedicada al famoso agente británico 007 con gradación épica e inquietante atmósfera.

En el año 1985 el grupo comenzó a desintegrarse.
Las fricciones entre componentes provocó que Duran Duran se escindiera en dos ramas.
Una de ellas fue Power Station, un grupo de rock formado por John y Andy Taylor, junto al cantante Robert Palmer y el batería de Chic, Tony Thompson.
Palmer había ingresado en el proyecto cuando abandonó la famosa groupie y modelo Bebe Buell (la madre de Liv Tyler), que había roto su relación sentimental con John Taylor.
En su disco debut versionaron el clásico de T. Rex “Get It On” y el tema de los Isley Brothers “Harvest For The World”.
Por su parte, Simon LeBon, Nick Rhodes y Roger Taylor formaron Arcadia, triunfando con el single “Election Day”, incluido en su único LP “So Red The Rose” (1985), en el que colaboraron gente como David Gilmour, Sting o Carlos Alomar.






Tras estas aventuras paralelas, John Taylor, Nick Rhodes y Simon LeBon retomaron Duran Duran para grabar el infravalorado y valioso “Notorious” (1986), un álbum producido por Nile Rodgers más maduro que sus previos esfuerzos, con trazos funk y una prominente sección de metal.
Entre sus surcos se incluyen grandes singles como “Skin Trade”, “Meet El Presidente” o el título homónimo.
Giraron por Norteamerica con David Bowie y compartieron escena con Lou Reed en el Benefit for Association, cantando temas tan emblemáticos como “Walk On The Wild Side” y “Sweet Jane”.


“Big Thing” (1988), con “I Don’t Want Your Love” y “All She Wants Is”, fue un LP más experimental con ritmos de baile electrónicos.
El disco no fue bien recibido por crítica y público en su momento, al igual que “Liberty” (1990), otro subestimado album que contiene el aprovechable single “Violence Of Summer” y presentaba a dos nuevos miembros oficiales, el guitarrista americano Warren Cuccurullo (nacido el 8 de diciembre de 1956), que había tocado con Frank Zappa y ya había colaborado con el grupo en discos anteriores, y el batería Sterling Campbell.

Estos discos supusieron un declive comercial del grupo que se recuperó de manera sorprendente con uno de sus mejores trabajos, “Duran Duran (The Wedding Album)” (1993), un LP en el que la banda de Birmingham, ahora sin Campbell, incluyó el excelente single “Ordinary World” y una versión del “Femme Fatale” de la Velvet Underground, que volvió a elevar al grupo a lo más alto de las listas mundiales y a conseguir las mejores críticas de su larga trayectoria.
Este álbum fue continuado por un fallido disco de versiones titulado “Thank You” (1995), con adaptaciones de Bob Dylan, Lou Reed, Iggy Pop, Temptations o The Doors, a quien versionaban el tema “The Crystal Ship”.
Tras este LP, John Taylor, formó en 1996 el grupo de hard rock Neurotic Outsiders con el miembro de los Sex Pistols, Steve Jones, el ex Guns N’ Roses, Duff “Rose” McKagan, y el antiguo componente de The Cult y Guns N’ Roses, Matt Sorum.
Después de publicar un LP homónimo, John Taylor emprendió una carrera en solitario para retornar a Duran Duran en el año 2001. Su disco debut como solista se tituló “Feelings Are Good And Other Nights” (1997).
Por su parte, el trío restante, Simon LeBon, Nick Rhodes y Warren Cuccurullo, prosiguieron con Duran Duran, grabando dos LPs friamente recibidos por la crítica, que llevaban el título de “Medazzland” (1997) y “Pop Trash” (2000).
Una de las bandas más significativas y con menos pretensiones de la new wave británica vio publicado un disco homenaje con nombres tan interesantes y eclécticos como Deftones, Mr. T. Experience, Eve’s Plum o Goldfinger.





En el año 2004 el quinteto original volvió a reunirse para girar y grabar un nuevo disco, “Astronaut” (2004).
Tres años después publicaron “Red Carpet Massacre” (2007).
Su último álbum en estudio es “Paper Gods” (2015).

En el 2016 se editó el EP “Girls On Film 1979 Demo”. El mismo año sonó su canción “Rio” en la película “Sing Street” (2016); se incluyó su canción “The Reflex” en “Molly: Counting Down The Hits” (2016), disco homenaje al periodista y productor australiano Molly Meldrum.
En el 2017 sonó “Girls On Film” en la banda sonora de la teleserie “Stranger Things”.
En el año 2018 se escuchó “Save a Prayer” en la película “Bumblebee” (2018). El mismo año Ministry Of Sound Records incluyó “Girls On Film” en el triple CD “I Love 80s” (2018).
En el año 2019, el sello Parlophone publicó el vinilo “As The Lights Go Down” (2019), un disco en directo con una actuación en el Coliseo de Oakland en el año 1984.


A nivel internacional aún se vivía bajo el temor de un posible enfrentamiento entre los dos bloques.
La lluvia radiactiva que nunca llegó 🌧️☔





Dennis Leigh (Chorley, Lancashire, Inglaterra, 1948), conocido como John Foxx, es un músico y artista inglés conocido por ser uno de los primeros solistas de música electrónica en su país, así como el primer cantante de la banda new wave Ultravox.


Son tus amigos eléctricos 🦿🦾👁️
Como los coches futuristas de Blade Runners


En un distópico Los Ángeles que en allá por 1982 era a todas luces el futuro pero que hoy no lo es tanto se desarrolla 'Blade Runner', uno de los films más emblemáticos de Ridley Scott y cinta de referencia del género ciberpunk.

Y como muchas películas que retrataban un futuro no muy lejano en la década de los 80, algunos coches prometían volar. La realidad, sin embargo, ha sido muy distinta. Repasamos los vehículos y automóviles de esta obra maestra de la ciencia ficción.


'Blade Runner' es una brillante reflexión existencialista en la que el ser humano ha jugado a ser deidad concibiendo máquinas a su imagen y semejanza para esclavizarlas (replicantes o 'pellejudos'). Los más avanzados demuestran desarrollar sentimientos igual de profundos que las personas de carne y hueso ("Todos esos momentos se perderán en el tiempo, como lágrimas en la lluvia"). Y a estos androides los acompaña todo un universo de tecnología, donde no podían faltar los coches.

Los coches de Blade Runner
Para el film se diseñaron vehículos ex profeso, siendo los más representativos el Spinner, capaz de despegar a propulsión y surcar las autovías del cielo sobre la anegada y contaminada ciudad californiana, así como el sedán que conduce el 'ex' blade runner y protagonista Rick Deckard (Harrison Ford), y cuyas formas han inspirado el Tesla Cybertruck, o la furgoneta-camión 'estilo armadillo' que conduce el experto en genética J.F. Sebastian (William Sanderson).


Aunque para coches los de Gary Numan.





Tres joyas antes de los Bonus Track 🎹
Canciones para grandes ciudades🌁🏙️🌆

Casi llegando el fin de semana, buen momento para recordar a Simple Minds!!!


Simple Minds celebran sus 41 años de vida con la publicación estos días del directo Live in the City of Angles, un álbum que captura la esencia de los escoceses en directo, recogiendo algunos temas grabados en su última gira por Estados Unidos durante 2018.

Más de una veintena de álbumes contemplan la historia de la banda nacida en Glasgow en 1977, una formación que muchos asocian al rock de estadio por su flamante popularidad conseguida a mediados de los 80, cuando miraban de tú a tú a los U2 pre The Joshua Tree (1987), pero la discografía de Simple Minds es mucho más rica que todo eso. Si tuviera que quedarme con una de sus etapas lo haría sin duda con la primera, esos cinco primeros discos en los que se convirtieron en máximos embajadores de los mejores tics del post-punk, la new wave y el synthpop. Esa pentalogía formada por Life In A Day (1979), Reel to Real Cacophony (1979), Empires and Dance (1980), Sons and Fascination/Sister Feelings Call (1981) y New Gold Dream (81/82/83/84) (1982), aglutina sin duda los momentos más sugerentes e inspirados del lote. No queremos olvidar álbumes tan exitosos como Once Upon A Time (1985), Sparkle In The Rain (1984) o Street Fighting Years (1989), en ellos están algunas de las canciones que les hicieron internacionales y en sus giras arrasaron con todo, pero somos más de esa primera etapa.

Bien es cierto que en los 90 sufrieron un bache, los nuevos sonidos venidos de EEUU con el grunge o de Gran Bretaña con el britpop, triphop o la electrónica dejaron a un lado a esas formaciones de rock épico ochentero, que en algunos casos supieron adaptarse (véase lo que hicieron U2 con Achtung Baby), pero a los de Jim Kerr la jugada les salió rana. Esto unido a la salida en 1991 de Mick Macneil uno de sus principales compositores, lo que lastró sus siguientes entregas hasta entrar en un preocupante periodo de intrascendencia que duró más de una década.

El nuevo siglo les trajo de vuelta con las pilas cargadas, entregando dos de sus mejores discos en mucho tiempo. Black & White 050505 (2005) y Graffiti Soul (2009) y sus correspondientes giras les hicieron recuperar el crédito perdido y volvieron a hacer de ellos la excelente banda de directo que siempre han sido. Nadie puede negarles haber vendido 60 millones de álbumes, tener números 1 mundiales como “Don’t You (Forget About Me)” o temas tan exitosos como “Alive And Kicking”, “Promised You A Miracle”, “Biko” o “Kick It In”.


Que dura es la vida de esclavo...aún quedan esperanzas de una nueva revolución para romper por siempre las cadenas que nos oprimen...
🏗️🏭 Trabajando con fuego y acero!!!
China Crisis.



China Crisis es una banda inglesa formada en 1979 alrededor de Eddie Lundon y Gary Daly, únicos miembros inamovibles de la formación. Asociados inicialmente a los New Romantics, sus letras más comprometidas y la influencia de otros estilos los acabaron diferenciando de sus coetáneos. Tras veinte años sin entrar en el estudio, en 2014 publicaron un nuevo álbum.


Blancmange (1979 - 1987), grupo británico de música electrónica, muy similar a otros grupos de aquella época, tales como Depeche Mode, y que obtuvieron cierta fama en los años 80 con temas como Lose Your Love.



A la carrera nos vamos con los cinco bonus track...Glamour, 808 State, Peter Schilling, Heaven 17 y Orbital.

Le damos al botón de selección y sale B.E.F. Cielo 17🌬️





Tras los problemas surgidos en Human League, los ex socios de Oakey no se quedaron callados. Ware, Marsh y el cantante Glenn Gregory hicieron su debut como Heaven 17 en 1981 (nombre tomado de la novela La naranja mecánica, de Anthony Burgess), con el single ‘(We don't need this) Fascist groove thang’, que mostraba a la vez tanto el valor musical como el punto de vista político de la banda. A éste siguieron ‘I'm your money’, ‘Play to win’ y el álbum de éxito ‘Penthouse and pavement’. Asimismo, la creatividad de Heaven 17 se extendió también más allá del contexto del grupo: en 1982, Marsh y Ware decidieron producir un álbum de canciones pop clásicas reinterpretadas por cantantes famosos. El resultado fue ‘Music of quality and distinction’, un espléndido disco en el que colaboraron, entre otros, Tina Turner, interpretando ‘Ball of confusion’, Bill McKenzie, de The Associates, con ‘It's over’, firmada por Roy Orbison, y Gary Glitter, que cantaba la clásica ‘Suspicious minds’, un éxito de Elvis Presley.

En 1983 apareció un nuevo álbum de Heaven 17, ‘The luxury gap’, que se convirtió de inmediato en un enorme éxito mundial, gracias, en parte, al single ‘Temptation’. Un mérito considerable corresponde a los músicos que intervinieron en este álbum: los guitarristas John Wilson y Ray Russell, el pianista Nick Plytas y la sección de instrumentos de viento de Earth, Wind and Fire. Con algunos altibajos, el camino de Heaven 17 prosiguió a lo largo de todos los años ochenta, con álbumes como ‘How men are’, de 1984, ‘Endless’, de 1985, ‘Pleasure one’, de 1986 y ‘Teddy Bear, Duke & Psycho’, de 1988, desplazando su línea musical hacia un dance-rock más agresivo. Entre tanto, Human League volvieron a conquistar las primeras posiciones de las listas con el álbum ‘Hysteria’, de 1984, que contenía la agresiva e intensa ‘The Lebanon’, inspirada en la interminable guerra del Líbano.

Tras dos años de silencio, sólo interrumpidos por el trabajo en solitario de Oakey (junto a Moroder) para la banda sonora de la película ‘Electric dreams’ y para la realización del álbum ‘Philip Oakey & Giorgio Moroder’, en agosto de 1986 se publicó el single ‘Human’, anticipo del álbum ‘Crash’. Wright se había marchado y la producción del disco fue confiada a dos expertos negros de Minneapolis: James Harris y Terry Lewis, que también escribieron muchas de las bellas baladas cantadas por el grupo. Sin embargo, el disco no tuvo el éxito previsto y Burden también se fue, dejando en una profunda crisis al grupo, que en 1988 publicó una recopilación de sus éxitos.


La gramola siguiente petición 📻
Tenían un directo contundente:
Glamour están considerados como los pioneros del sonido y la estética de los nuevos románticos en España. El grupo nace de las cenizas de los grupos La Banda de Gaal, del que provenían Luis Badenes (cantante), José Luis Macías (teclados) y Remi Carreres (bajo) y del grupo de rock urbano Doble Zero, del que provenían Adolfo Barberá (guitarra) y José "Nano" Payá (batería).

En noviembre de 1981 se publica Imágenes, su álbum de debut, producido por el uruguayo Esteban Leivas. Sus principales influencias musicales y estéticas venían del movimiento nuevos románticos del Reino Unido con grupos como Magazine, Spandau Ballet, Duran Duran, Ultravox, Visage, Japan o Soft Cell.

Su álbum de debut fue uno de los principales impulsores de la Movida Valenciana influyendo en grupos como Betty Troupe o Vídeo. La canción que daba título al disco se publicó en sencillo y maxi sencillo y se convirtió en uno de los mayores éxitos del tecno-pop español.

En 1983 se publicó su segundo álbum Guarda tus lágrimas en un estilo muy similar a su álbum de debut, aunque ningún tema alcanzó la repercusión del sencillo Imágenes, por lo que pasó relativamente desapercibido.

A inicios de 1984 anunciaron su separación y sus excomponentes formaron parte de numerosos proyectos. Uno de los motivos de la separación fueron las diferencias musicales.





Solo para sibaritas de refinados gustos electrónicos 808 State y Orbital 👈✴️





Última edición por ramones77 el 11 Nov 2020 16:36, editado 1 vez en total.

#49

Mensaje 11 Nov 2020 15:18

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ramones77
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808 State.
Años de actividad
1988 – presente (32 años)

Formado en
Manchester, Greater Manchester, England, Reino Unido

Miembros
Andrew Barker (1989 – presente)
Darren Partington (1989 – presente)
Gerald Simpson (1988 – 1989)
Graham Massey (1988 – presente)
Martin Price (1988 – 1990)
«808 State» se formó en 1988 en Manchester, Inglaterra. Se bautizaron así a causa de la Drum Machine «Roland TR 808» y el «State» a propósito de su «State-of-mind».
Actualmente la agrupación la conforman: Graham Massey, Andrew Barker y Darren Partington.
Algunos de sus proyectos alternos son: «Lounge Jays», «MacMillan & Wife» y «Two Fat Ladies And A Duck».

Son además paradigma de la fiesta surgida en Manchester con clubs como The Haçienda haciendo las veces de catalizador del sonido mancuniano más hedonista.

Su primer álbum se tituló Newbuild aunque realmente consiguieron reconocimiento con su hit más importante, Pacific State que fue pinchado cada día durante tres meses por el Dj de Radio 1, Gary Davies lo que convirtió el tema en un éxito en los charts de la época, concretamente durante 1989 conocido por ser el segundo verano del amor. En 1992 el grupo pierde a otro de sus cerebros Martin Price que prefiere seguir su curso artístico en solitario con alias como Switzerland.

En 1996 los supervivientes del proyecto, Graham Massey, Andrew Barker y Darren Partington deciden dar un giro al sonido de la banda con el álbum Don Solaris. No será hasta 2003 cuando vuelvan a publicar todo un álbum cuando el mundo los daba por muertos, Output Transmission. En 2008 deciden realizar una gira muy especial para celebrar su 20 aniversario.


Orbital, grupo musical: «No pensar en el futuro es un lujo»
Phil y Paul Hartnoll forman uno de los dúos más influyentes de la música electrónica actual y creadores de movimientos como el techno, el breakbeat y una variante del techno denominada IDM, un estilo progresivo donde destaca la percusión y un marcado toque metálico


Y ya llega la despedidaaaaaaa... próxima semana jueves de chicas de toda la historia del Pop-Rock...

🛸🚀🪐👽🤖

«Major Tom (Coming Home)» (en alemán: Major Tom (völlig losgelöst)) es una canción y sencillo del cantante alemán Peter Schilling publicado en 1983 y perteneciente a su disco de estudio Error in the System. Con un carácter no oficial, el personaje del "Major Tom" de la canción hace referencia al también protagonista homónimo de la canción de David Bowie Space Oddity, en la que se narra un accidente espacial en el que el protagonista está atrapado.






Para Karaoke😅😂🤣😭👀😽


Mañana humor y cine...
Besitos en 3,2,1...😘💋



Y no se olviden:





Ah se me olvidaba 😃
Hola de nuevo!!!
A veces lo "moderno" entre comillas no es lo que parece🤭

👀
Agur!!!


Por cierto ponerla me costó una famosa edición???
🤔


" It's a Fine Day " es una canción escrita por el poeta y músico inglés Edward Barton . Originalmente fue grabada a capella en 1983 por Jane, y luego por Opus III para quien fue un gran éxito internacional en 1992.




✴️👈


#50

Mensaje 19 Nov 2020 15:49

onlineramones77
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Días de truenos y rayos continuos en Can Barça, con Messi quejándose que siempre le culpan a el de meter la PATA.
Adelanto de mañana viernes, día de Chicas con mayúsculas, recordando voces del Jazz y Blues, Rockeras, Poperas, Damas, Feministas, Rebeldes y Contestatarias.
La primera de esas 14 (voces más Bonus) nacio en Sudáfrica, y toda su vida fue una lucha continua contra el apartheid desde el exilio, "Pantera negra de los pies a la Cabeza.





Mirian Makeba en directo desde el Olympia de París en 1970.


(Zensile Miriam Makeba; Johannesburgo, 1932 - Castel Volturno, Italia, 2008) Cantante sudafricana. Con su voz cálida y agresiva se consolidó a nivel internacional gracias a un repertorio compuesto tanto por cantos populares africanos y afroamericanos como por canción ligera. Conocida como Mamá África, fue además una destacada activista antiapartheid condenada al exilio durante más de tres décadas.

Hija de un sangoma o chamán de la tribu xhosa, Miriam Makeba pasó su infancia en Pretoria y comenzó a cantar en Sophiatown, un suburbio de Johannesburgo famoso por ser un vibrante centro multicultural antes de que el gobierno del apartheid obligara a sus residentes negros a abandonar la zona bajo los términos de la Ley de Áreas de Grupos. Grabó su primer single, Lakutshona Llange, en el año 1953, como vocalista del grupo Manhattan Brothers, donde conocería al trompetista Hugh Masekela, quien más tarde se convertiría en su primer marido. En 1958 fundó su propia banda, The Skylarks, una formación íntegramente femenina que mezclaba jazz con música tradicional sudafricana.


Miriam Makeba.

La gran oportunidad le llegó en 1959 cuando, junto a los Manhattan Brothers, protagonizó el musical King Kong. En una de sus actuaciones llamó la atención del cineasta estadounidense Lionel Rogosin, quien la incluyó en el controvertido documental Come Back, Africa, un alegato antiapartheid que causó conmoción ese mismo año en el Festival Internacional de Cine de Venecia y que dio a la cantante renombre internacional.

Tras el éxito del filme, Makeba fue invitada a dar conciertos en Europa y Estados Unidos, donde el cantante y activista social afroamericano Harry Belafonte le pidió que lo acompañara en una serie de actuaciones en el Carnegie Hall de Nueva York. Cuando intentó regresar a su país para asistir al funeral de su madre, descubrió que le habían revocado el pasaporte. Comenzaba así un largo exilio (Venecia, Londres, Estados Unidos, Guinea-Conakry) que duraría más de tres décadas. Su aparición ante la Asamblea General de las Naciones Unidas en 1963 denunciando la política del apartheid suscitó aún más las iras del gobierno sudafricano, que respondió prohibiendo sus grabaciones.

Entretanto, la carrera artística de Makeba progresaba en Estados Unidos al mismo ritmo que su popularidad, a tal punto que incluso llegó a cantar en la fiesta de cumpleaños de John F. Kennedy (1962) y su corte de pelo dio origen al afro look, que adoptaron los afroamericanos. Su relación con Harry Belafonte fructificaría en un doble álbum, An evening with Belafonte/Makeba (1965), que abordaba la apremiante situación política de los sudafricanos negros bajo la segregación racial, y por el que obtuvieron el premio Grammy a la mejor grabación de folk en 1966. Unos años después se reencontrarían en un nuevo álbum, Miriam Makeba and Harry Belafonte (1972).



Pero el mayor éxito de Makeba en esos años fue, sin duda, Pata Pata. El tema, compuesto por la vocalista en 1957 cuando aún se hallaba en Sudáfrica, apareció en 1967, y se convirtió en la primera canción africana en alcanzar los primeros lugares de los rankings musicales. De estos años son también The Click Song y Malaika, títulos imprescindibles de su discografía.

La vida de la artista daría un nuevo vuelco a finales de los años sesenta. En 1969 contrajo matrimonio con el activista pro derechos civiles Stokely Carmichael, líder de la organización radical afroamericana Panteras Negras que había acuñado el concepto de Black Power. Bajo su influencia, la lucha de Miriam Makeba por la emancipación de los negros se intensificó y sus canciones pasaron a tener un mayor contenido político. Eso puso a Makeba en la lista negra. Las autoridades estadounidenses obligaron a la discográfica RCA a rescindirle el contrato, y sus conciertos fueron cancelados.

El matrimonio decidió entonces emigrar a Guinea-Conakry, donde Carmichael, que había adoptado el nombre de Kwame Ture, llegaría a ejercer de ayudante del primer ministro Ahmed Sekou Touré, mientras Makeba continuaba con sus recitales por el mundo. En 1975, la cantante trabajó durante un año como delegada de Guinea en las Naciones Unidas. De la unión con Carmichael, que acabaría en divorcio, nació su única hija, fallecida en un accidente en 1985.



La carrera de Miriam Makeba no se detuvo en las décadas siguientes, si bien pareció estancarse. Aunque siguió grabando (The Many Voices of Miriam Makeba, 1962; Miriam Makeba Live in Africa, 1967; The Word of Miriam Makeba, 1968; A Promise, 1975), sólo experimentó un nuevo repunte a finales de los años ochenta, cuando participó en la exitosa gira Graceland, con Paul Simon (del dúo Simon & Garfunkel) y el grupo Lady Smith Black Mambazo. Graceland (una fusión de los ritmos de la música negra con la occidental, editada en formato disco en 1986) vendió más de 15 millones de ejemplares y ganó varios Grammy, entre ellos el de Álbum del Año en 1987. La gira se prolongaría durante dos años (1987-1988).

En 1988 se levantó en Sudáfrica la prohibición que pesaba sobre sus discos. Esto dio a Makeba la oportunidad de grabar, tras muchos años de silencio, un disco con canciones de su tierra, Sangoma, con el que en junio de ese mismo año participó en el macroconcierto Mandela: 70th Birthay Tribute en el estadio londinense de Wembley, un reivindicativo homenaje al líder sudafricano Nelson Mandela, encarcelado desde hacía más de dos décadas. Dos años después, en febrero de 1990, el nuevo régimen de Pretoria liberó a Mandela. En diciembre de ese mismo año Mamá África pisaba de nuevo suelo sudafricano.

En abril de 1991, después de más de tres décadas de exilio, Makeba ofreció su primer recital en su país natal. Al año siguiente protagonizó el musical Sarafina, y en 1994 se unió a su primer marido, el trompetista Hugh Masekela, en la denominada Gira de la Esperanza. Más adelante fundó una organización para recaudar fondos para la protección de las mujeres sudafricanas, y en 1997 el Madison Square Garden de Nueva York volvió a recibirla en un nuevo concierto con su amigo Harry Belafonte. En 2000 se editó Homeland, su primer disco de estudio en diez años, que fue nominado al Grammy.

En 1998 Makeba publicó una primera autobiografía, Makeba: My Story, en la que daba cuenta de su experiencia en Estados Unidos. La segunda, Makeba: The Miriam Makeba Story, coescrita con Nomsa Mwamuka, apareció en 2004. En la presentación, Makeba contaba que a los treinta y tres años le diagnosticaron un cáncer cervical, que logró vencer. Esta luchadora incansable que, en palabras de su segundo esposo, Kwame Ture, “cantó en Nairobi con motivo de la independencia de Kenya, en Luanda con la independencia angoleña, en la inauguración de la Organización de la Unión Africana en Addis Abeba, para Samora Machel en Mozambique y en el Vaticano”, fue recibida por líderes mundiales como John F. Kennedy, Fidel Castro, Haile Selassie de Etiopía y François Mitterrand.

A lo largo de su carrera recibió numerosos galardones, muchos de ellos por su contribución a la defensa de los derechos humanos. Entre ellos destacan el Premio de la paz Dag Hammerskjold (1986), el premio Polar de música (2002) y el premio por la Paz de la Asociación para las Naciones Unidas en España (2007). Poseía además la Orden francesa de las Artes y las Letras. El 10 de noviembre de 2008, poco después de participar en un concierto en favor del escritor Roberto Saviano, amenazado por la mafia, en Castel Volturno, en la Italia meridional, se sintió indispuesta y sufrió un paro cardíaco. Trasladada rápidamente a un hospital de Nápoles, su corazón dejó de latir definitivamente poco después. Sus restos fueron repatriados a la República de Sudáfrica, donde recibieron honores de estado.


#51

Mensaje 20 Nov 2020 15:09

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Buenos fríos días, tardes cortas y largas noches de toque de queda... aun 'queda' mucho para el próximo verano❄️⛄🌡️

Una amplia mayoría de gente mantienen vivas las esperanzas con grandes expectativas de volver a la misma rutina y monotonía de siempre sin el maldito Covid19 de laboratorio Chino, por cierto de muy dudosa procedencia☣️

Los esclavos no aguantan más🚨...la mecha está encendida desde hace muchísimo tiempo🕰️, el polvorín está a punto de estallar🚬💣 por el momento solo queda seguir viviendo✴️...

Cuánto más avance tecnológico más se hunde la humanidad en la recogida de los infectos campos de algodón del ojo del todo lo ve, es la total DEVO-LUTION🤔

Girls, Girls, Girls...
🌷



Hoy serán uno de los Bonus Tracks.
Historia sobre Summertime...


Llega el final del verano, una estación que siempre me trae a la mente una mis canciones favoritas de todos los tiempos, el clásico ‘Summertime’, que tantas grandes voces han versionado a lo largo de la historia de la música.


Los primeros acordes de ‘Summertime’ fueron publicados por primera vez en 1935. La canción era un aria para la ópera Porgy y Bess, y fue compuesta por el músico George Gershwin. Tardó casi dos años en su creación, durante la cual se inspiró en el estilo de la música popular afroamericana de la época. En la ópera de Porgy y Bess la canción suena en diferentes ocasiones, algunas como canción de cuna, otras tal y como la conocemos. La actriz y cantante Abbie Mitchell fue la primera que la grabó, en julio de 1935, junto a Gershwin al piano y dirigiendo la orquesta.


Verano y la vida es fácil
Los peces están saltando y son buenos tiempos (el algodón está alto)
Oh, tu papi es rico y tu mamá es guapa.

Así que calla, pequeño, no llores.

Una de estas mañanas te vas a levantar cantando.
y luego extenderás tus alas y tomarás el cielo.

Pero hasta esa mañana, nada te va a hacer daño.

Con papi y mamá cerca de tí...

Una de estas mañanas te vas a levantar cantando.
y luego extenderás tus alas y tomarás el cielo

Pero hasta esa mañana, nada te va a hacer daño.

Con papi y mamá cerca de tí...


La voz de Billie Holiday es inolvidable. Lo mismo ocurre con la vida de Lady Jazz. La cantante falleció en 1959 a los 44 años, víctima de una vida rota y adicta a las drogas. Pero tres años antes de su muerte dejó escrito uno de sus legados más poderosos, una autobiografía que titulaba Lady Sings the Blues. A través de este escrito, la intérprete detalla con sus propias palabras los abusos y vejaciones sufridas, sus problemas con la heroína y lo duro que fue crecer como mujer negra en un Estados Unidos racista y segregada. Como la dama del jazz dice en el libro: “Nadie entona la palabra hambre como yo o canta como yo la palabra amor”🌷👈


Viajamos entre nubes 🌬️🌀


En Octubre vimos dos lunas azules con maravillosas voces celestiales de fondo.



Nació el 25 de Abril de 1917 en Newport News (Virginia), estado esclavista del sur de Estados Unidos. Fue educada por su madre y su padrastro, protagonizando una infancia de pobreza en cuyo escenario la droga y la prostitución estuvieron siempre presentes.

La familia se trasladará a Yonkers donde, tras la muerte de su madre, huirá definitivamente del acoso y los abusos sexuales de su padrastro. Buscará refugio en Harlem, donde se ganaba la vida cantando y bailando por las calles acompañada de su primo, encargado de recoger en un sombrero el dinero que en él depositaban los transeúntes.

Admiraba profundamente a las Broswell Sisters. Según ella misma declarará más tarde, fueron sus únicas profesoras de música, ya que las imitaba cantando junto a la radio cuando sonaban sus melodías. Su inquietud artística le llevó a intentar el éxito en los escenarios como bailarina.


Un día –declarará la cantante–, hice una apuesta con dos amigas: como a las tres nos atraía el escenario, sorteamos a ver quien se presentaba a un concurso para principiantes. Yo gané. Quería presentarme como bailarina pero, en el último momento casi me obligaron a cantar, de modo que canté. Así comencé a ganar todos los concursos.

Yo quería ser bailarina, no cantante –insistirá Ella–. Salí al escenario y al ver a toda la gente tuve un ataque de nervios. Entonces traté de cantar.



Ante su propio asombro, comenzó a cantar Judy y The Object of my Affection. Había nacido un mito.

El Apollo Theatre de Harlem en Nueva York, a partir de ese año de 1934 y gracias al concurso semanal Amateur Night Show en el que Ella Fitzgerald había participado, se convirtió en uno de los centros de producción de más prestigio entre los artistas negros del momento.

Aquella misma noche el saxofonista Benny Carter quedó impresionado por la voz de aquella muchacha de apenas dieciséis años. La recomendará a Benny Goodman como vocalista de su orquesta y finalmente a Fletcher Henderson, pero será el jorobado Chick Webb el que la contratará definitivamente para cantar en su banda, por un salario de apenas 25 dólares. Nos sigue contando Fitzgerald:

–Al principio, Chick tenía un hombre como cantante y no quería una mujer. Entonces me dijo: Mañana tocamos en Yale, tomate un autobús hasta ahí y si les gustas, te quedas en la banda.

Al que tenía que convencer con su voz era a Moe Gale, el manager del grupo. Chick le había advertido a este:


–No la mires. Sólo escucha su voz

Chick sería desde entonces su mas rendido admirador y padre espiritual de su carrera artística. Cuando Webb murió, la diva afro-americana decidió quedarse con aquella big-band, que pasaría a llamarse Ella Fitzgerald and her Famous Orchestra.

Durante ese periodo abarcó todos los estilos. Se inició como cantante de swing para continuar con bebop y destacando como nadie lo había hecho hasta entonces en el scat, improvisación vocal sin letra, en el que llegó a alcanzar las máximas cotas de perfección.

Merecen especial mención las interpretaciones que hará del tema Lady be good y el éxito alcanzado con A-tisket, A-tasket. Esta última canción fue creada por Feldman en 1938 para ella, basándose en una idea original de la Fitzgerald. En 1942, agotada por el esfuerzo que suponía cantar y dirigir la orquesta diariamente, decidió deshacer el conjunto. Se adaptó a todo tipo de canciones, a las que imprimía su genial y particularísimo sello: blues, bossanova, calipso, gospel, soul, himnos navideños, temas de la actualidad, pop...

En los años cincuenta se incorporaría a la Jazz at the philarmonic de Norman Granz, derivando sus interpretaciones hacia la balada. Compartió escenario con estrellas como Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Abbot y Costello, Louis Armstrong y Sinatra, entre otros.

En la década de los cuarenta se casa por primera vez con un trabajador portuario. Su matrimonio durará apenas tres años (1941-1943); en la década de los cincuenta volverá a contraer matrimonio con el músico bajista de jazz, Ray Brown, con el que, a pesar de que su separación se produciría apenas cuatro años después, tuvo a su hijo Ray Brow Jr., que seguirá el camino musical de sus padres en el mundo del jazz.

Abarcando todo tipo de registros, sin plantearse ninguna restricción musical, Ella Fitzgerald se hizo acreedora de un palmarés pocas veces igualado. Más de doscientos cincuenta discos, trece premios Grammy, incluso un título como Doctora Honoris Causa concedido por la muy sureña Universidad de California.

Cuando iniciaba un scat la audición resultaba sencillamente mágica. Las notas parecían imbricarse en al aire, formando parte del alma invisible de las cosas. Alguien dijo de su voz que fue creada para copiar los instrumentos musicales, a lo que ella respondió:



–Solamente traté de hacer lo que escuché que hacían las trompetas de la banda.



Tonny Bennet dirá, refiriéndose a Ella:



–Esa es mi idea de lo que es ser una gran cantante. No hay nadie mejor.

Haciendo gala de la famosa pésima salud de hierro que se atribuye a las mujeres, inició su declive físico en los años setenta, cuando comenzó a tener serios problemas en la vista.



En 1985 sufrió un edema pulmonar durante una de sus actuaciones. Se verá sometida, a causa de la diabetes, a una intervención quirúrgica en la que le serán amputadas ambas piernas. Sufrió ataques cardiacos y murió finalmente el 15 de Junio 1996, a los 78 años de edad, dejando tras de sí un legado de valor incuestionable.


Duke Ellington dará testimonio musical de la personalidad de esta mujer incomparable en su obra Portrait of Ella Fitzgerald. Con su muerte, el mundo jazzístico quedó paralizado. La Música entonó un aria irrepetible.

La niña que soñó ser bailarina y triunfó como cantante, la mujer sin piernas que caminó por todas las sendas del pentagrama, la visionaria casi ciega... pobre, mujer y negra: No hay epitafio posible. Si acaso, un scat como Réquiem.


🌷🌷👈


🖤🖤🖤🖤🖤🖤🖤

🌈🌈🌈🌈🌈🌈🌈


Nació el 27 de marzo de 1924 en Newark, N.J.

Poseedora de una de las voces más extraordinarias del siglo XX. Recibió lecciones de piano entre 1931 y 1939.

Comenzó a cantar en la iglesia. Recibió el premio del talento del Apollo Theatre en 1942.




Influenciada por el bebop emergió como una estilista del género por los últimos años 40 y estableció una carrera en solitario que gozó del aplauso del público internacional. Destacó por su inventiva armónica y sentido de la improvisación. Con el tiempo su voz se fue haciendo más oscura sin perder su flexibilidad. Con Ella Fitzgerald y Billie Holiday figura en lo más alto de las intérpretes femeninas de jazz.

Se casó en tres ocasiones con George Treadwell (1946-1958), Clyde Atkins (1958-1961) y Waymond Reed (1978-1981). Siendo incapaz de ser madre biológica, adopto a Debra Lois en 1961, quien posteriormente trabajaría como actriz en los 80 y 90 bajo el nombre de París Vaughan.

Sarah Vaughan falleció el 3 de abril de 1990 en Los Angeles, California.

Para los magos una es dos⭐🧙 eternas voces inolvidables...





"Sarah Vaughan fue de los primeras vocalistas en incorporar el fraseo del bebop a su canto, situándolo además, en su caso, al nivel de instrumentistas de la talla de Charlie Parker y Dizzy Gillespie. Sus capacidades más destacadas son su inventiva armónica y su alto sentido de la improvisación".🌷🌷🌷👈


De Bessie Smith la emperatriz del blues, no se conoce la fecha de nacimiento porque en aquellos años a las personas de color no se las registraba. Años más tarde de su muerte por accidente – por la desidia de un hospital que negó la asistencia, alegando su raza-, cuentan que su lápida la pagó Janis Joplin. A su funeral asistieron 70.000 personas. Sufrió una niñez difícil en Chattanooga (Tennessee), la cuestión racial después de la Guerra de Secesión y la segregación anterior y subsiguiente, no era el mejor momento para llegar de color oscuro a esas tierras, y menos en el Sur.

Los que saben de blues dicen que su éxito se basa en una dicción muy clara, un oído y una afinación extraordinarios, con voz singularmente centrada, dominio máximo del ritmo, así como una forma de máxima naturalidad y aparentemente sin ningún esfuerzo. Comenzó muy pronto por bares y cafés porque en aquellos años el blues rural pasó a ser urbano y en él las cantantes femeninas tenían un lugar.

Bessie Smith.

Tampoco estaba sola. Louis Armstrong, aún muy joven, la acompaña muchas veces, y los registros de ambos juntos quedan como grandes obras maestras: todavía pueden escucharse esos encuentros, entre otros temas Careless Love. Su notable voz llegaba a llenar teatros y salones sin necesidad de amplificadores. Su sonoridad alcanzaba a cada oyente. Hermosa y esbelta, dominaba el escenario hipnotizando al público mientras permanecía encima de él.

Tuvo sus momentos de triunfo total en los que se desplazaba con su propio vagón de ferrocarril. Hay un período, que no dura mucho, en que Bessie llega a ser la actriz negra mejor pagada y realiza grabaciones junto a los artistas más importantes del momento.

Llega la gran depresión y la sufre cualquier americano, las fuentes de trabajo y de actuaciones se reducen considerablemente y más la calidad de las mismas. En esos oscuros tiempos, el alcoholismo arrasa con ella.


Como las inestabilidades no llegan desde un lado, sino que arrastran a toda la vida Bessie vive unas tormentosas relaciones: grandes amores y grandes desvaríos. Pese a estar casada, se enamora de sus referentes musicales: primero de Fats Waller, un gran organista que era uno de los grandes pianistas del moderno jazz. Tampoco faltó “el capítulo lesbiano” en su agitada vida, al que la habría iniciado Ma Rainey, una de las primeras cantantes negras de blues clásico, llamada “La madre del blues”. Pese a su marido que la maltrata por celos, ella asume valientemente sus preferencias sexuales en varias canciones, entre las que es emblemática It’s Dirty But Good, de 1930. Lo que explica de su carácter.


La de Bessie Smith, es una historia que se repite en grandes artistas femeninas y sirven para una película de guión muy agradecido y casi increíble. De cantar en la calle, pasó a convertirse en la artista que más discos vendió en su tiempo. Como su estilo vocal era tan hipnótico y tenía grandes dotes de declamación y poseía cierta comicidad, aparecía con frecuencia en comedias, que tuvieron gran éxito y fueron muy celebradas. Cuando actuaba Bessie, el público del teatro no quería irse sin escuchar siempre una canción más, otra y otra…


Una de sus más importantes referencias



Gertrude Malissa Nix Pridgett Rainey, mejor conocida bajo el seudónimo de: Ma Rainey, quién nació en Columbus (Georgia), el 26 de abril de 1886 y murió el 22 de diciembre de 1939, se trata de una cantante e interprete de blues clásico, considerada como una de las primeras en interpretar temas en este género utilizando como acompañamiento el piano o la orquesta de jazz, dicho estilo le permitió destacarse en su época como una de las mejores del momento.

Ma- Rainey
En la actualidad es conocida como la “Madre del Blues”, debido a su destacada trayectoria artística, la cual está llena de variados éxitos, (así como su trabajo como mentora de Bessie Smith), sus grabaciones, son muchas, estas fueron realizadas cuando apenas tenía cuarenta años, y la fecha de las mismas corresponden a los años de 1923 y 1929, sus producciones transmiten un estilo de blues urbano ya estandarizado.



Datos Curiosos
La famosa cantante Ma Rainey, siempre mostró su pasión por la música, al transmitir en cada uno de sus temas musicales la esencia afroamericana que la caracterizaba, algunas de las curiosidades que rodearon su vida son:

Llego hacer una gran influencia en la vida de diversas figuras artísticas, como es el caso de Ethel Waters y de Billie Holiday.
Otro dato curioso, es que contrajo matrimonio siendo muy joven, pues apenas tenía 14 años cuando se casó con Will Rainey, quien también en su etapa juvenil realizó varias giras con los Rabbit Foot Minstrels.
Se conoce que se retiró del ámbito musical a los 47 años de edad, y que desde entonces se mantuvo al margen, dicha cantante de blues murió a los 53 años, la causa de su muerte estuvo relacionada con algunos problemas cardíacos.
Debido a su gran legado en la música, en 1994, el servicio postal estadounidense editó un sello postal en su honor.



De maestra a alumna, desparpajo y fuerza contra aquéllos tiempos de racismo y discriminación.


Aumentamos las revoluciones con Nina Simone🚬🥃





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Voz destellante, caliente, redonda, directa,👉


En 1986 un anuncio televisivo realizado por el director Ridley Scott para el perfume Chanel número 5 da la vuelta al mundo. La actriz Carol Bouquet, protagonista del spot, se presenta como la imagen de una mujer libre y audaz atravesando los paisajes de western de Monument Valley. Pero es su banda sonora, el tema My Baby Just Cares for Me, la que obtiene el mayor reconocimiento popular. La canción devuelve la voz poderosa de una mujer, negra y radical. Se llama Nina Simone. Y su vida y su música dibujan una historia legendaria cruzada por el dolor y la intolerancia, el éxito y el compromiso social, la pasión y la locura.

El documental What happened, Miss Simone?, dirigido por la directora Liz Garbus, una realizadora que cuenta en su haber con trabajos dedicados a personajes como el ajedrecista Bobby Fisher o la estrella Marilyn Monroe, se sumerge a través de testimonios, archivos musicales y entrevistas en la vida de la cantante dibujada con sus luces y sus sombras. El combate de una mujer que luchó por la libertad de su arte y su música y su identidad como afroamericana. El conflicto íntimo de una creadora que tuvo que hacer frente a sus propias contradicciones, como estrella y como artista comprometida.


Presentado en el pasado Festival de Sundance donde fue acogido calurosamente, What happened, Miss Simone? ha sido producido en colaboración con Netflix. El documental toma el título de un artículo escrito por la poeta y activista de los derechos civiles Maya Angelou, publicado en la revista Redbook en la década de los setenta, en el que se interrogaba por la artista después que esta se hubiera «exiliado” de los Estados Unidos. Un trabajo de investigación que viene a sumarse a los documentales que en los últimos años han intentado atrapar la leyenda de una intérprete cuya carrera musical estuvo marcada por su condición de mujer negra.

Esta reivindicación orgullosa de su negritud Black is beautiful que la cantante abanderó a lo largo de su vida y que acabaría repercutiendo en su carrera artística, ha motivado las protestas de muchos de sus fans ante el biopic Nina (Cynthia Mort, 2015), el otro proyecto cinematográfico sobre la intérprete, acusado de haber enmascarado y edulcorado su figura comenzando por el aclaramiento de la piel de la protagonista, la actriz de origen dominicano Zoe Saldana.

Zoe Saldana interpreta a la cantante en el biopic ‘Nina’, un trabajo muy criticado, entre otras cosas, por elegir a una actriz con la piel más clara que ella.

El documental aborda sus orígenes humildes en un pueblo de Carolina del Norte, sus primeros éxitos en los escenarios de Nueva York a finales de los años cincuenta, su debut en el Festival de Jazz de Newport, su consagración como diva, su conversión en artista comprometida y el exilio en Europa. Lo hace con la aportación, entre otros, de testimonios como el de su hija Lisa o su director musical, Al Schakman y, sobre todo, de la propia Nina Simone y sus canciones. Reconstruye así el ‘enigma Simone’, la fuerza misteriosa de una mujer que acabó canalizando y al mismo tiempo, subvirtiendo todos los géneros y estilos: clásico, góspel, jazz, rhythm and blues, pop, folk o protest song.


Pianista virtuosa e intérprete asombrosa, Nina Simone realiza junto a su marido y mánager, Andrew Stroud (un antiguo policía de Broonklyn con el que vivió una tomentosa relación de amor-odio), una carrera señalada en un primer momento por las reglas del show bussines tradicional que más tarde se transformaría en una búsqueda, nunca concluída, de su propia construcción como mujer y artista en libertad.

Eunice Waymon –nombre real de la cantante– destaca desde muy temprano por sus facultades excepcionales para los estudios clásicos de piano. Intérprete precoz, su futuro profesional pasa por convertirse en la primera mujer de raza negra que suba al escenario de Carnegie Hall para interpretar música clásica. Una vocación que finalmente quedará truncada a causa de las barreras raciales como la propia Simone recuerda sin descanso a lo largo de su vida. Abandonada la senda de la música clásica y convertida en Nina Simone –en honor de la actriz francesa Simone Signoret– inicia una carrera como intérprete de aquella “música del diablo” que su madre reprobaba cuando acudían juntas a la iglesia local de Tryon.

La frustrada pianista clásica se curte en estos primeros años actuando en toda clase de tugurios y clubs de segunda categoría donde no tardó en llamar la atención por su forma de interpretar y por los arreglos innovadores que imprimía a viejas canciones. Desaparecida la cantante de jazz Billie Holiday, Nina Simone aparece como la nueva sacerdotisa del jazz –una denominación como género musical que la cantante siempre rechazará por tratarse de una invención de los críticos blancos– destinada a ocupar el trono vacante. Simone consigue su primer gran reconocimiento interpretando un clásico como I Love You, Porgy de la comedia musical Porgy and Bess. Consigue hacerse un hueco en el panorama pop gracias a canciones como Do not Le Me Be Misunderstood que el grupo The Animals convierte en un éxito juvenil o la turbadora I Put A Spell On You incluida en la banda sonora de 50 sombras de Grey versionada por Annie Lennox.

Nina Simone, una herencia musical reivindicada por las jóvenes generaciones del jazz y del soul.

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A lo largo de los años sesenta, Nina Simone aparece como esa intérprete prodigiosa que filtra y es capaz de reunir a la vez, Billie Holiday, Bob Dylan, Johan Sebastian Bach, Ray Charles, Jacques Brel o Miriam Makeba. Sus versiones de temas como Ne me quitte pas o My way pasan a la historia más emotiva del cancionero del siglo XX. Son los años en los que la cantante afirma su compromiso con los derechos civiles y su lucha contra la discriminación racial. Composiciones como Mississippi Goddam (censurada en la mayoría de las radios) expresan su rabia, su canto airado. Algunos de sus recitales se convierten en proclamas incendiarias ante un público blanco temeroso de acabar linchado al finalizar el concierto. Simone estará en el grupo de artistas, junto a Harry Belafonte, Joan Baez, Anthony Perkins, Peter, Paul & Mary y otros, que participa en la famosa Marcha de Selma (1965) promovida por Martin Luther King contra la discriminación racial. En su memoria bailan los fantasmas del pasado y el recuerdo de aquel concierto en el que tuvo que ver como sus padres eran desalojados de la primera fila y recluidos al final del teatro.

Después del asesinato de líder negro en 1968, Simone se alineará con las posiciones más radicales que promueven movimientos como los Black Panthers y activistas como Storkely Carmichael. Un compromiso que como la propia cantante señalará en su biografía, I Put A Spell On You (1992), acabó perjudicando su carrera y la empujó finalmente a dejar los Estados Unidos. Liberia, Suiza, Inglaterra y finalmente Francia, su país de adopción, señalan su itinerario a partir de la década de los setenta. A principios de los años 90 se le diagnostica trastorno bipolar y su nombre aparece en las páginas de sucesos cuando dispara a dos jóvenes a los que acusa de molestarla mientras descansaba en su jardín. La cantante moría en el año 2003 a la edad de 70 años a causa de cáncer.

Hoy, cuando su herencia musical y su compromiso artístico es reivindicado por las jóvenes generaciones del jazz y del soul, de Erykah Badu a Jamie Cullum, la voz de Nina Simone, esa mezcla siempre en tensión de gravedad y dulzura, se escucha más contemporánea que nunca. Como muestran las secuencias musicales de What happened, Simone? una artista irrepetible sobre los escenarios y, sobre todo, una voz por la que la música parecía fluir como una corriente eléctrica surgida desde el centro más profundo de la tierra.

El documental ‘What happened, Miss Simone?’ repasa la vida de la cantante a través de testimonios, archivos musicales y entrevistas.





Miauuuuuuuu🥃🚬🌷🌷🌷🌷🌷🌷👈
🐈



Llegamos al ecuador del viaje, vamos evolucionando con la más grande, la que mamo de la teta de todas las anteriores.
Blanca de Alma NEGRA.
Janis Joplin.
Ojito con el grupo de acompañamiento.
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Después de la cena continuamos.


Vivir al máximo cada minuto sin miedo al futuro 🌷👈🌷👈🌷👈🌷👈🌷👈🌷👈
Nació hace 77 años y fue dueña de una voz poderosa, estridente y única. “En el escenario le hago el amor a 25 mil personas diferentes y luego me voy sola a casa”, dijo en una de las pocas entrevistas que dio. Tras su muerte, y cumpliendo con su deseo, sus amigos la despidieron con una gran fiesta
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En solo tres años, Janis Joplin marcó la historia de la canción y abrió paso a las voces femeninas en el rock estadounidense y se convirtió en un símbolo de fuerza y rebeldía para muchas mujeres de su época.
En solo tres años, Janis Joplin marcó la historia de la canción y abrió paso a las voces femeninas en el rock estadounidense y se convirtió en un símbolo de fuerza y rebeldía para muchas mujeres de su época.
“Primero escuché música y un día empecé a cantar. Tenía 17 años y mis padres querían que fuera maestra, como todos los padres”, dijo en una de las pocas entrevistas que dio. Era 1969 y visitaba Estocolmo, Suecia, como una artista consagrada que muy temprano supo que su camino era la música: obedeciendo a su madre Dorothy ingresó al coro de la iglesia, donde disfrutaba de cantar, pero algo le faltaba. Lo descubrió a los 14 años, cuando escuchó un disco del blusero afroamericano Leadbelly. Cayó rendida y en su insaciable deseo de siempre encontrar más descubrió a Bessie Smith. No hubo vuelta atrás: el “demonio” —así se refirió su madre a su talento— había salido y con él se llevó a miles de almas que estallaban de éxtasis junto a ella en cada canción. Era como un orgasmo.

Janis Lyn Joplin nació el 19 de enero de 1943 en Port Arthur, Texas, un pueblo petrolero al que siempre rechazó y que abandonó entregada a su pasión musical, inconforme con su vida familiar y social. Se fue a San Francisco donde imaginó que sería libre y feliz. Allí encontró más de lo que buscaba: fama y drogas; y, más tarde, el temprano final en la más absoluta soledad.


Soledad que arrastraba desde la adolescencia: había sido una excelente estudiante en la preparatoria y nada popular. Su manera de ser no encajaba con los buenos modales de las señoritas y señoritos que la rodeaban, tampoco su peso. Convertirse en parte de ellos no era su deseo y lo evidenció: dejó lado las faldas para usar cómodos jeans y a veces andaba descalza, siempre con el cabello desalineado y riendo fuerte con la boca abierta de par en par.

La muerte la encontró temprano y es parte del fatídico grupo de los rockers muertos a los 27 años. Como su amigo Jimi Hendrix; como el hombre al que le partió una botella de whisky en la cabeza, Jim Morrison.

“Ella se atreve a ser diferente. Ella va descalza cuando se siente como ella misma, lleva Levi’s a clase porque son más cómodos, y lleva su autoharp (instrumento de la familia de la cítara) con ella dondequiera que va porque, en caso de que tuviera el impulso de romper a cantar, le será muy útil. Se llama Janis Joplin”., la describió “The Daily Texan” en la edición del 27 de julio de 1962.

La vida de Janis: de la impopularidad escolar a la fama mundial.

Sus padres decían que era una niña “infeliz e insatisfecha” que necesitaba más atención que Laura y Michael, sus hermanos. La incomodidad que Janis sentía en su familia y entre sus compañeros de clase hizo que buscara otros horizontes para lograr amistades. No le gustaba la vida superficial que veía en su pueblo, al que siempre consideró un lugar donde no podía ser libre. Lo dijo cada vez que tuvo un micrófono delante.

Así conoció a un grupo de jóvenes marginales que llevaron a su vida lo que en verdad necesitaba para sentirse feliz: música. Junto a ellos escuchaba discos de blues de cantantes afroamericanos. Hasta ese momento su escape mental era el dibujo y la pintura, pero gracias a ellos decidió cantar en un coro y allí conoció a otros cantantes de blues como Odetta o Billie Holiday e hipnotizada como por el canto de sirenas, recorría bares oscuros de Luisiana para escuchar jazz y blues. Tenía 17 años y había elegido dedicarse a cantar, decisión desaprobada por sus padres, que habían planeado para ella un futuro como maestra.

Terminó la preparatoria en 1960 e inició una carrera universitaria en Austin, pero no tardó mucho en largarse de casa (casi con lo puesto) para salir con destino a esa mentada libertad que la esperaba en San Francisco, donde inició su carrera musical. Durante su etapa universitaria cantó en bares junto a la banda Waller Creek Boys y también encontró dos malas compañías: el alcohol y las drogas.

Llegó a San Francisco en 1963. “Es mucho más libre y nadie se mete contigo”, dijo Janis sobre su nueva ciudad durante una entrevista televisiva. Allí conoció a Ron “Pigpen” McKernan con quien grabó un disco casero y tuvo una relación libre. En ese disco tuvo una percusionista que hacía “efectos” con una máquina de escribir. En 1964 comenzó a consumir drogas y alcohol en exceso, tanto que tuvo una letal baja de peso —cuenta el libro Going down with Janis (1973) que llegó a pesar ¡35 kilos!—. Al año siguiente, quizás asustada por verse tan disuelta, anunció a su familia que retomaría sus estudios y que se casaría con un tal Peter LeBlanc, pero él no tenía los mismos planes y se fue de su lado.

El 4 de junio de 1966, Janis se une la banda Big Brother and the Holding Company tras el pedido de Chet Helms, un productor que conoció en Texas. Con ellos llegó la felicidad: grabó su primer disco que en sólo tres días obtuvo un disco de oro. ¡Simplemente deleitó! Y conoció a otros músicos, estrechó lazos con ellos, compartían escenario y gozó de todos los placeres que la anhelada libertad le ofrecía.

Su ángel era eclipsante y muchos pensaban (y le dijeron) que la banda le quedaba chica, que estaba para ser solista. Lo hizo. Dejó a los Big Brother y se sumó a la Kozmic Blues Band con la que lanzó su segundo disco. Lo tenía todo: éxito, admiración (ella, la burlada en su escuela y en la universidad ahora era una estrella), fama, amantes y dinero que usó para conocer la heroína y tenerla siempre a su alcance. Ese nuevo “romance” iba a la par con el alcohol. Janis se había convertido en un símbolo de la rebeldía femenina y una referente musical.


El 16 de agosto de 1969, Janis se convirtió en leyenda viva. Esa tarde subió al escenario del festival de Woodstock y realizó una presentación sin igual, impensada, completa, nunca antes vista: se entregó y conquistó al público, que clamó por una segunda interpretación de sus famosas Ball and chain y Piece of my heart, composiciones con las que desnudó su alma. Cerró el año dando dos conciertos en el Madison Square Garden en Nueva York.

Ya corría 1970 y su carrera ascendía, sus excesos también. Tanto que en febrero decidió tomarse un descanso de los escenarios y viajar a los Carnavales de Brasil para intentar desintoxicarse de la heroína. Pudo con ella, al menos un tiempo, pero no lo logró salir del alcohol. En ese viaje conoció a David Niehouse con quien recorrió el Amazonas durante dos meses. De regreso a San Francisco, su flamante novio se mudó con ella.

Tras la desintoxicación regresó a la música, esta vez de la mano de la Full Tilt Boogie Band con la que comenzó a trabajar en un nuevo disco y vivía la relación de vida familiar que tanto soñaba, situación que no encajaba en los planes de su novio, un viajante incansable que la invitó a viajar por el mundo. Janis desechó la idea.

Entregada de lleno a su carrera, participó junto a la banda de varios festivales y fiesta. En una de ellas conoció a Seth Morgan y se enamoró perdidamente de él.

Los últimos días de la vida de Janis Joplin.
En septiembre de 1970, Janis Joplin se traslada a la ciudad de Los Angeles para grabar Pearl, un disco que lleva de nombre de su alter ego y apodo que le habría puesto amiga y amante Peggy Caserta.

Las grabaciones del disco iban mejor de lo pensado así que durante los primeros días de octubre Janis llamó a su amiga Peggy y a su novio Seth para que fueran a visitarla y poder celebrar el futuro éxito. No fueron y eso no le cayó bien.

Apenada por el desplante pero enfocada en el disco, el 3 de octubre de 1970 fue un día de excelentes grabaciones y muchos de los 10 temas que componen el disco no necesitaron más de una toma para quedar perfectos. Al final de ese día de trabajo intenso, Janis escuchó la pista instrumental del último tema que grabaría al día siguiente, motivo suficiente para que la banda deseara festejar con unos tragos. Janis bebió de más y se fue al hotel.

Ya era la tarde del 4 de octubre de 1970 y en el estudio, John Cooke (administrador y representante de la banda) estaba preocupado porque Janis no llegaba al estudio de grabación Sunset Sound Recorders para ponerle voz a Buried alive in the blues. Fue con Paul Rothchild a buscarla al Landmark Motor Hotel. Al llegar vieron su Porsche estacionado, por lo que pidieron ingresar a su habitación. Estaba tendida en el piso al lado de la cama.

Los diarios aseguraron que el informe del forense tras la autopsia al cuerpo de Janis Lyn Joplin decía que murió a la 1:40 del 4 de octubre de 1970 por sobredosis de heroína. Sin embargo, su biógrafa escribió en su libro Going down with Janis que “hubo circunstancias confusas” sobre su muerte porque habría consumido heroína de máxima pureza, con una concentración más alta a la normal y no estaban las jeringas, por lo se cree que no estuvo sola en la habitación.

“Fue, más que una mujer, un grito. Un aullido. Vivió apenas 27 años: gloriosa reina del trágico Club de los 27, aquellos que partieron por suicidio, accidente, alcohol, drogas, desesperación, a la misma edad. Las fugaces vidas de Robert Johnson, Brian Jones, Jimi Hendrix, Jim Morrison, Kurt Cobain, Amy Winehouse, y ¡ella!: Janis Joplin.”


Directa, simple, incomprendida. Janis Joplin murió por una sobredosis de heroína luego de haber jurado a sus amigos que había dejado las drogas. La biografía que escribió su amiga y amante Peggy Caserta reveló que uno de los músicos de la banda contó que Janis estaba afligida porque ni ella ni su novio fueron a visitarla para celebrar el éxito de la grabación de Pearl, disco que salió a la luz tres meses después de su muerte.

Dejó su música como legado y muchas reflexiones. Algunas de ellas:

“En el escenario le hago el amor a 25.000 personas diferentes. Luego me voy sola a casa”.

“Lo que te hace sentir bien no te puede causar ningún daño”

“Es difícil ser libre, pero cuando funciona ¡vale la pena!”.

“Ama a tus amigos animales, no te los comas”.

“No sé, yo sólo quiero sentir tanto como puedo, es de todo lo que trata el alma”.

“Al ser intelectual se crean un montón de preguntas y ninguna respuesta”.

“No te pongas en peligro, eres todo lo que tienes”.

“Aquí estoy, amigo, para celebrar una fiesta, la mejor posible mientras viva en la tierra. Creo que ese es también tu deber”.

“Todo el mundo tiene que conformarse con algo en algún momento”.

“Estoy enterrada viva en los blues”

Su cuerpo fue cremado y sus cenizas esparcidas desde una avioneta sobre el océano Pacífico. En su testamento dejó una única especificación: 2.500 dólares para que sus amigos realizaran una fiesta y brindaran en su honor. La reunión de más de 200 personas se realizó el 26 de octubre de 1970 y asistieron sus hermanos.





La más sentida versión y maravillosa de todas ❤️



Entre las rebeldes sin pausa, abanderada de muchas causas, reivindicaciones y batallas, no nos podíamos olvidar de Joan Báez ✊





"Sacco y Vanzetti: la fuerza de la tradición obrera
Hace 93 años eran electrocutados Sacco y Vanzetti, culpables de un crimen nunca cometido y, por tanto, imposible de probar. Después de 50 años, reconocieron su inocencia. Ayer como hoy son un símbolo del internacionalismo de la tradición obrera".


Cantante estadounidense
Una de las cantantes más influyentes del folk norteamericano.
Canciones: Gracias a la vida, Diamonds & Rust, Donna donna...
Género: Folk, folk rock, country folk, gospel...
Padres: Albert Baez y Joan Bridge
Cónyuges: David Harris
Hijos: Gabriel Harris
Nombre: Joan Chandos Báez
"No podemos elegir cómo vamos a morir o cuándo vamos a hacerlo. Solo podemos decidir cómo vamos a vivir"
Joan Báez.


Porque la noche🌛🌚🌜

Tómame ahora, baby, aquí tal y como estoy
Ponme junto a ti, prueba y entiende
que el deseo es ansia, es el fuego que respiro
El amor es un banquete en el que nos alimentamos

Ven ahora, prueba y entiende
cómo me siento cuando estoy en tus manos
Coge mi mano, ven bajo las mantas
No pueden hacerte daño ahora
No pueden hacerte daño ahora, no pueden hacerte daño ahora



[Estribillo]
Porque la noche pertenece a los amantes
Porque la noche pertenece a la lujuria
Porque la noche pertenece a los amantes
Porque la noche nos pertenece

Tengo una duda cuando estoy sola
El amor es un ring, el teléfono
El amor es un ángel disfrazado de lujuria
Aquí en nuestra cama, hasta que la mañana llegue
Ven ahora, prueba y entiende
cómo me siento bajo tu poder
Coge mi mano mientras el sol cae
No pueden tocarte ahora
No pueden tocarte ahora, no pueden tocarte ahora

[Estribillo]

Con amor dormimos
Con dudas, el círculo vicioso
gira y arde
Sin ti no puedo vivir
Perdona el anhelo ardiente
Creo que es la hora, demasiado real para sentir
Así que tócame ahora, tócame ahora, tócame ahora



[Estribillo]

Porque esta noche hay dos amantes
Si creemos en la noche confiaremos

Porque esta noche hay dos amantes...





Patti Smith iconoclasta pura, transgresora e independiente, poetisa del underground, hippie desmelenada con corazón punkie, adorada y querida por much@s grupos y cantantes de diferentes procedencias y estilos, abuela, madre e hija del radicalisno más sentido, marcando el camino para futuras generaciones contestatarias por la utopía y el poder para la gente.



Patty Smith nació el 30 de diciembre de 1946, en Chicago, Estados Unidos.

Su familia es de ascendencia irlandesa. Su madre, Beverly, fue camarera y su padre, Grant, un trabajador de la multinacional Honeywell.

Pasó su primera infancia en el Germantown, barrio de Filadelfia antes de que su familia se trasladara a Woodbury Gardens, Deptford Township, New Jersey. Su madre, Testigo de Jehová, hizo que recibiera una fuerte educación religiosa.




Smith se graduó en la Deptford Township High School en 1964. Trabajó en una fábrica y el 26 de abril de 1967, tuvo una hija que entregó en adopción.

Más adelante se instaló en Nueva York y trabajó como periodista musical.

Conoció al fotógrafo Robert Mapplethorpe cuando trabajaba en una tienda de libros. En 1969, se trasladó a París junto a su hermana y actuaron en las calles. Cuando regresó a la ciudad de Nueva York, vivió en el Hotel Chelsea con Mapplethorpe. Tuvieron una intensa relación amorosa y Smith considera que fue una de las personas más importantes en su vida. En su libro Just Kids se refiere a él como "el artista de mi vida". La fotografías de Mapplethorpe se convirtieron en portadas de sus discos, y siguieron siendo amigos hasta la muerte del fotógrafo en 1989.

En 1971, Patty Smith, realizó lecturas públicas de sus poesías en los locales del Greenwich Village neoyorkino. Fue redactora ocasional de las revistas Rolling Stone y Creem. Editó dos libros de poemas (Witt y Seventh Heaven).




Primeras canciones
En el año 1974 grabó para Mer Records un single con los temas Hey Joe y Piss Factory con el nombre de The Patti Smith Group. Posteriormente ficharía con Arista Records. En 1975, apareció Horses, su primer LP, donde sale su versión de Gloria, el clásico de Van Morrison y con el que logra fama en el movimiento punk.

En enero de 1977, actuando como telonera de la banda de Bob Seger, se fracturó una vértebra debido a una caída accidental. En 1978, Because The Night, una canción compuesta junto a Bruce Springsteen, llega a lo más alto de las listas de éxitos.

Tras separarse del teclista Allen Lanier, conoció a Fred "Sonic" Smith, músico con el que se casó y tuvo a su hijo, Jackson en 1982, y a su hija, Jesse en 1987.

En junio de 1988, lanzó el álbum Dream of Life, que incluía la canción People Have the Power, un LP cuya cubierta realizó el fotógrafo Robert Mapplethorpe, fallecido poco después.

Fred Smith murió el 4 de noviembre de 1994, de un ataque al corazón. Más tarde, Patti se enfrentó a la muerte de su hermano Todd. Al cumplir su hijo 14 años, decidió volver a Nueva York.




En 1996, graba Gone Again, con la canción "About a Boy", tributo al integrante de Nirvana, Kurt Cobain. En 1997 aparece su álbum Peace and Noise y en 2000 Gung Ho. En abril de 2004, aparece Trampin', y el 25 de junio de 2005, aparece en el Festival Meltdown de Londres y su actuación se graba y se lanza con el título de Horses/Horses.

En 2008 aparece un álbum en vivo con Kevin Shields, The Coral Sea.

Fue nombrada Comandante de la Orden de las Artes y las Letras de Francia en 2005, y entra en el Salón de la Fama del Rock en 2007. En el año 2011 fue galardonada con el Premio de Música Polar.

El 19 de junio de 2011, hizo su debut como actriz de televisión en la serie Law & Order: Criminal Intent, apareciendo en el episodio titulado "Ícaro".Un año después lanzó su 11º álbum de estudio Banga.
Discografía
1975 Horses
1976 Radio Ethiopia
1978 Easter
1979 Wave
1988 Dream of Life
1996 Gone Again
1997 Peace And Noise
2000 Gung Ho
2004 Trampin'
2007 Twelve
2012 Banga





Las chicas son guerreras, divertidas, sexys y macarras, saben cuidar de ellas mismas sin necesidad de ningún tipo de ayuda, sin duda alguna...





Can't stay at home, can't stay at school
Old folks say: Ya poor little fool
Down the street, I'm the girl next door
I'm the fox you've been waiting for

Hello, daddy! Hello, mom!
I'm your ch-ch-ch-ch-ch-cherry bomb
Hello, world! I'm your wild girl!
I'm your ch-ch-ch-ch-ch-cherry bomb

Stone age love and strange sounds too
Come on, baby, let me get to you
Bad nights causin' teenage blues
Get down, ladies, you've got nothing to lose


Hello, daddy! Hello, mom!
I'm your ch-ch-ch-ch-ch-cherry bomb
Hello, world! I'm your wild girl!
I'm your ch-ch-ch-ch-ch-cherry bomb

Hello, daddy! Hello, mom!
I'm your ch-ch-ch-ch-ch-cherry bomb
Hello, world! I'm your wild girl!
I'm your ch-ch-ch-ch-ch-cherry bomb

Hey, street boy, what's your style?
Your dead end dreams don't make you smile
I'll give ya something to live for
Have ya, grab ya, 'til you're sore

Hello, daddy! Hello, mom!
I'm your ch-ch-ch-ch-ch-cherry bomb
Hello, world! I'm your wild girl!
I'm your ch-ch-ch-ch-ch-cherry bomb

Cherry bomb
Cherry bomb
Cherry bomb
Cherry bomb
Cherry bomb

Cherry Bomb
No puede quedarse en casa, no puede permanecer en la escuela...
Los viejos dicen que ya... engañar a la pobre
Por la calle...
Yo soy la chica de al lado
Yo soy la zorra que has estado esperando para

Hola papá, mamá hola
Soy tu ch ch ch ch ch Cherry Bomb
¡Hola, mundo yo soy tu niña salvaje
Soy tu ch ch ch ch ch Cherry Bomb

El amor en la edad de piedra, y suena demasiado extraño
Come on baby déjame que te de
malas noches, causas, azules adolescentes
Bajan las señoras...no tienes nada que perder

Hola papá, mamá hola
Soy tu ch ch ch ch ch Cherry Bomb
¡Hola, mundo yo soy tu niña salvaje
Soy tu ch ch ch ch ch Cherry Bomb

Hey chico de la calle cuál es su estilo
Sus sueños sin salida, no te hacen sonreír
Voy a darte un motivo para vivir
Tienen ya, ya a tomar su dolor

Hola papá, mamá hola
Soy tu ch ch ch ch ch Cherry Bomb
¡Hola, mundo yo soy tu niña salvaje
Soy tu ch ch ch ch ch Cherry Bomb💋💔🐾🍒💣


A pesar de ser un producto puramente comercial Fowley estaba seguro que la idea de tener 5 chicas vestidas de cuero tocando rock n' roll llamaría la atención y si tenían talento tendrían una gran aceptación. La primera banda de rock compuesta por mujeres se había formado e irrumpía con una fuerza que nadie podía haber aventurado en el masculino mundo del rock, a pesar de ser un grupo de niñas donde el caos y el choque de ideas reinaban a cada rato supieron organizarse y luego comenzaron a dar pequeños conciertos en fiestas, clubes, etc, hasta que lograron componer sus primeras canciones.
En 1976 la banda publicaría su primer disco homónimo consiguiendo un éxito moderado en EE.UU, el álbum contenía canciones como "You Drive Me Wild", "Dead End Justice" y la que sería la canción mas famosa de la banda "Cherry Bomb".


The Runaways telonearon a grupos como Van Halen o The Ramones pero no obtenían el respeto que merecían por el hecho de ser un grupo de chicas adolescentes en un genero dominado por hombres, pero lo que no te mata te hace mas fuerte, y eso en vez de desanimarlas logró despertar el sentimiento de rebeldía en las jóvenes.
En 1977 (año de la gran explosión punk inglesa y el auge de la música disco) la banda publicó su segundo disco Queens of Noise, el cual marcaría un antes y un después con canciones como "California Paradise", "I Love Playin' With Fire", "Hollywood", etc.


El fenómeno The Runaways acababa de explotar y las chicas alcanzarían el estatus de superestrellas pero irónicamente eran ajenas a ello, en los EE.UU habían conseguido hacerse un lugar en la escena punk, pero era fuera de las fronteras estadounidenses donde la verdadera revolución estaba teniendo lugar, Alemania, Canadá, Australia o Japón eran los países donde tuvieron mayor impacto.


Ese mismo verano la banda realizó una gira por Japón donde ya eran todo un fenómeno, el país del sol naciente se paralizó por la visita de estas 5 chicas, en medio de toda esa locura grabarían el disco en vivo Live in Japan que se fue inmediatamente a la lista de los más vendidos, tuvieron su propio especial televisivo, sonaban en todas las radios y en cada lugar que tocaban se colgaba el cartel de boletos agotados.


Los japoneses parecían no tener suficiente de estas chicas, pero ellas sí, los continuos celos entre las jóvenes, las drogas, las peleas y el abuso físico que las chicas recibían por parte de Kim Fowley las comenzaron a agotar, la bajista Jackie Fox decidió dejar la banda previo a un festival de música en Japón por lo que Joan Jett se encargó temporalmente del bajo. La banda era todo un éxito en Asia pero muy poco aceptada en América ya que seguían creyendo que las mujeres deberían estar en la cocina y no tocando rock n' roll, luego de un tiempo los abusos y las drogas hicieron que la vocalista Cherie Currie también abandonara la banda, Joan Jett pasó a ser la voz principal y en remplazo de Fox reclutaron a la bajista Vicki Blue de 17 años.
Con la nueva formación The Runaways publicaron su cuarto disco Waitin' For The Night en el que destacan las canciones "Gotta Get Out Tonight", "School Days", etc y debido a varios desacuerdos se separaron de Kim Fowley, quien se quedaba con gran parte de las ganancias y las manipulaba con tal de mantener una posición de control.


En 1978 la banda publicó su quinto álbum And Now... The Runaways en el que Lita Ford y Sandy West obtuvieron mas protagonismo con las canciones "I'm a Million" y "Right Now" respectivamente, la bajista Vicki Blue dejó el grupo debido a una enfermedad que padecía y fue sustituida por Laurie McAllister. Sin embargo para esta altura los desacuerdos creativos se hicieron presentes, Joan Jett quería hacer un estilo mas glam rock, mientras Lita Ford (apoyada por Sandy West) quería un estilo mas heavy metal, ninguna estuvo de acuerdo y en 1979 The Runaways se separaron, dando un punto final a la carrera de la primera banda de rock femenina.

Joan Jett inició una exitosa carrera con su nueva banda The Blackhearts, sus canciones como "I Love Rock N' Roll" se han transformado en himnos y es un ejemplo para quienes dudan de la potencia de las mujeres haciendo rock n’ roll. Lita Ford tuvo una exitosa carrera solista en el hard rock llegando a colaborar con Ozzy Osbourne en el tema "Close My Eyes Forever".


Tras abandonar The Runaways, Cherie Currie tuvo una carrera en solitario junto con su hermana Marie y posteriormente en el cine para poder superar su adicción a las drogas, actualmente es artista de motosierra. Las que no siguieron en el espectáculo fueron Jackie Fox quien se dedico a la abogacía y Sandy West quien falleció en octubre del 2006 a causa de un cáncer de pulmón.

En el 2010 se estrenó una película inspirada en la historia de la banda con las actuaciones de Kristen Stewart como Joan Jett, Dakota Fanning como Cherie Currie, Scout Taylor-Compton como Lita Ford y Stella Maeve como Sandy West. La bajista Jackie Fox se negó a ceder sus derechos de imagen para ser representada en la película, por lo cual la bajista es un personaje ficticio llamado Robin. A pesar de no ser un enorme éxito, la película le ha dado una nueva vida a un grupo que sino hubiera caído totalmente en el olvido.


Parte de la historia de The Runaways es la de las mujeres en la historia del rock y ese lado de la historia está lleno de silencios y críticas, si bien su existencia puede haber sido corta, su influencia aún se nota al día de hoy. The Runaways inspiraron a numerosas jóvenes a adentrarse en un territorio en su mayor parte masculino como lo era el del rock y sin ellas no hubiéramos tenido a varias mujeres destacadas en la historia del rock tales como Hole o The Donnas, sus sucesoras más directas.


🖤 Joan Jet y los corazones 🖤💣🌷👈





Versión de Tommy James and the Shondells.


Vegetariana, amante de los animales y de armas tomar, la morena eterna ❤️
Voz rasposa, espalda arqueada, piernas abiertas, los brazos tocando la guitarra casi al ras del piso, algunas señas ofensivas de vez en cuando, con una particular belleza y movimientos para nada “femeninos”, es así como Joan Jett desde que pisó un escenario, ha realizado su show. ¿Quién dice que una mujer deba actuar de una u otra manera? ¿Qué está bien y qué está mal para una “señorita”? A ella le importa un carajo.

Cantante, guitarrista, compositora, productora y hasta actriz, Joan Marie Larkin, aka Joan Jett, es una de las mujeres más reconocidas e influyentes dentro del Rock.

Joan nació en Pensilvania un 22 de septiembre de 1958, desde joven y hasta la fecha, ha mantenido su actitud rebelde y fuera de convencionalismos machistas. A sus 14 años estaba decidida a que su futuro estaba en el caótico mundo del Rock n Roll, pero… no sabía tocar ningún instrumento.




Cuando buscó asesoría, el sujeto que le enseñaba movimientos básicos en la guitarra acústica, y que se empeñaba a que Joan tocara canciones muy “fresas”, le dijo que el Rock no era para niñas; acto seguido, la joven Jett formó su propia banda compuesta solamente de mujeres “The Runaways”, en donde conoció la fama, que la llevó de gira hasta Japón.

La historia de Joan Jett destaca entre el montón del mundo del Rock and Roll simplemente porque cuando intentó hacerse un espacio en el cerrado mundo musical, precisamente como su profesor de guitarra ya lo auguraba, tenía todo en contra: ser mujer.

Entonces, ¿cómo lo logró? Gracias a su actitud, su forma de pensar, y el no permitir ser pisoteada por una sociedad machista.

Es símbolo incluso de las Riot Grrrl!, el movimiento feminista que surgió en la década de los 90 y que buscaba empoderar la escena alternativa de la música, de la que surgió el fanzine Bikini Kill, y por su puesto a la banda homónima que confesó que Jett fue una inspiración para su música, al igual que las punketas L7, la banda de la polémica Curtney Love, Hole, The Donnas, las metaleras de Kittie, y hasta a Avril Lavigne.

Durante su carrera con The Runaways, el grupo manejado por el polémico mánager Kim Fowley, y conformado por Lita Ford, Sandy West, Jackie Fox, y la inconfundible Cherrie Curie, es cuando Jett conoció la perdición: abusos, drogas, relaciones homosexuales, giras tropezadas, y problemas económicos, pero Joan no dejó de componer canciones para la agrupación, para ella era “crecer en el camino”.

Seguramente más de una vez has escuchado alguna de sus canciones; una de las más famosas es Bad Reputation, que la escribió en respuesta a las 23 disqueras que le dieron la espalda por no creer en que una mujer también podía hacer Rock de verdad.

Por su ritmo acelerado y su clara intención en los gritos y en los riffs, “Bad Reputation” (“Mala Reputación”), ha sido utilizada en un sinfín de películas; Shrek, 10 cosas que odio de ti, Kick Ass, Easy-A y su más reciente aparición fue en el filme de Steven Spielberg “Ready Player One”. Incluso ha sido versionada por Avril Lavigne, Foo Fighters, Pink y Miley Cyrus

“Si de verdad quieres ser un músico, tienes que mirar en tu interior y decidir: ¿en serio quiero ser un músico o sólo quiero ser un destello y andar en limosinas un par de semanas? Tienes que decidir qué hacer con tu vida”.
En entrevistas Joan ha confesado que lo difícil de las giras es mantenerse firme y no caer en las tentaciones de las drogas, el amor y el alcohol, porque siempre hay algo antes que todo eso y es la música. Si quieres dar un buen show, tienes que estar en óptimas condiciones. Algo increíble de concebir a tan temprana edad, ¿no?



También es consciente de que es mal visto por la sociedad que una “señorita” diga tantas groserías y maldiciones como lo hace Jett, su respuesta para estas críticas fue: “Ok, ¿quién inventó las reglas?”

Joan ha participado en un par de películas, una de las más interesantes de ver, es justamente un musical, donde la cantante Sarah Brightman también se encuentra dentro del elenco; Repo! The Gothic Opera, una comedia negra/opera/thriller.

En el 2010, se lanzó una película sobre la historia de The Runaways, muy a lo hollywoodense, pero con algunos detalles que valen la pena rescatar. Aunque la cereza del pastel, y como festejo para Joan, hoy se estrena el documental “Bad Reputation”, que reúne material inédito y entrevistas sobre la vida de Jett.
Nuestra desaliñada reina del Rock n Roll lleva 60 años rockeando, y si algo podemos aprender de ella, es que nunca debes dejar que tus sueños se frustren sólo porque una veintena de puertas se te cerraron en las narices, siempre hay una oportunidad mejor, y lo más importante: ¡Que te importe un carajo tu reputación y lo que los demás digan de ti!


A veces las prefiero rubias teñidas... divertida, pequeñita de oro, voz irrepetible, reina del Power Pop, despampanante, rompedora, diosa de la historia de la New Wave, dónde junto con sus maravillosos músicos acompañantes, supieron cabalgar por encima de cualquier estilo, con producciones discográficas de primera y canciones inolvidables.
Simplemente Blondie.





El día que repasemos la New Wave y el Power Pop pondremos la biografía.
Primera pregunta?
En qué año grabaron Heart Of Glass, su éxito más conocido.
Segunda pregunta, de quién eran amigas estás chicas???





En 1975 unas adolescentes compañeras de estudios y vecinas también procedentes del sur de Londres decidieron crear una banda de versiones íntegramente femenina llamada Painted Lady. En estos primeros momentos estaba Kim McAuliffef a la guitarra, Tina Gayle a la batería, Deirdre Cartwright como guitarra solista. En los primeros tiempos Val Lloyd sustituyó a Gayle a la batería.
Cartwright abandona la banda para crear Tour de Force, una banda orientada hacia el jazz. Painted Lady se deshace y McAuliffe y Williams siguen buscando chicas para formar una banda, en abril de 1978 ya tienen nuevos fichajes y se llaman Girlschool. Llaman la atención desde un primer momento al versionar un tema de Paul McCartney y giran por Francia, Irlanda e Inglaterra.
En diciembre del 78 realizan su primer single “Take it all away” lanzado por un sello independiente. El single suena en la radio y circula por la escena under, este tema llega hasta Lemmy que se interesa por ellas. En 1979 las Girlschool giran con Motörhead durante la gira del Overkill, surge la amistad entre Lemmy y las Girlschool que se saldaría años después con el lanzamiento de un ep conjunto, logran de esta manera su primer contrato discográfico.
Giraron con Budgie y en 1980 grabaron su primer trabajo “Demolition” con el productor de Motörhead, Vic Maile. De este trabajo se extrae un ep “St Valentines Day Massacre” que es una colaboración con Lemmy. Lograron con este Ep alcanzar el puesto número 5 en las listas inglesas. En el 81 la banda graba su segundo trabajo “Hit and Run” con el que alcanzan el puesto quinto en las listas inglesas. Giraron con los Black Sabbath y los Rush. En julio del 81 tocaban en Canadá y actuaron también en el Reading Festival y en la BBC.
En 1982 Girlschool realizó su primera gira por Europa finalizando la gira en la capital danesa donde fueron teloneras de Mercyful Fate. Giraron por Japón junto a Rainbow en el 82. En febrero de ese año realizaron su tercer trabajo “Screaming Blue Murder”, tuvo una buena acogida pero no mejor que los dos anteriores trabajos. En el 82 giraron por primera vez en Usa llenando estadios junto a Scorpions y Iron Maiden, también tocaron en ese país junto a Judas Priest y Def Leppard.


Acabamos en está ocasión de madrugada de chicas con Hole y Garbage.
🎸🎲🎚️








Tercera pregunta con quién estaba casado


Kurt Cobain???


Ni el más retorcido cineasta de Hollywood tendría que darle tantas vueltas a su cerebro para descubrir que la biografía de Courtney Love es los más parecido a una versión subterránea de la Cenicienta.


Courtney Love no es mujer de sangre azul, es plebeya como el que más, casi callejera, pero hoy se pasea por el mundo luciendo los mejores vestidos de modistos como Versace y Armani. Solo ella puede decir que pasó de ser una striptesera de un bar de Los Angeles a cotizada modelo informal de alta costura. Un carrera vertiginosa y llena de sinuosos y complicados recovecos. Courtney es reina y villana. Para muchos recalcitrantes fanáticos del grunge no es otra cosa que la misma asesina de Kurt Cobain, el gran mártir del rock de los noventa. Una suerte de arpía o Yoko Ono moderna, capaz de pasar por encima de cualquiera con tal de ser una gran diva. Para otros es la mujer más sensual del rock actual, hembra impúdica que pasea su desverguenza por la pantalla grande y la pantalla chica. Love es la provocación misma, mujer de infidelidades confesas, viuda negra de la música que ha pasado por las rockeras camas Billy Corgan y Evan Dando. Pero Courtney no es solo líbido, también tiene mucha música y su banda Hole ha producido dos de los discos más importantes de la década: Pretty on the Inside y Live Through This. Su tercera producción, Celebrity Skin también parece un incunable del rock, aunque su camino apenas comienza. La música de Courtney es el mejor reflejo de su metamorfosis. De la violencia alternativa del primero evolucionó a un pop rockero políticamente correcto en su último disco. Para los no iniciados en el submundo del rock de Hole, Celebrity Skin es su trabajo más audible y tal vez por eso el más radiable. De este trabajo ya han salido dos sencillos: Malibú y la canción que le da título al disco. Hole, obviamente no es solamente Courtney, también la integran Eric Erlandson, miembro fundador y coautor de la mayor parte de las canciones, Melissa Auf Der Maur y Patty Schemel. La bajista Auf Der Maur reemplazó a Kristen M. Pfaff, miembro original del grupo que falleció por una sobredosis de droga.

Última edición por ramones77 el 21 Nov 2020 02:17, editado 1 vez en total.

#52

Mensaje 21 Nov 2020 00:43

onlineramones77
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ramones77
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Garbage se inició como una idea de tres productores musicales, llamados Butch Vig, Duke Erikson, y Steve Marker. Los tres hacían una especie de rock informal en un sótano de su ciudad, hasta que decidieron contratar como vocalista a Shirley Manson, quien provenía del grupo Angelfish, con los que sacaría un disco en 1994.

Garbage grabó su primer trabajo a finales de 1994. El primer álbum apareció en otoño de 1995 bajo el título de "Garbage". Tras oirse a través de radios y darse a conocer en la MTV, comienzan a subir en las listas de éxitos, gracias, sobre todo, a su segundo single, "Queer".

En 1996, Garbage consigue un disco de oro en Estados Unidos, y poco después el de platino. Sus siguientes sencillos, "Only Happy When It Rains" y "Stupid Girl", se convirtieron también en grandes éxitos. Tras colaborar en la banda sonora de la película "Romeo & Julieta", con el tema "#1 Crush", su fama aumenta aún más.

Tras más de un año de duro trabajo, Garbage publica su segundo álbum, titulado "Version 2.0". Todas las canciones del álbum están escritas por Shirley Manson, y con él consiguieron dos discos de platino. El primer sencillo de este álbum se titulaba "Push It". "Version 2.0" asciende rápidamente en las listas de éxitos, sobre todo después de qeu algunos de sus temas sonaran como música de algún conocido spot de televisión.

En el año 2001 Garbage publica "Beautiful Garbage", un álbum con un ligero cambio de estilo pero sin perder las raíces de sus inicios. El primer sencillo extraído de este álbum fue "Androgyny", un tema pegadizo que estrean uno de loa álbums más comerciales de la banda.

En 2005 Garbage reaparece en la escena musical con un nuevo disco que ha tardado cuatro años en completarse. Con un primer single del disco entrando en posiciones muy altas de las listas de ventas europeas, éste promete ser uno de los mejores discos del grupo. A pesar de que los propios miembros de la banda y muchos de sus fans dieron por hecho la disolución del grupo hace aproximadamente un año, Garbage nos presenta "Bleed Like Me", un álbum con 11 nuevos temas compuestos y producidos íntegramente por sus cuatro miembros y muestra la cara más "guitarrera" de Garbage. La intención de la banda fue acercar más el sonido de sus discos al sonido del directo, ya que los discos solían tender más hacia un sonido tecnológico. Con este nuevo disco, la banda regresa a sus orígenes: guitarras contundentes, letras incisivas y , al frente, el carisma inconfundible de su lider.


Cuatro Bonus Tracks de la loca sinfónola...
Próxima semana grupos Heavys, Hard Rock y Pop- Rock y otros rollos de los 70,s y 80,s de Iberia Power🤭
Y lapsus de vacío en el tiempo hasta después de Reyes... diciembre de puente, navidad, año nuevo, trabajo y descanso... con alguna canción referencia hasta la vuelta.
En Navarra será largo puente...
Jukebox en automático.
Fin de semana de todo o nada contra los colchoneros.
Agur 😷🌷👈✊


Devo.
👁️





Camel.
🏝️🏴☠️🐫



Barclay James Harvest.
❤️On The Line.





Que asco da a veces como utilizan canciones que marcaron maravillosos momentos para anuncios de mierda en pro del caducó sistema😷🤭
Que se lo pregunten a los irreverentes Supertramp 🤔
Todo por la pasta...


Give A Little Bit.



#53

Mensaje 25 Nov 2020 08:30

onlineramones77
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Frías y buenas mañanas, tardes cortas y casi para una amplia mayoría, noches de a las once en casa.

Hoy viaje al pasado con buenas "rolas" y " "bonus track" de grupos españoles desde el Pop Rock y otros rollos, fusión, hard rock y heavy, para jóvenes y mulliditos con canas, con muchas ondas hertzianas tras de si.


🤭🏴☠️
Todo tiene su fin, aunque a veces lo importante es el principio...

Para combatir las bajas temperaturas y la desidia, no hace falta dadas las próximas fechas traje de gala, ni peleas familiares de noche buena, ni máscaras para el cotillón de noche vieja.


👉👁️👈
😃🤩🥳🤯
Módulos.


Se puede considerar a Los Módulos el último gran grupo de los 60 o el primer supergrupo de los 70. Ambas afirmaciones son ciertas, tanto en lo cronológico como en lo musical, porque ningún grupo de su época fue capaz, como ellos, de reunir en un mismo producto el pop comercial de los 60 con la renovación marcada por la música progresiva en los 70. No debe extrañarnos, por tanto, que los seguidores del pop español los consideren un grupo pop y los amantes de la música progresiva lo reivindiquen continuamente como uno de los suyos. Lo que parece quedar claro, etiquetas aparte, es que Módulos fue un grupo de gran calidad, de trabajo meticuloso y formado por cuatro de los mejores músicos y compositores de su tiempo.

Módulos no surgió por generación espontánea, sino que fue un grupo apoyado desde el principio por una potente casa discográfica.



A finales de 1967, Paco Quero, bajista de Los Ángeles, es requerido por la patria para hacer la mili y su puesto es cubierto por un jovencísimo Pepe Robles. El sustituto cumple con creces las expectativas puestas en él e incluso compone un par de canciones para este grupo; sin embargo, el titular regresa. Rafael Trabuchelli, productor estrella de Hispavox, propone entonces a Pepe Robles un lanzamiento importante como solista, pero éste prefiere formar un nuevo grupo. Trabuchelli, padrino del llamado sonido Torrelaguna, en honor del nombre de la calle donde se encuentran las oficinas de la discográfica y productor de Pic-Nic, Los Ángeles, Los Mitos y en alguna época de Miguel Ríos, apuesta desde el primer momento por el proyecto y proporciona un local de ensayo en los sótanos del mismo edificio Hispavox. Para febrero de 1969, Los Módulos comienzan sus maratonianos ensayos (hasta ocho horas diarias), conformado como un cuarteto con Tomás Bohórquez (órgano Hammond y piano), Emilio Bueno (bajo), Juan Antonio García Reyzabal (batería y violín eléctrico) y el propio Pepe Robles (guitarra y voz).



El sonido del grupo queda definido por el sonido mágico del Hammond de Tomás, la guitarra cristalina y la voz levemente quejumbrosa de Pepe y una sección rítmica ajustada y sin tomarse libertades innecesarias. Las influencias de grupos como Vainilla Fudge o The Nice, basados en el sonido del órgano es palpable en los primeros tiempos.

Poco antes del verano del 69 aparece un primer single con "Ya no me Quieres / "Recuerdos" (Hispavox, 1969) con letra de Reyzabal y música de Robles. El disco se vende bien, está varias semanas en el top 20. Hispavox les firma un contrato por cuatro LP en cuatro años consecutivos y su manager, Tony Caravaca los mueve por todos los clubes madrileños. Tras el verano se meten en el estudio de grabación para lo que será su primer larga duración. En una las últimas sesiones de grabación, Reyzabal aparece con ocho compases de una melodía. Trabuchelli les apremia a terminar el trabajo, ya que el LP queda algo corto de minutaje y el grupo desarrolla rápidamente aquel apunte melódico. Cuando Pepe Robles va a registrar a Autores la nueva canción, se encuentra con que ya ha sido registrada por Reyzabal en solitario. Eso va a producir reclamaciones y pleitos entre ambos músicos y sólo la mediación de Hispavox, que tiene contrato con ambos, evita que uno de los dos salga del grupo. La SGAE toma la decisión salomónica de que aparezca firmada por ambos, aunque Reyzabal siempre reivindicará la autoría en solitario. El tema en cuestión es “Todo tiene su fin”, seguramente una de las tres mejores baladas del pop español de todos los tiempos.

El segundo single "Nada me Importa / Todo tiene su Fin" (Hispavox, 1969) aparece en diciembre del 69. Tres meses entre los más vendidos, dos semanas número 1 de ventas, ambas canciones por separado entre las cabeceras de Los 40 Principales… un rotundo éxito empañado por las desavenencias entre ambos autores, que ya mantendrán únicamente una forzada relación profesional y no volverán a firmar una canción a dúo.



Hispavox aprovecha el momento cumbre del single para lanzar en 1970 “Realidad” (Hispavox, 1970), un excelente trabajo que incluye siete temas propios y dos versiones de Beatles. En el verano de ese año aparecerá un nuevo single de cara al verano: "Tu ya no Estás / No Puedo Estar sin ti" (Hispavox, 1970), que no alcanza ni de lejos las ventas de su predecesor.

En 1971 se editan casi simultáneamente el LP “Variaciones” (Hispavox, 1971) en la línea del anterior, con instrumentaciones parecidas aunque menos frescura y una versión de "The sounds of silence" de Simón y Garfunkel. Este disco contiene una joya: “Solo tú”, que será editada en single junto a “Adiós al ayer”. Este single -"Sólo tú / Adiós al Ayer" (Hispavox, 1971)-vuelve a colocar a Módulos arriba de las listas y propicia para el grupo un segundo verano cargado de galas por toda España.

La discográfica les insta a repetir la jugada al año siguiente, grabando en los primeros meses de 1972 el LP “Plenitud” (Hispavox, 1972). Aquí van a surgir las primeras discrepancias entre un grupo que quiere abrirse a la música progresiva de formaciones como Yes, King Crimson o Genesis y una empresa que quiere repetir la fórmula que se ha demostrado exitosa anteriormente. El resultado es un álbum irregular con canciones muy largas, cargadas de toques de mellotrón, moog y otros aparatos electrónicos y unas letras anodinas y monotemáticas. Una especie de quiero y no puedo (o no me dejan) hacer lo que verdaderamente deseo por parte del grupo. Se extrae “No quiero pensar en ese amor” como single y, , se le acopla una Cara B inédita en el LP; en este caso: “Mari, Mari, Mari”. El LP, un tanto incomprendido, se vende poco; sin embargo, el single -"No Quiero Pensar en ese Amor / Mari, Mari, Mari" (Hispavox, 1972)- escala los primeros puestos de las listas y está entre los más vendidos de aquel verano.

1973 es un año en blanco que frena en seco la marcha del grupo. Pepe Robles estrella su coche y está a punto de perder la vida. Meses de hospital y recuperación y los otros tres componentes prácticamente en dique seco. El cuarto LP contratado con Hispavox se graba, por tanto, en 1974. Es sin duda el trabajo más flojo del grupo, que abandona las baladas cargadas de toques clásicos de teclados y guitarra para proponer un pop ligero, lejos de su estilo, con un Pepe Robles en baja forma vocal y con discusiones continuas con el productor Trabuchelli acerca de los arreglos de los distintos temas. El LP “4” (Hispavox, 1974) y el single "Sólo Palabras / Al Ponerse el Sol" (Hispavox, 1974) no funcionan comercialmente, a pesar de que Hispavox ha intentado forzar un producto ultracomercial.



Una vez finalizado su contrato, Reyzabal abandona el grupo en 1974 y es sustituido en la batería por Juan Cánovas, procedente de los recién disueltos Cánovas, Adolfo, Rodrigo y Guzmán.

En los siguientes años grabarán dos singles más con Hispavox. En 1975 "Perdido en mis Recuerdos / Hacia el Siglo XXI" (Hispavox, 1975) y en 1976 "¿Recuerdas? / Consumo S.A." (Hispavox, 1976). Las letras de contenido social, sobre todo en las Caras B, disgustaron notablemente a la discográfica en un momento político complicado en el país y con un dictador agonizante. Estos discos no fueron promocionados debidamente. Las ventas cayeron en picado y con ellas el número de actuaciones y el caché del grupo. A finales de 1976 son invitados a abandonar la compañía. Emilio Bueno abandona el grupo siendo sustituido en el bajo primero por José Luis Campuzano, Sherpa, que más tarde formaría Barón Rojo. También Cánovas es sustituido por Chupi de la Fuente.

En 1978 autoproducen el LP “Módulos” (Olimpo, 1978), el trabajo más libre y personal del grupo. Un trabajo de calidad poco valorado en su tiempo y casi olvidado en la actualidad, que mereció mejor suerte. Tras ser rechazados por varias compañías, será editado por la modesta independiente Olimpo. Hasta cierto punto fue un álbum de culto, pero que por falta de promoción no llegó al gran público y fue ninguneado por las emisoras. En 1979, justo diez años después de su formación, Módulos echa el telón a una trayectoria profesional impecable.

Llevados por la vena de la nostalgia Bohórquez, Bueno, Reyzabal y el guitarrista Pibe Iglesias se reúnen en 2000 para algunas actuaciones y editar el CD “Pensado y Hecho... en la Intimidad” (EPF, 2000), que contiene 9 versiones de temas antiguos y 6 nuevas canciones. Entre tanto, Hispavox y otras compañías ha seguido explotando el filón Módulos en forma de recopilatorios y Medina Azahara ha grabado versiones de sus canciones, que no mejoran en ningún caso las originales. El primer módulo en dejarnos para siempre ha sido Juan Antonio García Reyzabal en octubre de 2015. A éste le siguió en abril de 2018 Tomás Bohorquez, que con sus teclados definió el sonido de Módulos.


Un poquito de Máquina para desastascar los motores.
Llega el invierno...🌬️🌀🌁





Los inicios del rock progresivo con una clara tendencia underground y americana tuvieron en España dos focos de desarrollo importantes, Sevilla en la que encontramos a Smash, y Barcelona en donde surgen Máquina!. Dos grupos que nacieron y murieron a la par y que nos dejaron dos grandes discos como son “Glorieta de los Lotos” (Philips, 1970) y “Why?” (Als 4 Vents / Diábolo, 1970).

En una época regida por la dictadura, una censura cada vez menos férrea y un mercado musical copado por la nova cançó, la canción ligera, con Nino Bravo al frente, el pop revolucionario de Los Brincos y los éxitos de Joan Manuel Serrat, Fórmula V, Los Bravos y Los Diablos, una nueva escena rock experimental y outsider comenzaba a surgir en nuestro país.



Curtidos como músicos de acompañamiento de multitud de bandas y artistas, entre ellos Sisa, Grup de Folk y los grupos que grababan para la discográfica Als 4 Vents, Jordi Batiste (bajo y voz) -hermano de Albert Batiste de Música Dispersa-, Enric Herrera (órgano hammond) y Luigi Cabanach (guitarra wah-wah) deciden dar rienda suelta a su creatividad y grabar algo realmente a su gusto. Así es como surge Máquina! en 1968.

Con Brian Auger, Pink Floyd y King Crimson en mente la máquina comienza a engrasarse, faltan un batería y un guitarra para completar la formación, y ahí es donde entran José María Vilaseca -Tapi- y Josep María París.

Al grupo nunca le gustaron las etiquetas, trazaron sus propias geometrías sonoras con el rock y la experimentación como pilares fundamentales de su música. Enric Herrera comentaba en una entrevista en 2006 en La Caja de Música que “música progresiva es una etiqueta que alguien se sacó de la manga. La necesidad de clasificar las cosas hace que aparezcan estos términos, casi siempre totalmente ajenos a los artistas”.



Lo cierto es que la gestación de su primer largo, “Why?”, es cuando menos curiosa. J.M. París se presenta en el estudio sin haber tocado nada con la banda y guiados por la improvisación dan forma a una brillante sesión que recogería el corte de veinticuatro minutos que da título al álbum. Tapi lo explicaba en una entrevista concedida a Ruta 66 en Enero de 91: "Why? surgió de una grabación espontánea. Nos pusimos a tocar y acabamos al cabo de veinte minutos. A los técnicos les preocupaba que pusiéramos el volumen muy alto pero siempre conseguíamos acabar con los Marshall a toda leche. Las sesiones empezaban a las 12 de la noche y se prolongaban hasta las 10 de la mañana. El whisky corría en abundancia y los productores nunca pasaban por el estudio. Pensaban que estábamos sonados y que era mejor dejarnos a nuestro aire. Luego lo escuchaban y decidían si se editaba o no".

Als 4 Vents y Diábolo apuestan fuerte por ellos, del primer single que contiene los cortes "Lands of perfection" y "Let get smashed" -posteriormente incluídos en “…Funciona!” (Wah Wah, 2004)- se venden 10.000 copias tras una buena promoción, y de su primer largo 3.000. La psicodelia, las guitarras con efectos, los juegos de teclados y las geometrías progresivas y jazzísticas inundan cada corte de su brillante debut. En el 93 PDI reeditaría el álbum en CD, “Why?” (PDI, 1993), incluyendo dos cortes extra, “Earth's daughter” y “Look away our happiness”.

Un año después, Jordi Batiste se ve obligado a abandonar el grupo para realizar el servicio militar y la banda sufre importantes reajustes que afectan a un sonido regido por una improvisación más estructurada y más abierto al rock americano, acercándose a Blood, Sweat and Tears y Chicago. El mando de la banda corre a cargo de Herrera, quien pone en marcha una nueva máquina, integra el trío Crac (blues, jazz, rock) -Carles Benavent (bajo), Emili Baleriola (guitarra) sustituyendo a Cabanach y París y Salvador Font (batería) en lugar de Tapi-, y al alemán Peter Rohr al saxo y el austríaco Hubert Grilleberger a la trompeta, incluso prueban con Teddy Ruster como vocalista, grabando el tema "Take it easy". Con esta nueva formación dan forma a su segundo y a la postre último álbum, “En Directo” (Als 4 Vents, 1972).



Jordi Batiste participa en el disco aportando su voz, pero su peso específico en la banda se reduce considerablemente. Aún así, continuaría ligado al mundo de la música de una forma más que prolífica, en proyectos como el dueto con Ia Clua, Ia-Batiste -grupo innovador con discos altamente recomendables como el multicolor “Chichonera’s Cat” (Edigsa, 1975)- o la producción artística del álbum de Sisa y Pascal Comelade “Visca la Llibertat” (Drac / Virgin, 2000), incluso lanzaría los álbumes en solitario “Fotofobia” (Global, 2001) y “L'Arbre Blanc” (Global, 2006).

Parecido es el caso de Tapi, quien monta Tapiman con Miguel Ángel Núñez alias Man, guitarra que al abandonar la banda sería sustituido por Max Sunyer (Iceberg), y Pepe Fernández (bajo), y un año después se enrola en Lone Star, aportando vitalidad y frescura a la banda barcelonesa. Su muerte en el 94 nos deja huérfanos de uno de los mejores baterías de nuestra escena.

Por su parte Carles Benavent, además de sus discos en solitario, se labró una importante carrera que lo llevó a colaborar con Paco de Lucía, Camarón y Chic Corea entre muchos otros, y Emili Baleriola se enfrasca en Orquestra Platería entre otros proyectos.

Wah Wah Records reeditaría los dos largos de la banda en vinilo y lanzaría el recopilatorio “…Funciona!”, un doble LP en edición limitada que recoge temas inéditos, singles y rarezas para repasar la historia del grupo catalán.



Con la nostalgia en primer plano, el 31 de enero del 2004 Máquina! regresa después de 32 años en la Sala As de Copes de Granollers. La idea es realizar una serie de conciertos y recuperar esas canciones que aún permanecen en el recuerdo de muchos -sus discos, lanzados al mercado internacional (Alemania, Inglaterra, Japón…) ya en los 70, son piezas cotizadísimas por los amantes del vinilo-. En esta ocasión la maquina la forman dos de sus fundadores, Jordi Batiste (voz, bajo) y Luigi Cabanach (guitarra), escoltados por Toni Saigi -Chupi- (teclados) y Quim Vilaplana (bateria).

En el 2007 participan en el festival Euroyeyé 007 en Gijón, cerrando junto a los escoceses The Five Aces. Enric Herrera se desmarca del regreso, afirmando en la mencionada entrevista a La Caja de Música que “creo que ahora no tiene sentido hacer esa música. Nunca digas de esta agua no beberé. Aunque ahora hago música sólo por el placer de hacerla y mis gustos musicales están en otra onda”.


Quebrando el Iceberg🎸





En 1973 cuatro músicos van a coincidir en la banda de acompañamiento de Tony Ronald. Son Max Sunyer (guitarra), Josep Mas, Kitflus, (piano eléctrico y sintetizadores), Ángel Riba (voz, saxo y guitarra) y Primitivo Sancho (bajo). Durante ese año maduran la idea de formar un grupo con un proyecto absolutamente distinto al del cantante holandés afincado en Barcelona. Tan solo Max Sunyer tenía experiencia propia en el estilo sinfónico que pretendían, al haber sido miembro de Vértice y Tapiman en años anteriores. Por otra parte, este tipo de música ya había vivido su primera oleada en Cataluña con grupos como Maquina!, Vértice o Pan y Regaliz y empezaba a ser considerada como algo del pasado.

A principios de 1974 se les une el batería Jordi Colomer, que tocaba en la banda de acompañamiento de Luis Aguilé, y graban unas maquetas que presentan a EMI-Odeon que se muestra interesada, pero que finalmente no acabará de ficharles. El 27 de marzo de 1975 debutan en directo en L'Hospitalet de Llobregat. Como el asunto con EMI no acaba de despegar entran en contacto con Marià Albero y Carles Serrat que están montando una productora. María los traslada a los estudios Kirios, en Madrid, donde entre el 5 y el 11 de mayo graban lo que sería su primer LP “Tutankhamon” (CFE, 1975). El LP desarrolla una historia ambientada en el antiguo Egipto recurriendo no a la descripción, sino a una música abstracta en la que los temas se cortan abruptamente para enlazar con el siguiente en una forma de extraño continuo. Letras bien cuidadas en castellano e inglés y un desarrollo sinfónico global del álbum como una obra completa y no como una sucesión de temas. El productor Alain Milhaud se va a interesar por el proyecto y les va a conseguir un contrato con la Compañía Fonográfica Española (CFE).



"Tutankhamon", pensado para minorías resulta un exitazo e Iceberg se ve de la noche a la mañana convertido en un grupo puntero. Se presentan en mayo en la sala Zeleste, en junio se pone a la venta el álbum con una campaña previa en emisoras de radio y en julio Iceberg está en los dos primeros macrofestivales celebrados en España: el de Burgos (Festival de la Cochambre) y en el llamado Woodstock español: la primera edición del Festival Canet Rock. Allí, ante veinte mil asistentes, se presentan con el marchamo de grupo grande, cerrando un festival en el que estuvieron entre otros: María del Mar Bonet, Orquesta Plateria, Pau Riba, Companyia Electrica Dharma, Lole y Manuel, Barcelona Tractión y el controvertido Sisa, cuya actuación finalmente fue prohibida por haberse declarado días antes anarquista en una entrevista. Pensemos que en aquellos momentos el andamiaje franquista se estaba viniendo al suelo y cualquier manifestación o reunión juvenil era mirada con recelo.

El 9 de febrero Iceberg se presenta en Madrid en un memorable concierto en el Alcala Palace con la crítica madrileña entregada y el teatro a rebosar (con las localidades agotadas, un grupo de exaltados rompió una de las cristaleras para colarse). Con un solo LP habían logrado relanzar la música sinfónico-progresiva y además eran reconocidos sin exageraciones como uno de los grupos mundiales más importantes de su estilo. La guitarra de Max Sunyer tenía poco que envidiar a la de John McLaughlin, por buscar un estilo parecido, y Kitflus conjugaba el potencial sonoro de los primeros mini moogs con el piano eléctrico y los por entonces ya casi obsoletos órganos hammond.



En septiembre de 1976 graban “Coses Nostres” (CFE, 1976). La evolución del grupo les conduce hacia la música instrumental con temas más largos, más sujetos a improvisaciones y más dentro de la robustez de las estructuras del rock. Así las cosas, un cantante era algo superfluo. Ángel Riba graba las partes de saxo de este segundo LP y abandona el grupo, que quedará ya en el futuro configurado como cuarteto. Ángel seguirá vinculado a Iceberg realizando hasta 1978 labores de manager. Este segundo LP vuelve a triunfar en toda la línea. Alain Milhaud les consigue ventajosos contratos y llega a presentarlos como atracción invitada en el inefable concurso 1,2,3 Responda Otra Vez, donde el grupo exige y consigue tocar en directo, algo inaudito en la primera de TVE por aquellas fechas.

Justo un año después de “Coses Nostres” el grupo vuelve a meterse en el estudio de la mano del técnico Juan Vinader para grabar su tercer larga duración. “Sentiments” (CFE / Bocaccio, 1977), un álbum con un número de ventas menor al de sus antecesores, pero que hoy, visto en la distancia, es tal vez el mejor trabajo de la banda. Riquezas armónicas, virtuosismo instrumental y todo ello sobre el lecho de un potente ritmo de rock, con Max y Kitflus en su mejor momento creativo. Además, participan en Las 6 Horas de Rock Ibérico, que se celebró en el Pabellón de Deportes del Real Madrid, con un cartel compuesto por Burning, Granada, Triana y Atila.

En la primavera de 1978 se enfrentan a la grabación de un LP en directo. No lo hacen en una sola sesión, sino que realizan grabaciones en actuaciones en Oviedo, Reus, Bilbao y Barcelona para entresacar de ese material lo que será el álbum. No acuden a versionear sus éxitos como sería de esperar, sino que todo el LP en directo está formado por nuevas composiciones que nunca serían grabadas en estudio. Ese verano van a participar en una gran gira por todo el país denominada La Noche Roja. Junto a Iceberg, estarán Miguel Ríos, Triana, Salvador y Guadalquivir.

Tras el loco verano del 78, grabarán su último LP “Arc-En-Ciel” (CFE / Bocaccio, 1979), casi una obra póstuma, pues el grupo dará su última actuación en Salamanca, el 18 de agosto de 1979. Problemas familiares de Jordi Colomer y Max Sunyer, que ya había publicado el año anterior un LP en solitario, Kitflus que por esas fechas entró en la banda de Joan Manuel Serrat y, sobre todo, el cansancio acumulado en cinco años de no darse un respiro ,precipitaron la disolución del grupo. En 1982 los dos líderes, Max y Kitflus, fundarían el grupo de jazz-rock Pegasus, heredero directo de estos Iceberg, que daría mucho que hablar y escuchar durante toda esa década.





De Catalunya a Madrid...
Quemando millas musicales 🔥


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Burning es sin duda una de las bandas más legendarias de la historia del rock en España. Su actitud, chulería y autenticidad han marcado una longeva trayectoria, llena de altibajos y contratiempos, en la que se han mantenido siempre fieles a su propio estilo. Burning ha sido una banda de referencia para varias generaciones en las últimas décadas (Loquillo y Trogloditas, Gabinete Caligari, Ramoncín, Pereza,…). Su estilo y su música están claramente influidos por los Rolling Stones, pero también por el rock callejero de Lou Reed y, sobre todo en sus primeros tiempos, por el glam de New York Dolls. Adaptaron como nadie el rock anglosajón al castellano, aportándole su estilo macarra y castizo, creando así una identidad propia. Su música combina el rock enérgico con emotivas baladas cargadas de melancolía. Sus canciones giran en torno a los tópicos del rock and roll (chicas, fiestas, noches de alcohol) y también a temas marginales (historias de los suburbios, delincuentes callejeros, drogas, prostitución).

El grupo nace en 1974 en el barrio madrileño de La Elipa, donde la afición a los Rolling Stones, Deep Purple, y otros grupos representativos del rock anglosajón, une a Quique Pérez (bajo), Johnny Cifuentes (piano), Pepe Risi (guitarra) y Toño Martín (voz) con la idea de tener un grupo de rock y tocar en garitos. El intenso calor que hacía el día que bautizaron al grupo fue lo que decidió su nombre.



Desde las primeras actuaciones se pudo comprobar el innegable carisma y especial estilo de Toño como cantante, a imagen y semejanza de Mick Jagger, pero con el toque cheli y canalla que el grupo ha mantenido a lo largo de su carrera. Igualmente llama la atención Pepe Risi, autor de la mayoría de las canciones (junto a Toño, mientras éste permaneció en el grupo), y de unos riffs heredados de Keith Richards y Chuck Berry. Su pose, con gafas de sol, chupa de cuero y su Gibson Les Paul “negrita”, es ya un icono de la historia del rock en España. El piano de Johnny es el tercer pilar sobre el que se sustenta el sonido del grupo a lo largo de su historia.

En 1974 graban su primer single: “I'm Burning” (Movieplay, 1974), compuesto por el dúo Toño-Risi y cantado en un inglés de barrio, con un sonido muy glam, en el que mezclan influencias de Marc Bolan y New York Dolls. En la cara B graban una versión de “Johnny B. Goode”, de Chuck Berry, que posteriormente nunca faltará en los conciertos del grupo. Su segundo single se publica en 1975: “Like a Shot” (Movieplay, 1975), con “Rock and Roll” en la cara B. Estas canciones, compuestas por el dúo Toño-Risi y cantadas en inglés, se acercan más al rock clásico con un sonido sucio que luego sería su seña de identidad.



Son unos primeros momentos llenos de dificultades: la censura impide la publicación de su LP “Sólo Para Mujeres” (1975); no encuentran batería estable; y Risi tiene que cumplir el servicio militar. Aún así consiguen forjarse a base de directos llegando a actuar en el famoso Festival de la Cochambre celebrado en Burgos en 1975.

En 1978 consiguen grabar, ya por fin, su primer LP: “Madrid” (Ocre, 1978). Esta vez en castellano, cuentan historias de la calle, de su propio barrio. Su sonido se asemeja al rock and roll stoniano, guitarrero (“Madrid”, “Jim Dinamita”, “Miéntelas”) combinado con estremecedoras baladas (“Lujuria”, “Sin tiempo para vivir”) interpretadas magistralmente por Toño. Por fin los grupos empezaban a contar en castellano historias propias, reales, la verdadera realidad social. Burning fue uno de los primeros grupos en formar parte del movimiento del rock urbano (junto con Leño, Ramoncín, Cucharada,...).

“El Fin de la Década” (Ocre, 1979) supuso la continuación de la propuesta musical de su primer disco. La inclusión de la canción “¿Qué hace una chica como tú en un sitio como éste?” en la película de Fernando Colomo del mismo título (1980) y la aparición del grupo en la película, supuso un importante espaldarazo de popularidad al que también contribuyó la inmensa calidad del disco. Además de la citada canción, contiene otro de los grandes clásicos de la banda: “Mueve tus caderas”, y otras muestras de rock demoledor (“Seducción”, “Puedes sentirlo”), medios tiempos (“Un poquito nada más”, “Bajo los focos”) y baladas magistrales convertidas también en clásicos del grupo (“Balada para una viuda”, “Las chicas del Drugstore”).

La trilogía se completa con “Bulevar” (Ocre, 1980)en la línea de sus predecesores, aunque con un sonido algo más pop, pero manteniendo la temática y el estilo del grupo. Este disco añade a la colección de clásicos del grupo varias canciones: “No es extraño que tú estés loca por mí”, “Es Decisión” (cantada por Risi) o las maravillosas baladas “Días de lluvia” o “Escríbelo con Sangre”. Varias de las canciones se incluyeron en la banda sonora de la película “Navajeros” (Eloy de la Iglesia, 1980) basada en la vida del delincuente callejero El Jaro.



Con este disco se pone fin a la época gloriosa del grupo y a partir de aquí comienzan los problemas: Quique abandona la banda; a Toño le empiezan a pasar factura los excesos con las drogas y, como consecuencia, las relaciones personales con el resto del grupo se deterioran. Toño se mueve ahora entre la vida salvaje del rock and roll y la vida familiar junto a su mujer y su hija, con lo que se le hace difícil compaginar ensayos, conciertos, etc. En 1982 se publica “Atrapado en el Amor” (Belter, 1982), un disco introspectivo que se aleja del rock rotundo de los anteriores discos. Refleja una mirada dramática de la vida, repleto de baladas de aire romántico cuyo sonido está definitivamente influido por las circunstancias que rodean ahora al grupo, sobre todo a Toño. Se incluyen algunas joyas como “Chica de moda” o “Hermano”.

Tras la grabación del disco Toño abandona el grupo para intentar llevar una vida familiar junto a su mujer y su hija, y alejarse de la vida nocturna y las drogas. Algo que no pudo conseguir definitivamente. Tras varios años viviendo con su familia en el pueblo burgalés de Briviesca, los problemas personales provocan su marcha a Barcelona, donde definitivamente vuelve a quedar atrapado por las drogas, los excesos y la vida nocturna. Murió el 9 de mayo de 1991, alejado del mundo de la música y víctima de su estilo de vida.

A pesar de las dificultades Johnny y Risi deciden apostar por la continuación de Burning y dan un giro hacia el rock and roll de sus primeros tiempos con la grabación de“Noches de Rock and Roll” (Belter, 1984). Johnny y Risi se reparten la función de cantantes y retoman la vena roquera (“Esto es un atraco”, “Cristina”, “Nena”), sin olvidar las baladas nocturnas, como “El sueño de tu sonrisa” o “Una noche sin ti”, dedicada a Toño.

A pesar de no contar con el reconocimiento de la crítica ni del público masivo, poseen ya un público fiel y cierto reconocimiento por parte de algunos de los grupos de rock de la época como Loquillo o Ramoncín, con el que Risi colabora en 1984 para escribir “La chica de la puerta 16”. A partir de aquí Burning continúa su camino al margen de las modas y los criterios de la industria discográfica, apoyándose en sus principios de fidelidad al rock and roll. Siguen recorriendo el país dando conciertos en los que demuestran noche tras noche su pasión por el rock y la auténtica dimensión del grupo.



Los siguientes trabajos son la continuación del estilo Burning, con algunos altibajos pero siempre inundados del espíritu del rock and roll auténtico, hecho con el corazón. En 1985 “Hazme Gritar” (Victoria, 1985)deja varias muestras de calidad: “Tú y yo”, “Dieron las diez”, “No pares de gritar”, aunque en general el sonido pierde algo de agresividad, sobre todo en la guitarra. En 1987 se publica “Cuchillo”(Victoria, 1987) cuya producción sigue sin hacer justicia al grupo pero donde destacan algunas piezas como “Muévete en la oscuridad”, “Chueca” y “Ginebra Seca”. Con “Regalos Para Mamá” (Victoria, 1989) mejora el sonido de la guitarra, recuperando la fuerza de “Noches de Rock and Roll”, y continúan aportando clásicos al repertorio de la banda: “Golpéales” y, sobre todo, la balada “Como un huracán”.

Al año siguiente graban su disco “En Directo” (Ariola, 1990)donde por fin se puede apreciar lo que el grupo es capaz de demostrar sobre un escenario. El disco goza de cierta popularidad y sus ventas no son exorbitantes pero permiten al grupo hacer conciertos en estadios y pabellones. El capricho de la industria musical hace que de nuevo salgan en los medios y suenen en las radios del país. Además el sonido del disco por fin les hace justicia, y para la grabación les acompañan algunos amigos: Miguel Ríos, Loquillo, Antonio Vega, Sabina, Rosendo y Los Secretos.

Tras el apogeo del directo y de la extensa gira por toda España, llega la vuelta a la cruda realidad. Al igual que sucedió con otros grupos españoles de los setenta y ochenta, con la llegada de las nuevas generaciones de grupos, son olvidados por los medios y la industria, y son relegados a un segundo plano. Burning vuelve al underground, tocando en pequeños garitos y sobreviviendo con dignidad; son conscientes de que cada disco supone empezar de cero. A ellos sólo les interesa seguir disfrutando del rock and roll, así que en 1993 graban “No Mires Atrás” (Don Lucena, 1993), un disco que está a la altura de los mejores de su carrera. Destacan “Weekend”, o las emocionantes “Te quiero tanto” y “Ojos de ladrón”. El disco está dedicado a la memoria de Toño, que había fallecido dos años antes.

Risi participa en 1997 en el disco en directo“Compañeros de Viaje” (EMI, 1997) de Loquillo y Trogloditas, en el que el cantante versiona algunos clásicos del rock nacional junto a sus autores. La canción elegida es “¿Qué hace una chica como tú en un sitio como éste?”.

La nueva etapa de Burning se ve truncada el nueve de mayo de 1997 por la muerte de Pepe Risi a causa de una neumonía. Fallece uno de los músicos más emblemáticos de la historia del rock en España. Johnny decide entonces que Burning debe continuar y toma las riendas del grupo, formado entonces por Carlos Guardado al bajo (en Burning desde 1987), Eduardo Pinilla a la guitarra (desde 1992) y una nueva incorporación: Kacho Casal en la batería.



Poco después de la muerte de Risi se publica “Banquete Para Ellos” (No tomorrow, 1997), un disco tributo a la música de Burning que, curiosamente, se había empezado a gestar antes de la muerte de Risi. De hecho Johnny y el propio Risi colaboraron en la versión de “Las chicas del drugstore” realizada por Una Sonrisa Terrible. Participan, entre otros, Nuevo Catecismo Católico, Aerobitch, The Neverly Brothers o Sabino Méndez.

Los días 11 y 12 de diciembre de 1997 se organiza en Madrid un concierto homenaje a Pepe Risi, en el que además de Burning, participan numerosos grupos versionando sus canciones (Loquillo, Gabinete Caligari, Ramoncín, Carlos Segarra, M-Clan, Los Enemigos, etc.). El concierto se publica bajo el título de “Una Noche sin ti” (Columbia, 1998).

Al año siguiente Burning publica un nuevo disco con las canciones que había dejado grabadas Pepe Risi. El disco es “Sin Miedo a Perder” (Surco, 1998), en el destacan “Estrella fugaz” o “Jack Gasolina”. Risi dejó más canciones grabadas; dos de ellas las graba Loquillo en su disco “Cuero Español” (EMI, 2000): “Quiero Acariciar el rock and roll” y “La sonrisa de Risi”.

El grupo continúa, dando lecciones magistrales de rock and roll allá por donde va, escenario tras escenario. Su empeño y constancia les hacen no mirar al pasado y enfrentarse a cada concierto como si fuera el último, rodando por todos los rincones de España, tocando por pequeños bares en ciudades y pueblos perdidos por la geografía nacional.

“Altura” (Avispa, 2002) es el primer disco de estudio sin Pepe Risi y con la nueva formación siguen destilando auténtico rock and roll sucio y macarra. Evidentemente los tiempos gloriosos ya están muy lejanos y las canciones no están a la altura de las de sus primeros discos, con ese sabor especial, pero siguen saliendo pequeñas joyas como “Desde el pantano”. El grupo participa en el disco homenaje a Barricada “Un Camino de Piedras” (DRO, 2003) con la canción “Pídemelo otra vez”.

Siguen las extensas giras por todo el país y en 2005 graban un disco revisando dieciséis temas clásicos del grupo en formato acústico: “Dulces Dieciséis” (Music Bus, 2005). Una mirada inédita al rock de Burning, pero con un resultado excelente. Cuentan con la colaboración de músicos como Quique González, Ñaco Goñi o Tito Dávila. La gira posterior, tocando en formato acústico por pequeñas salas y teatros, es todo un éxito. Su concierto en la sala Joy Eslava de Madrid es publicado en el año 2008: “Desnudo en el Joy” (Warner, 2008), reflejando fielmente la calidez de los conciertos y el buen hacer de los músicos.

Burning no fue nunca un grupo con gran éxito comercial, ni llenó estadios, pero el rock de este país tiene una deuda con él. Parte de la escena rockera española ha reconocido abiertamente su influencia, y a pesar de no sonar en las radios comerciales, ni disfrutar del éxito masivo de crítica y público, ha seguido siempre su camino al margen de modas, coherente con sus principios, fiel a su estilo y a su corazón. Actualmente Burning sigue ofreciendo noches memorables de rock and roll y dejando un legado difícil de igualar.





Chapa con mucho Rock and roll y otros rollos...
⚡🎶🧻🧻🧻🧻🧻🧻🧻


El higiénico es por Mariscal...
🤭









https://www.youtube.com/playlist?list=O ... Az_nK9cqt8




















Moncho siempre en la memoria 🏴☠️✊


https://www.youtube.com/playlist?list=O ... tRwRjrV-1Q





En el canal de "putatube" bajo la denominación de Viva el Rollo o Chapa discos hay diferentes recopilatorios de lo que se cocía en el Rock y otros rollos en Madrid de finales de los 70,s a principios de los 80,s👍✊☝️🎸


Primera pregunta...
Quién ideó el recopilatorio de viva el ROLLO?





Bailame para alegrarme el Weekend 🍒👁️👄



Tras Cucharada y Mermelada, no nos podemos olvidar de "Topo".





Segunda pregunta...
Como se llama el cantante de Obús?


A mediados de los años setenta, el incomprendido nuevo rock español intentaba salir del underground al que parecía condenado sin infraestructuras que lo sustentaran. Inicialmente, el sello Gong, filial de Movieplay dirigida por Gonzalo García-Pelayo, echó una mano lanzando el álbum colectivo¡¡Viva el rollo!! (1975), piedra de toque del movimiento conocido como el Rollo, y grabando a formaciones como Burning, Tílburi y Triana, pero pronto se orientó hacia la canción de autor y del proyecto rockero inicial solo permanecerían los sevillanos Triana. Detrás de ¡¡Viva el rollo!! estaba el locutor radiofónico Vicente Romero, Mariscal, empeñado en crear una plataforma discográfica que sirviera para acoger a nuevas bandas de todo el país. Finalmente, convenció a la dirección de Zafiro, discográfica de capital español y vinculada al Opus Dei, para dar forma a un sello que aglutinara a esos grupos que no lograban acceder a los estudios de grabación y sobrevivían en directo como buenamente podían.


En 1977 vio la luz la primera referencia del nuevo proyecto: el homónimo debut de Asfalto, al que siguieron un single de Tequila y el estreno de los progresivos Bloque. Había nacido Chapa Discos (uno de los nombres barajados fue Caña, pero se impondría el de los tapones metálicos de los populares botellines, con un logo que recordaba al de Coca-Cola y que daría juego visual en las galletas de los vinilos, reproducidas siempre en negro, gris y rojo), bajo la dirección de Romero y orientada hacia el emergente rock nacional en todas sus formas. Detalle destacable, pues la historia parece vincular su catálogo casi exclusivamente con el rock urbano o el heavy, pero en sus bulliciosos orígenes el criterio artístico fue muy holgado.


Las primeras referencias de Chapa contaron con magros presupuestos y un esquema fijo: 50 horas de grabación por elepé en el estudio Audiofilm de Madrid, con producciones esencialmente dirigidas por el propio Romero con ayuda de Luis Soler (Teddy Bautista no tardaría en sumarse como productor de Leño y Topo, realizando una notable labor), pues los directivos de Zafiro, aunque dieron el visto bueno al sello, no estaban en absoluto convencidos de su rentabilidad y sus intereses eran completamente opuestos al rock.


Sin embargo, con imaginación, energía y buenas canciones de allí salieron álbumes que hoy son canónicos del rock español, como los estrenos de Asfalto y Topo (escisión de los primeros), los padres del rock urbano; Leño (ahí dejaron toda su imprescindible discografía), Mermelada (su Coge el tren era un tratado de caliente rock blusero de escuela clásica), el primero español del argentino Moris (Fiebre de vivir, obra capital a ambos lados del Atlántico), Cucharada (una banda de rock ácido y transgresor con Manolo Tena en sus filas), o el estreno en largo de Tequila (Matrícula de honor, que grabado para Chapa se editó bajo otra marca más noble de Zafiro, Novola). Pese a la calidad de aquellos primeros lanzamientos, el rock en nuestro país en aquel periodo previo a la década de los ochenta era bastante marginal y las ventas de Chapa Discos no resultaron, por tanto, demasiado abultadas, pero fueron obras básicas para testimoniar un panorama inquieto en pleno estreno de libertades.


El sello funcionaba casi como una factoría contracultural dentro de Zafiro (aunqueférreamente vigilado por esta), cuidando las portadas de losálbumes y lanzando periódicamente recopilatorios que servían de esencial apoyo comercial para la marca o para testar a nuevas formaciones (la serieViva el rollo). Abierto a todo tipo de propuestas estéticas, por allí pasaron los catalanes Tapimán (rock clásico) y Borne (onda layetana rock), los alicantinos Mediterráneo (funk pop latino), los valencianos Tarántula (rock progresivo), los cordobeses Mezquita (rock andaluz), los madrileños Ñu (hard rock), Los Elegantes (mod), Paracelso con El Gran Wyoming (rock humorístico), los punks y seminales Kaka de Luxe…


Sin embargo, desde 1981 y con los rotundos debuts de Barón Rojo y Obús, fue decantándose abiertamente hacia el rock duro y el heavy, dadas las buenas ventas de aquellos elepés. A lo largo de los años ochenta, perdido el espíritu transgresor y libérrimo que había sido su enseña y descolgados del rock más joven de la nueva década (incluso abierta e innecesariamente enfrentado a él), la discográfica poco a poco fue languideciendo. Atrás quedaban montones de discos esenciales para comprender el rock español en los últimos años setenta y en el primer tramo del siguiente decenio, cuando convivió con la nueva ola y la movida.


El tiempo sacaría a la luz el comportamiento poco ejemplar de Zafiro para con los artistas que allí habían grabado: desprecio, contratos leoninos, registro a su nombre de la marca de algunos grupos, obligación de renunciar a derechos de autor a cambio de cartas de libertad… Chapa había nacido con vocación rompedora, pero ese sentimiento había sido secuestrado por las peores prácticas empresariales. Décadas después, los siguientes propietarios del catálogo discográfico, BMG, trataron de subsanar muchas injusticias.

Ahora, para celebrar el 40º aniversario de Chapa Discos (la cuenta siempre se ha hecho desde 1975, año del lanzamiento de ¡¡Viva el rollo!!, que aunque editado por Gong se considera la semilla del proyecto), Sony Music ha reeditado 17 de aquellos álbumes en exquisitas ediciones limitadas en vinilo, remasterizando las grabaciones (deuda pendiente) y respetando los diseños originales de las portadas: Asfalto (Asfalto), Bloque (Bloque), Leño (Leño, Corre, corre, Directo), Topo (Topo), Mermelada (Coge el tren), Cucharada (El limpiabotas que quería ser torero), Moris (Fiebre de vivir), Kaka de Luxe (Las canciones malditas), Tequila (Matrícula de honor, por fin se edita bajo la marca para la que fue grabado), Barón Rojo (Volumen brutal, Larga vida al rock & roll, Barón al Rojo vivo), Obús (Prepárate, En directo, Poderoso como el trueno).


Cruzamos hace tiempo el ecuador de nuestro repaso 🕥


Tercera pregunta...
Que grupo salió años después del grupo Tequila?
🥃


Hermosos sueños "diabólicos".





Bloque se formó en Torrelavega y Santander (Cantabria) en 1973, cuando Luis Pastor, Juan José Respuela, Sixto Ruiz y Paco Baños, inspirándose en grupos como The Allman Brothers Band, Yes o King Crimson, decidieron dar rienda suelta a su imaginación musical y crear esta banda. Con la llegada del teclista Juan Carlos Gutiérrez encontraron el sonido que les caracterizaría, enérgico y envolvente, en el que destacan los solos a dos guitarras de Respuela y Ruiz, al modo de The Allman Brothers Band.

En la formación original de Bloque había otros músicos: “Ito” Luna batería, “Dioni” Sobrado guitarra y Mario Gómez Calderón teclados, que se escindirían del grupo en 1977, creando junto con Lili Alegría (bajo y voz) el grupo Ibio, también de rock sinfónico.

Sus primeros conciertos importantes tuvieron lugar en los festivales de León y Burgos, así como en Cataluña, en el "Nadal Rock". Más tarde actuaron en el famoso local de rock "M&M", en Madrid, y en el programa de televisión de TVE Voces a 45.

A raíz de esta serie de eventos, Chapa Discos, un sello perteneciente a la discográfica Zafiro, les contrata y editan su primer LP en 1978, titulado como el grupo y producido por Vicente Romero y Luis Soler. Del disco, grabado en solo cinco días, se extraen dos singles, "La Libre Creación/Nostalgia" y "Undécimo Poder/Abelardo y Eloísa".

Al año siguiente, 1979, editan Hombre, tierra y alma, que produjeron ellos mismos.

En 1980 sacan El hijo del alba, grabado con mucha más calidad, pero que no tuvo el éxito esperado, debido, sobre todo, al cambio en los gustos musicales que se estaba viviendo con la aparición de la movida madrileña. Se extraen de él dos singles, "El hijo del alba/La razón natural" y "Quimérica laxitud/Danza del Agua" (fragmento).

Por último, editaron un último disco, al que titularon Música para la libertad (1981). De él se publicaron dos sencillos, "Detenidos en la Materia/Mágico y salvaje" y "Solo sentimiento/Detenidos en la materia".

La banda se disuelve en el año 1983.

En 1993 dos de los miembros originales, Juan José Respuela y Juan Carlos Gutiérrez, consiguen unir a la banda y hacer una serie de conciertos, acompañados por varios colaboradores.

En 1999 se edita el disco En directo, una grabación realizada en 1994 en la sala Revólver de Madrid, con la participación de Iván Velasco (guitarras), Luis Escalada (batería), Pepe Masides (bajo) y Marcos Gómez (teclados).

En 2008, reaparecen en el "Festival del Lago" en la localidad gaditana de Bornos junto a Imán Califato Independiente y Gwendal, consiguiendo un éxito rotundo ante un público entregado que abarrotaba el patio del Convento Corpus Christi.


Ahora ya marchita hasta el final 🎚️🎧🎤





Hay algunos de Coz y palo rítmico continuo 😎


Coz, un grupo pionero del rock español, un grupo legendario, que tiene en su haber himnos como 'Más Sexy' o 'Las chicas son guerreras', los únicos que dedicaron una canción a John Lennon, 'Imagínate por qué', cuando le asesinaron, los primeros en hacerse su propia casa de discos, allá por el 84, tras su no muy afortunado paso por una multinacional con la que, a pesar de todo, consiguieron números unos y salir en todos los papeles por la que parece ser la separación del siglo, en lo que a grupos de rock español se refiere y de la que salió Barón Rojo. Aquello ocurrió en 1980 (aunque COZ había sido formado por Juan Márquez en 1974) y tras ocho álbumes y muchos años de carretera, el grupo tuvo un gran paréntesis (debido a que Márquez se fue varios años a Estados Unidos) reorganizándose de nuevo, a su vuelta, en 2005, con Eduardo Pinilla, Enrique Ballesteros, y Miguel Ángel López-Escamez, presentándose en la sala Caracol de Madrid y, posteriormente, en el festival Leyendas del Rock'06, repitiendo en el 2007, habiendo pasado por otros festivales como Lebrancho Rock’07, en Fuerte Ventura, Mediatic Festival’07 en La Nucia (Alicante), Vistalegre Rock'08, en Cartagena, Carabaña Rock Festival'08 en Carabaña, Charkuela Rock'08 en Uceda, 'Nos va la marcha 2008' en Madrid, una presentación en acústico en el Teatro Bellas Artes de Madrid y, reincorporandose a la banda el teclista Juan Carlos 'Snoopy' (Banzai) contando con Dani Moreno en la guitarra, tras innumerables actuaciones, volviendo a llenar Caracol en 2015, o el festival Rock Urbano en 'El Grito' de Fuenlabrada en 2016, reforzados con Ana Matas y Jessi Paniagua en los coros, se presentaron en Las Ventas de Madrid, formando parte del cartel de Rocktiembre 2016.
El primer álbum de COZ, titulado 'Más Sexy', se publica en 1980, con la formación de Juan Márquez, Cutu de la Puente, y Armando y Carlos de Castro. Los hermanos De Castro decidieron irse a fundar Barón Rojo, y son sustituidos por los guitarristas Tony de Juan y Eduardo Pinilla, grabándose el álbum 'Las chicas son guerreras' que se publica en 1981. En 1982, graban, en Londres, en el estudio de Ian Gillan, el álbum 'Duro', producidos por Vicente Romero. En 1984 obtuvieron la carta de libertad de CBS y COZ montó su propio sello discográfico, Cable Records, publicando 'Romper la red' pero Cutu de la Puente emprendió otros proyectos (aunque volvió a colaborar con el grupo en 1986) siendo sustituido por Enrique Ballesteros (legendario batería de ÑU, Banzai, Cráter y Blue Bar, entre otros) que trajo a la banda a su colega de Banzai, Juan Carlos Redondo 'Snoopy'. En 1986, tras grabar de nuevo con Vicente Romero en los estudios Mediterráneo de Ibiza, firmaron con la compañía Fonomusic, publicando 'Legítima defensa' presentado por el grupo en una gira de conciertos, defendido con la ayuda de Enrique Bertrán de Lis, hasta que Tony de Juan se va a tocar a Estados Unidos, Eduardo Pinilla toca con Luz Casal, Joaquín Sabina y, finalmente, Burning, y Juan Márquez entra en el otro lado de la llamada industria discográfica, primero como A&R de Virgin, después como Director de la Editorial Virgin Spain. En 1989, con Mario de Benito a los teclados y la producción, publican 'Travesura', cuyo single, 'Animal en extinción' obtiene en Iberpop, el premio al mejor vídeo clip del año. En 1996, de nuevo producidos por Mario de Benito, regraban sus mejores canciones en un álbum titulado 'Hasta que la suerte nos separe', en Arcade.





Vaya borrachera llevo🍺🍻🥂🍾🥃🍸🍹🚬💣





Llegaron los años 80 y con ellos, la mejor década que el Heavy Metal ha vivido en España y en el resto del mundo. En sus comienzos empieza a gestarse el nacimiento de la banda más representativa del Heavy Metal español, Obús, junto con Barón Rojo.

En los primeros meses de 1980 dos jóvenes madrileños, Juan Luis Serrano y Francisco Laguna, bajista y guitarrista, que ya coincidieron en otras formaciones como Red Box y Madrid 20, deciden formar Obús, sin saber aún que iban a revolucionar todo el panorama musical de la década. Para completar el grupo deciden llamar al batería Manolo Caño BÚ (Mazo), a partir de ahí comienzan a componer las canciones del que sería su primer vinilo. Así continuaron hasta abril de 1981, mes en el que Manolo Caño es sustituido por Fernando Sánchez al mismo tiempo que se incorpora Fortu Sánchez como vocalista. Hasta ese momento los encargados de ponerle voz a las canciones eran Juan Luis y Paco , bien pues ya tenemos a Obús al completo y listos para hacer historia, la cual comienza de forma fulminante en la plaza de toros de Las Ventas, ganando la Tercera Edición del Villa de Madrid. Esto les sirvió para firmar su primer contrato discográfico con Chapa Discos.

En Julio de 1981 entran en el estudio y comienzan a grabar su primer álbum, «Prepárate», producido por Tino Casal y Luis Soler, contando con la colaboración de Luis Cobos.

Nada más ver la luz el «Prepárate» catapulta al grupo a la fama, llegando al número uno de los 40 principales, algo impensable hasta esos momentos para una banda de heavy metal.

Sorprendieron a todo el mundo con su potente música y su dura imagen, adornada con cuero negro y tachuelas por todos lados, sentando las bases de lo que sería el sonido y la estética del rock duro en los años posteriores. Al poco tiempo triunfan en su propio barrio, Vallecas, en una gran actuación ante miles de personas en el campo de fútbol del Rayo Vallecano, las cuales se rinden ante el poderío y la contundencia de la banda en directo y demostrando que serían la mejor banda de directo de aquí en adelante.

6 de noviembre de 1981, Obús se embarca en una aventura de la que muchos dijeron que estaba destinada al fracaso, presentar su primer disco en el Pabellón de Deportes del Real Madrid, sin embargo consiguieron otro hecho histórico, con un lleno a reventar y confirmándose como unos de los grandes del heavy español, consagrándose canciones como «Va a estallar el Obús», «Sólo lo hago en mi moto» o «Pesadilla nuclear» como himnos dentro de la escena del rock español.

Pronto comienzan a salir galas y no paran de girar presentando el LP por toda España, llenando allí donde tocasen, como fue el caso también en su presentación en Barcelona, en el Pabellón del Barça.

Todos los medios se hacen eco de la ascensión meteórica de Obús hacia la fama, apareciendo en todos los medios de comunicación (prensa, radio, TV…).

En 1982 sacan su segundo álbum, «Poderoso como el Trueno», siguiendo la buena línea del primero, con temas tan representativos como «Dinero, dinero», «Dame Amor», o el mismo «Poderoso como el Trueno». En este disco volvieron a contar con la ayuda de su buen amigo Tino Casal, junto con la de Luis Soler. Regresan al Pabellón de Deportes del Real Madrid para presentar el disco ante todos sus seguidores.

En 1984 les llega el momento de la consagración como banda indiscutible de primer nivel con el lanzamiento de su impresionante disco «El Que Más», el tercero de su carrera, este álbum fue grabado en los Mediterráneo Studios de Ibiza, con la ayuda del ingeniero de Judas Priest, Mark Dodson, con el que consiguieron un sonido que por aquel entoces sólo estaba al alcance de bandas de talla internacional, además Adrian Smith (Iron Maiden) escribió una canción para el disco titulada «Alguien», y junto con este tema todo un disco repleto de canciones brillantes como «Vamos muy bien», «Autopista», «El qué más», «Viviré», «Juego Sucio».

Obús es ya conocido por todo el mundo, y también entran con fuerza en Sudamérica. En ese mismo año viajan a Venezuela ofreciendo dos actuaciones en el famoso Poliedro de Caracas.

En 1985 vuelven al estudio para grabar su cuarto álbum, «Pega con fuerza», de nuevo en los Mediterráneo Studios, con temas como «Te visitará la muerte».

Durante todo este tiempo el grupo no deja de actuar y de cosechar éxitos y en 1986 llega el quinto disco, «Dejarse la piel», un álbum que se sale un poco de la línea de los anteriores pero que refleja su madurez como músicos y que incorpora una novedad hasta entoces desconocida en el repertorio de la banda, su magnífica balada «Complaciente o cruel» y temas como «Necesito más», «Crisis», «Mentiroso», «Rómpelo», etc.

En 1987 tienen suficientes canciones como para decidirse a grabar un doble disco en directo, «En directo 21-2-87», demostrando a todo el mundo que su directo y puesta en escena es lo mejor del momento, ofreciendo un concierto memorable y volviendo a llenar el Pabellón del Real Madrid (por si alguién tenía dudas).

A finales de los 80 el bajón del heavy a nivel mundial es evidente, abandonan Zafiro, que prefiere apoyar a otro tipo de grupos y fichan por Avispa. Con esta discográfica sale «Otra vez en la ruta» en 1990. El panorama para el heavy es desolador y es ya un hecho que pasa por momentos de crisis, por este motivo, y aunque vuelven a Sudamérica a dar una serie de conciertos en México, Obús decide aparcar el grupo, y cada uno de sus miembros se dedica a diferentes proyectos musicales.

Hasta este punto de su trayectoria, Obús cuenta con muchos momentos históricos, premios y varios discos de oro, sin mencionar que la historia del heavy metal español no podría entenderse sin citarlos.

Sin embargo, el grupo no estaba disuelto, sólo aparcado momentáneamente, y en 1996 regresan a los escenarios. Poco a poco vuelve a surgir interés por este género y en absoluto silencio comienzan a componer nuevos temas, que se ven reflejados en su regreso discográfico en Octubre del 2000, callando las bocas de los más escépticos, con su impresionante «Desde el fondo del abismo», un compacto lleno de fuerza y rabia, con unas canciones que demuestran que se encuentran en plena forma, sabiendo que la veteranía es un punto a su favor, con canciones como «Que te jodan», «Cautivos», «Esta vida», «Siento ganas», «Marilú». Todos y cada uno de los temas que forman el disco son excepcionales y estamos seguros que no dejarán insatisfechos a ninguno de nuestros fans.








Las botas hay que limpiarlas a menudo 🕶️🥾





Los inicios del que para muchos es el mejor grupo español de heavy-rock de todos los tiempos, nos lleva a la unión de cuatro músicos excelentes: dos hermanos, Armando y Carlos de Castro a las guitarras y voces, José Luis Campuzano, también conocido como “Sherpa” al bajo y voz y Hermes Calabria a la batería. Desde la formación del grupo en 1980 hasta 1989 Barón Rojo publica multitud de discos, consiguiendo un gran éxito de ventas y gira en varias ocasiones por España y el resto del mundo, en países como Venezuela, Argentina, Bélgica…

El grupo debuta discográficamente hablando con la publicación en 1.981 del disco titulado "Larga vida al Rock & Roll" (Chapa/Zafiro) con un primer single con el tema "Con botas sucias" dedicado a la compañía discográfica CBS.

Sin apenas descanso se van a Londres y aprovechan para grabar lo que sería su segundo trabajo titulado "Volumen brutal" (Chapa/Zafiro en español y Kammaflage en inglés, que lo publica también en Japón). Se graba en los estudios Kingsway (del Sr. Ian Guillan, cantante de Deep Purple), y se finaliza prácticamente en dos semanas, tanto en español como en inglés. Tras realizar una gira inglesa, los barones inician otra por Hispano-América obteniendo un éxito total, y a la finalización de ésta continúan descargando en España.

En 1.983 se publica el tercer disco titulado "Metalmorfosis" (Chapa/Zafiro), grabado también en Londres y que incluye temazos como "Casi me mato", "El malo", "Tierra de vándalos"..., y "Herencia letal" e "Invulnerable" que salieron publicados en un single aparte que se regaló con las primeras 20.000 copias del Lp.

"En un lugar de la marcha" (Chapa/Zafiro), ve la luz en 1.985 con temas como el himno "Cuerdas de Acero", "Hijos de Caín" o "Breakthoven", temas realmente impresionantes. En 1.986 se publica el disco "Siempre estarás allí" (Chapa/Zafiro), compuesto por varios de los temas que no se incluyeron en Barón Al Rojo Vivo, por consiguiente, en directo.

En 1989 la formación original de Barón Rojo se disuelve con la marcha de Sherpa y a partir de este momento la banda sufre algunas modificaciones aunque continua editando discos y haciendo giras. En el año 2009, se celebra en Zaragoza el Metalway Festival 09, con el aliciente de que los componentes originales de Barón Rojo, Carlos, Armando, Sherpa y Hermes se reunieron después de más de veinte años para ofrecer un concierto histórico de más de dos horas de duración en el que repasaron los temas más emblemáticos del grupo.

Durante los años 2010 y 2011, Barón Rojo ofrece diferentes conciertos, algunos de ellos con la formación original y otros muchos con la formación actual. Actualmente Barón Rojo, de la mano de sus actuales componentes, Carlos y Armando de Castro, Gorka Alegre y Rafa Díaz, nos hacen disfrutar de su música, de sus letras, de sus canciones y de sus impresionantes directos, siguen en la carretera recorriéndose miles de kilómetros para que la avalancha de los mas fieles fans que jamás pudiera haber tenido cualquier grupo.


Al final el diablo cojuelo acabará reventando el planeta junto a su nauseabundo sistema.
Luis Eduardo Aute en el recuerdo ✊





Había una vez un flautista de Hamelín llamado Barto, con una flauta de un agujero solo, que dejó al Barcelona sumergido en un continuo onírico (por el momento) mal sueño 🏴☠️








Última edición por ramones77 el 25 Nov 2020 13:08, editado 1 vez en total.

#54

Mensaje 25 Nov 2020 12:33

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Ñu es un grupo español de rock formado en 1974. Su estilo, descrito en alguna ocasión como rock medieval, reúne elementos de música medieval, celta y heavy metal. Su fundador, José Carlos Molina (flautista y cantante), es el único miembro del grupo que ha permanecido durante toda la trayectoria del mismo.

Se ha señalado repetidamente la influencia de Jethro Tull y su líder, Ian Anderson, en el sonido y la imagen de la banda. A su vez, esta ha ejercido una influencia notable en grupos posteriores como Mägo de Oz.

El grupo nace de una banda anterior formada en 1972, Fresa, de la que formaban parte J.C. Molina y el guitarrista Rosendo Mercado. En 1974 el grupo pasó a llamarse Ñu. En 1976 se publicó, sin conocimiento del grupo, su primer disco, el sencillo 'Que nadie escape a la evolución / Volando en sociedad'. En 1978, Mercado abandonó el grupo para fundar su propia banda, Leño.

Los continuos cambios en la formación del grupo (hasta sesenta músicos distintos a lo largo de su discografía) se han puesto en relación con el carácter del líder del mismo, descrito por uno de sus críticos como «irascible, autosuficiente y poco diplomático». A pesar de los cambios, el grupo ha recibido críticas que consideran su música «rock anclado en el pasado» y acusan a su líder de negarse a evolucionar. Para otro crítico, sin embargo, «Ñu ha soportado dos décadas de incomprensión y ausencia de apoyo, respondidas con una actitud de "aquí me las den todas, que yo tiro para adelante". Para muchos, el veterano grupo madrileño se perdió en la noche de los tiempos, pero lo cierto es que su actividad, aunque públicamente inadvertida, no ha cesado nunca. (...) Ñu es la flauta que vencerá, al menos en el terreno de la dignidad».


Labanda fue un grupo musical español de música celta y folk-rock, originario de Madrid. Aunque al final de su carrera grabaron alguna canción, su repertorio más característico consta de piezas instrumentales tradicionales o de inspiración tradicional, como Sueños diabólicos, arregladas en un estilo cercano al de los franceses Gwendal.

El grupo, que se llamó en un primer momento La banda de Rory McGregor, se fundó en 1979 y se disolvió en 1986. En 1987 regresó con otra formación.

Miembros:
La formación original de Labanda incluía los siguientes músicos: Luis Silva (mandolina), José María Silva (bajo), Pedro Guerrero (guitarra acústica), Joaquín Blanco (gaita, bombarda, flauta), Álvaro Domínguez (violín), Josué Vea (guitarra eléctrica) y Carlos de Yebra (batería). Posteriormente, Antonio Vázquez Martín (batería), Aristóbulo Cuenca (guitarra eléctrica) y Jean Françoise André (violín) sustituyeron las bajas de los respectivos instrumentistas y se incorporó Víctor Ruiz (teclados). En el segundo disco Labanda contó con la colaboración de Rosendo Mercado.​

Tras la disolución del grupo en 1986, Leonel Vignola, que había sido pipa, eventual guitarrista y técnico de sonido en la banda, lideró una nueva formación en la que continuaron durante algún tiempo Joaquín Blanco y Jean Françoise André. Fueron miembros de esa formación Jorge Flaco Barral (bajo, banjo, bouzouki y mandolina), Eduardo Estrada (gaita, bombarda, flautas y bodhran), José Manuel Torrego (batería, percusión electrónica y darbouka), Sergio Cisneros (teclados y acordeón), Marcelo Beltrán (bajo), Víctor Ruiz (teclados), Terry Barrios (batería) y Luis Guti (dulzaina, gaita, flautas).


Cuántas cucarachas agazapadas 🦠
Llegó el final, solo queda la sinfónola loca recordando a dos cantantes de órdago y tres canciones muy navideñas, entre atracos a Santa Claus, bailes a ritmo de Glam y secuestros en el portal; en las fiestas más capitalistas y falsas que pudieran inventar los descendientes de los antiguos paganos.

Feliz soltiscio de invierno, Bon Nadal y Força Barça ✊💙❤️!!!
Hasta después del Roscón 🥂





Siempre The Kinks.



Pat Benatar de mi juventud.






Por cierto presentador hijoputa y vicioso.
Slade navideño Glamnero!!!
🥃🚬


¿Estás colgando una media en tu pared? Es el momento en que cada Santa tiene una pelota. ¿Monta un reno de nariz roja? ¿Las hadas lo mantienen sobrio por un día? Coro: Así que aquí es feliz Navidad Todo el mundo se está divirtiendo Mira al futuro ahora Sólo acaba de empezar ¿Estás esperando a que llegue la familia? ¿Estás seguro de que tienes la habitación de sobra dentro? ¿Tu abuela siempre te dice que los viejos son los mejores? Entonces ella está arriba y rodando con el resto Chorus: Así que aquí es feliz Navidad Todo el mundo se está divirtiendo Mira al futuro ahora Sólo acaba de empezar ¿Qué hará tu papá cuando vea a tu mamá besando a Santa Claus? ¿Estás colgando una media en tu pared? ¿Esperas que la nieve comience a caer? ¿Montas por la ladera en un buggy que has hecho? Cuando aterrices sobre tu cabeza, entonces has sido asesinada Chorus (4x) Así que aquí es feliz Navidad Todo el mundo se está divirtiendo Mira al futuro ahora Sólo acaba de empezar.⚡💥⭐


Canción para año nuevo 😸
❤️❤️❤️❤️❤️❤️❤️
👄👄👄👄👄👄👄


Martha Davis....ummmmmmm
The Motels, para un buen 2021!!!





Secuestro en el portal y Benny Hill a la carrera😅😂🤣😭😎
Agur!!!





Que recuerdos... aquellas navidades radioactivas ochenteras... pedazo de recopilación.
🏴☠️🎤





Última edición por ramones77 el 25 Nov 2020 22:23, editado 1 vez en total.

#55

Mensaje 25 Nov 2020 19:10

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Maradona.
D.E.P.


#56

Mensaje 28 Nov 2020 14:59

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No hay nada como tú opinión de mierda.


Que no pase un día sin que des tu opinión de mierda
Que no pase un día sin que cuentes tus miserias
Ni un día sin hacer a alguien de menos
Ni un día sin abrir la caja de los truenos

España necesita conocer tu opinión de mierda
La gente necesita que le des tu opinión de mierda
Un montón de temas sueltos e inconexos
Aguardan el veredicto del experto

Todo lo que piensas es importante
Mejor que lo sueltes cuanto antes
Formas parte de ese noventa por ciento
De gente que se cree mejor que el resto

La gente está buscando en Internet tu opinión de mierda
Todo el mundo quiere conocer tu opinión de mierda
Estás en tu derecho de brindarnos una mierda de opinión



Así lo cantan los Punsetes.🤔🤭😙


#57

Mensaje 29 Nov 2020 16:59

onlineramones77
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ramones77
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Ante el frío polar...



Rebeldía y ganas🏴☠️💣



Y mucha calma, sin perder el horizonte...






#58

Mensaje 08 Dic 2020 18:32

offlineToniKukoc
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ToniKukoc
Dios supremo
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Hoy se cumplen 40 años del asesinato de John Lennon.

La pérdida que produjo para la música y para la sociedad en general ese pvto loco que se lo cargó, no tiene perdón. Por lo que para mí fue un magnicidio


Por cierto, que acabo de leer que sigue en prisión tras once intentos para conseguir la condicional.


#59

Mensaje 08 Dic 2020 21:54

onlineramones77
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ramones77
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Sobran las palabras...




#60

Mensaje 09 Dic 2020 11:01

onlineramones77
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ramones77
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La vida es una tómbola de noche y de día...
Arriba y arriba✊💣🏴☠️



Si yo fuera Maradona viviría como él
Si yo fuera Maradona frente a cualquier portería
Si yo fuera Maradona nunca me equivocaría
Si yo fuera Maradona, perdido en cualquier lugar
La vida es una tómbola, de noche y de día
La vida es una tómbola, y arriba y arriba
La vida es una tómbola, de noche y de día
La vida es una tómbola, y arriba y arriba
Si yo fuera Maradona viviría como él
Mil cohetes, mil amigos, lo que venga a mil por cien
Si yo fuera Maradona saldría en Mondovision
Pa' gritarles a la FIFA que ellos son el gran ladrón
La vida es una tómbola, de noche y de día
La vida es una tómbola, y arriba y arriba
La vida es una tómbola, tómbola
La vida es una tómbola, tómbola, tómbola
Si yo fuera Maradona viviría como él
Porque el mundo es una bola que se vive a flor de piel
Si yo fuera Maradona frente a cualquier porquería
Nunca me equivocaría
Si yo fuera Maradona y un partido que ganar
Si yo fuera Maradona, perdido en cualquier lugar
La vida es una tómbola, de noche y de día
La vida es una tómbola, y arriba y arriba
La vida es una tómbola, de noche y de día
La vida es una tómbola, tómbola, tómbola, tómbola...✊🏴☠️💣💙❤️


Everybody's talking and no one says a word
Everybody's making love and no one really cares
There's nazis in the bathroom just below the stairs

Always something happening and nothing going on
There's always something cooking and nothing in the pot
They're starving back in china so finish what you got

Nobody told me there'd be days like these
Nobody told me there'd be days like these
Nobody told me there'd be days like these
Strange days indeed
Strange days indeed


Everybody's runnin' and no one makes a move
Everyone's a winner and nothing left to lose
There's a little yellow idol to the north of katmandu

Everybody's flying and no one leaves the ground
Everybody's crying and no one makes a sound
There's a place for us in the movies you just gotta lay around

Nobody told me there'd be days like these
Nobody told me there'd be days like these
Nobody told me there'd be days like these
Strange days indeed
Most peculiar, mama

Everybody's smoking and no one's getting high
Everybody's flying and never touch the sky
There's a ufo over New York and I ain't too surprised

Nobody told me there'd be days like these
Nobody told me there'd be days like these
Nobody told me there'd be days like these
Strange days indeed
Most peculiar, mama

Nadie me dijo
Todo el mundo habla y nadie dice una palabra
Todo el mundo está haciendo el amor y a nadie le importa
Hay nazis en el baño justo debajo de las escaleras

Siempre pasa algo y no pasa nada
Siempre hay algo cocinando y nada en la olla
Están muriendo de hambre en China, así que termina lo que tienes

Nadie me dijo que habría días como estos
Nadie me dijo que habría días como estos
Nadie me dijo que habría días como estos
Días extraños de hecho
Días extraños de hecho

Todo el mundo está corriendo y nadie se mueve
Todo el mundo es un ganador y no queda nada que perder
Hay un pequeño ídolo amarillo al norte de Katmandú

Todo el mundo está volando y nadie deja el suelo
Todo el mundo está llorando y nadie hace ruido
Hay un lugar para nosotros en las películas en el que debes descansar

Nadie me dijo que habría días como estos
Nadie me dijo que habría días como estos
Nadie me dijo que habría días como estos
Días extraños de hecho
Lo más peculiar, mamá

Todo el mundo está fumando y nadie se está drogando
Todos están volando y nunca tocan el cielo
Hay un ovni sobre Nueva York y no me sorprende demasiado

Nadie me dijo que habría días como estos
Nadie me dijo que habría días como estos
Nadie me dijo que habría días como estos
Días extraños de hecho
Lo más peculiar, mamá


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